REQUIEM FOR EVITA

/ 19:22

dramaturgia y dirección JORDI PRAT i COLL
intérpretes IVAN LABANDA / ANNA MOLINER, JORDI VIDAL y ANDREU GALLÉN
duración 1h 20min
fotografía MAY ZIRCUS
LA SECA ESPAI BROSSA

El solo hecho de ir al teatro ya es un ritual que cada uno lo asume con una fe de diferente. Al final en la platea de turno somos un único aliento que respira al unísono a varias voces disonantes. Pero nada más entrar en la Sala Joan Brossa de La Seca nos damos cuenta que este ritual será diferente, hay quelcom en el ambiente que así lo indica.

No es porque los intérpretes ya estén en escena, que te miran, que van reconociendo a personas "amigas" entre los asistentes. Tampoco porque se permita hacer fotos (sin flash) el único día que apagas por completo el móvil en vez de dejarlo en modo avión (fallo garrafal). Creo que soy incapaz de explicar con palabras la atmósfera que uno se encuentra al entrar, sin duda lo mejor es vivirlo en directo.

Pero para ponernos en situación, los tres individuos que tenemos enfrente nos han citado en los bajos de un edificio donde está  apunto de comenzar un ritual muy particular, en el que descubriremos su fe, un nuevo dios, Eva Perón. A partir de entonces nuestro padre nuestro particular será un medley muy especial con Don't cry for me Argentina, como pilar.



Bajo un recomendación fui a ver el montaje con Ivan Labanda como maestro de ceremonias. Y la verdad es que su presencia refuerza el carácter de cabaret con un toque de petardeo y un guiño a la comunidad LGTBI+. Labanda está sensacional, tanto él como Jordi Vidal llevan la voz cantante de esta misa pagana donde seguiremos los dictámenes de Eva Perón o a quién quiera que les de la gana a estos dos

Las dotes  cómicas y musicales de Ivan Labanda son de sobra conocidas para los musical lovers. Al igual que las de Jordi Vidal, que en Requiem for Evita, vuelve a demostrar un amplio rango vocal que deja pasmados a propios y a extraños. Pero la gran sorpresa del montaje es la vis cómica de Andreu Gallén que lo mismo sirve "para un roto que para un descosío". 



Tanto el diseño de iluminación de Lluís Robirola como, en especial, la escenografía de Judith Torres juegan a la sorpresa con el espectador y son unas perfectas comparsas para el show que se acaba montando encima del escenario. Las letras de David Pintó son el talismán que le faltaba al espectáculo para que te dure días en la cabeza.

A Jordi Prat i Coll le compramos estampitas, cantamos cualquier himno que se le pase por la cabeza e incluso recibimos su peculiar comunión sin pestañear. Sin ser creyente de nada, acabas cayendo a los pies de esta peculiar fe y sin darte cuenta, sucumbes bajo el grito de guerra, "Jo sóc perona"


dramaturgia y dirección JORDI PRAT i COLL
intérpretes IVAN LABANDA / ANNA MOLINER, JORDI VIDAL y ANDREU GALLÉN
duración 1h 20min
fotografía MAY ZIRCUS
LA SECA ESPAI BROSSA

El solo hecho de ir al teatro ya es un ritual que cada uno lo asume con una fe de diferente. Al final en la platea de turno somos un único aliento que respira al unísono a varias voces disonantes. Pero nada más entrar en la Sala Joan Brossa de La Seca nos damos cuenta que este ritual será diferente, hay quelcom en el ambiente que así lo indica.

No es porque los intérpretes ya estén en escena, que te miran, que van reconociendo a personas "amigas" entre los asistentes. Tampoco porque se permita hacer fotos (sin flash) el único día que apagas por completo el móvil en vez de dejarlo en modo avión (fallo garrafal). Creo que soy incapaz de explicar con palabras la atmósfera que uno se encuentra al entrar, sin duda lo mejor es vivirlo en directo.

Pero para ponernos en situación, los tres individuos que tenemos enfrente nos han citado en los bajos de un edificio donde está  apunto de comenzar un ritual muy particular, en el que descubriremos su fe, un nuevo dios, Eva Perón. A partir de entonces nuestro padre nuestro particular será un medley muy especial con Don't cry for me Argentina, como pilar.



Bajo un recomendación fui a ver el montaje con Ivan Labanda como maestro de ceremonias. Y la verdad es que su presencia refuerza el carácter de cabaret con un toque de petardeo y un guiño a la comunidad LGTBI+. Labanda está sensacional, tanto él como Jordi Vidal llevan la voz cantante de esta misa pagana donde seguiremos los dictámenes de Eva Perón o a quién quiera que les de la gana a estos dos

Las dotes  cómicas y musicales de Ivan Labanda son de sobra conocidas para los musical lovers. Al igual que las de Jordi Vidal, que en Requiem for Evita, vuelve a demostrar un amplio rango vocal que deja pasmados a propios y a extraños. Pero la gran sorpresa del montaje es la vis cómica de Andreu Gallén que lo mismo sirve "para un roto que para un descosío". 



Tanto el diseño de iluminación de Lluís Robirola como, en especial, la escenografía de Judith Torres juegan a la sorpresa con el espectador y son unas perfectas comparsas para el show que se acaba montando encima del escenario. Las letras de David Pintó son el talismán que le faltaba al espectáculo para que te dure días en la cabeza.

A Jordi Prat i Coll le compramos estampitas, cantamos cualquier himno que se le pase por la cabeza e incluso recibimos su peculiar comunión sin pestañear. Sin ser creyente de nada, acabas cayendo a los pies de esta peculiar fe y sin darte cuenta, sucumbes bajo el grito de guerra, "Jo sóc perona"

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versión cañera inspirada en Quién teme a Virginia Woolf de Edward Albee
dirección y adaptación MARC RIBERA
intérpretes ERIC BALBÀS, MARIA HERNANDEZ, MAR PAWLOWSKY y JORDI SAMPER
duración 75min
fotografías AITOR RODERO
producción EL EJE y TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

Por razones incomprensibles se ha convertido en la obra más polémica del momento. La foto del cartel donde se mostraba un culo fue censura por Facebook y la página del teatro fue suspendida temporalmente sin aviso previo. Sensibles como somos ante la censura cada vez más incipiente en nuestro país, la comunidad teatral catalana se movilizó en masa y en una semana se consiguió zanjar la polémica. Justo a tiempo para el estreno de la obra.

Precedida por la polémica, Masticar Hielo llega para crear más. Desde el mensaje de aviso para que los espectadoras apaguen el móvil, sí así en femenino (cosa que molestó de sobremanera al espectador que tenía a mi lado) hasta el mismo aviso que no piensan censurar ni una coma.



Alto voltaje desde el primer minuto. La pacífica sala de estar llena de cuadros de diferentes estéticas pronto se ve alterada por la presencia de dos individuos, la Martha (Mar Pawlowsky) y el George (Eric Balbàs) que entran en escena con la mecha al límite de estallido. Llegan de una exposición de arte de una de las galerías más reconocidas a nivel mundial, propiedad del padre de ella. Los reproches y los litros de alcohol inundarán la escena durante todo el montaje. 

A la fiesta pasada de decibelios son invitados Nuna (Maria Hernandez) y Nick (Jordi Samper), una artista y la su pareja y manager que llegarán para avivar el fuego. Es entonces cuando todo se descontrol y los reproches van en todas las direcciones sin importar nada más que quién la dice más bestia.

Si en la versión de Albee se cuestionaba el mundo académico/universitario, aquí se cuestiona el mundo artístico pero sobre todo la vida de la clase alta y cómo no todo lo puede llenar el dinero. Unas vidas vacías donde el alcohol intenta tapa el hastío existencial sin realmente conseguirlo.



A pesar de que es una obra bastante coral, el centro de la diana se lo lleva una sensacional Mar Pawlowsky, que cumple uno por uno las características que requiere un personaje como este: estridente, con una verborrea imparable, verdulera, al más puro estilo del programa Sálvame o similares. 

Pero el resto de personajes no se quedan atrás en esta guerra donde el más destroyer "gana". También es destacable las dos (o más caras) que esconden los personajes, especialmente en el caso de Nuna y Nick, ya que Martha y George se lo lanzan todo a la cara, sin que quede nada en el tintero, aparentemente.

La dirección de Marc Ribera ha optado por no dar tregua al espectador y aquí se tiran más petardos que en la noche de San Juan. Realmente el espectador queda exhausto de tanta potencia, de tanto grito, de tanto reproche y sale a la calle anestesiado pensando que sólo es ficción... o no.

MASTICAR HIELO

by on 19:37
versión cañera inspirada en Quién teme a Virginia Woolf de Edward Albee dirección y adaptación MARC RIBERA intérpretes ERIC BALBÀS,...
de OSCAR WILDE
traducción CRISTINA GENEBAT
versión DAVID SELVAS y CRISTINA GENEBAT
dirección DAVID SELVAS
intérpretes MIKI ESPARBÉ, DAVID VERDAGUER, NORBERT MARTÍNEZ, LAURA CONEJERO, PAULA MALIA, PAULA JORNET y MIA ESTEVE
duración 1h 45min
fotografías FELIPE MENA
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y LA BRUTAL
SALA PETITA (TNC)

Lleno absoluto en la sala, entradas agotadas antes de su estreno y temporada veraniega en el Poliorama. La Brutal lo ha vuelto a hacer, magia o lo que es lo mismo encontrar la fórmula perfecta que entusiasme a público y a crítica a partes iguales.

Partiendo de un clásico, en este caso de Oscar Wilde, sacarle el polvo, una comedia británica que mezcla los enredos amorosos con una dura crítica a la sociedad burguesa y que se convierte en todo un placer para los sentidos.

Jose Novoa ha diseñado una escenografía perfecta que lo mismo nos traslada a la sala de estar de una lujosa casa de Londres como nos hace viajar al pueblo, eso sí previo a un singular baile de plantas.



Hay ocho personajes en esta función, más allá de los siete originales de carne y hueso, la música compuesta por Paula Jornet bajo la dirección musical y arreglos de Pere Jou y Aurora Bauzà es una gran sorpresa en la función, le otorga una vitalidad, un ritmo vibrante y unas ganas imparables de bailar. No se puede decir que la obra se haya convertido en un musical, pero las piezas musicales están perfectamente integradas en la dramaturgia y son luz y descanso entre tanto enredo amoroso. De lo que no hay duda es que el buenrollismo se apodera de la escena y no lo abandonará hasta el final.



Aunque el drama amoroso se centra en los personajes de Miki Esparbé, John Worthing, David Verdaguer, Algernon Moncrieff, Paula Malia, Gwendolen Fairfax y Paula Jornet, Cecily Cardew, las miradas se centran en Lady Bracknell, una sensacional Laura Conejero, el personaje con las mejores réplicas cómicas y con un fuerte gusto por resaltar lo estrafalario de los gustos y costumbres de la alta sociedad inglesa. Después de unas temporadas excesivamente centrada en los roles dramáticos, la Conejero vuelve a ponerse el vestido que mejor le sienta, la comedia. Con un papel que lleva escrito su nombre, el recital interpretativo que despliega es de high level. Magistral.



Uno de los signos característicos de La Brutal es la creación de pequeñas familias teatrales en cada producción. En este caso, quizás por la naturaleza de la obra, esa sensación traspasa los límites del escenario y, desde platea se puede palpar que el buenrollismo de la obra ha calado fondo en sus intérpretes. Cuánto más disfrutan ellos, nosotros, como público, mejor nos lo pasamos.

Con julio a tocar, más de uno ya debería tener un pie puesto en el Poliorama. Si como dice el propio David Selvas al programa "Wilde escribió un obra con una gran sabiduría e inteligencia vital", la  versión del propio Selvas y Cristina Genebat bajo la batuta del primer ha acabado de rondear con gran maestría y acierto la pieza

Vete. No te la pierdas. No te arrepentirás. Bravo!

dramaturgia y dirección CONCHA MILLA
intérpretes ALEJANDRO BORDANOVE, MUGUET FRANC, JOSÉ PEDRO GARCÍA BALADA y PATRÍCIA MENDOZA
duración 70min
fotografía DOS PUNTOS FOTOGRAFÍA
TEATRE LA GLEVA

Quién más quien menos ha vivido una o más rupturas sentimentales en su vida. Aunque todas tengan aspectos en común, cada persona es un mundo y lo sobrelleva de una manera diferente. En este caso la historia la narra la Sara, Muguet Franc, una mujer a la que parece que la vida le ha llevado a conformarse, a no querer aspirar a más, pero los que se conforman son, a menudo, los que más pierden.

En toda historia de ruptura siempre hay culpables, en este caso la repentina aparición de una ex pareja en el lugar de descanso de Sara y Hugo, José Pedro García Balada, desbarata su aparente tranquilidad y pone la casa patas arriba. Àgata, Patrícia Mendoza y Simó, Alejandro Bordanove, representan una pareja poco convencional. Él acaba de entrar en la veintena y ella casi le dobla la edad. La tranquilidad de unos  choca de frente con las ganas de Àgata por seguir disfrutando, seguir sintiéndose viva.

La dramaturgia está planteada desde la tranquilidad y el reposo que desprende la Sara. Un conjunto de escenas dialogadas en pareja o en cuarteto, pero que acaban en la soledad de los pensamientos en voz alta de la propia Sara, casi a oscuras y directos a una platea apagada.

De entre los intérpretes, siendo más de acción que de reposo, me atrapa la inocencia y las ganas vitales de Simó que queda perfectamente dibujado por Alejandro Bornanove. Y la locura y la persona veleta que representa Àgata, con una precisa Patrícia Mendoza.

Interiors hace honor a su nombre, si bien es cierto que cada uno con lo suyo. En este caso el recogimiento es más presente, y la cadencia se tiene que adecuar a él. Personalmente eché de menos un poco más de ritmo entre tanto silencio de palabras no dichas. Quedárselo todo dentro no siempre es la mejor opción, ¿o sí?

INTERIORS

by on 18:20
dramaturgia y dirección CONCHA MILLA intérpretes ALEJANDRO BORDANOVE, MUGUET FRANC, JOSÉ PEDRO GARCÍA BALADA y PATRÍCIA MENDOZA dura...

autor JASON ROBERT BROWN
adaptación DANIEL ANGLÈS y JOAN VÁZQUEZ
dirección MARC VILAVELLA
dirección musical GUSTAVO LLULL
intérpretes ANNA HEREBIA y MARC FLYNN
duración 90min
EL MALDÀ 

Soy muy fan de los musicales de pequeño tamaño.  Aquellos en los que no hay ni trampa ni cartón, tampoco hay grandes coreografías ni efectos especiales, en aquellos donde la verdad manda. El Maldà es especialista en este género y es la sala perfecta, si se sabe aprovechar bien, como es el caso, para que poco más de una cincuentena de espectadores se deleiten con una buena dosis de música y voz.

Aquest cinc anys es la historia de principio a fin de una pareja. Jaime Wallestein, Marc Flynn, es un novelista con un futuro prometedor y un ego muy marcado. Cathy Hiatt, Anna Herebia, es una aspirante a actriz, con un punto excesivamente naïf.



La forma de narrar la historia nos viene a través de monólogos, pero sobre todo de canciones solistas. Aunque estén juntos en el escenario, no hay diálogo, se cantan pero desde un plano temporal diferente. Ahí está el juego, ahí está el trabajo "fácil" para el espectador que recompone las piezas del puzzle de esta relación.

Con esta peculiar manera de narrar, la dificultad del montaje recae en la banda actoral y de dirección. El personaje de Jamie Wallestein es excesivamente frío, en gestos y maneras de expresarse, incluso en los buenos momentos de la relación. Me faltó algo más de expresividad por su parte. Cosa que en la interpretación de Anna Heredia sí que está presente. Todo un cúmulo se sentimientos que se reflejan con una simple mirada y que se perciben nota a nota.

La parte musical la componen piano y violín en directo, toda una delicia para los oídos, que, a pesar de estar en una sala pequeña, contrasta con el uso por parte de los intérpretes de micrófonos. Sin duda, una decisión cuestionable para un público al que en algunas ocasiones le molesta la acumulación de decibelios.



Uno de los pilares del montaje es el diseño de escenografía de Jordi Bulbena que consigue aprovechar cada recoveco del Maldà. La escena de la ventana, nada más comenzar, ya lo auguraba. Por su parte el diseño de luces de Dani Gener pone la cereza a un pastel que da mucho gusto comérselo.

Y aunque Aquest cinc anys pueda parecer un montaje, de entrada, amable, esconde grandes momentos por los que quien más o quien menos ha pasado alguna vez, y que dejan la amabilidad a un lado, para desdibujar la comedia y transformarla en un drama. La vida y el amor no siempre son fáciles, pero si nos los cantan, entran muchos mejor, te lo aseguro.

AQUEST CINC ANYS

by on 18:43
autor JASON ROBERT BROWN adaptación DANIEL ANGLÈS y JOAN VÁZQUEZ dirección MARC VILAVELLA dirección musical GUSTAVO LLULL intérp...

dramatúrgia JAUME VIÑAS
dirección JÚLIA BARCELÓ
intérpretes ALBA RIBAS y MERITXELL TERMES
duración 70min
fotografías MARTINA MATENCIO
SEGUNDO PREMIO BECA DESPERTALAB
SALA ATRIUM

¡Abre los ojos! ¡Abre los ojos! ¡Abre los ojos! ¡Más! ¡Más! ¡Más! No es que me haya vuelto loca, sino es la sensación que tengo desde hace tres semanas. Parece como si hubiéramos despertado de una pesadilla, como si hubiéramos estado viviendo en el País de Nunca Jamás y de pronto al despertar hubiéramos topado con el duro, frío y asqueroso mundo real.

Jaume Viñas, sí este texto lo ha escrito un hombre, sorpresa (positiva) nos invita a entrar a la truculenta historia de dos hermanas, mujeres que se encuentran en el lindar de la infancia y la edad adulta. Su habitación está cerrada, viven en un mundo inventado, lleno de miedos y esperanzas. Faltan horas para el año nuevo, en el que una de ellas se hará mayor y mientras sueñan con escapar.



La dramaturgia es como una flor al que se le van arrancando sus pétalos. Delicada al principio y dura, áspera y "fea" al final. El ritmo del principio te atrapa y te suelta, aunque el espectador esté siempre alerta al próximo paso, hay momentos en que te permiten respirar, tomar aire para la próxima embestida. Eso sí, una vez resuelto uno de los principales misterios de la obra, no serás capaz de quitártela de encima. Vivirás, respirarás y sentirás todo y cada uno de los movimientos de las protagonistas como si fueran tuyos.

Quien siga a Júlia Barceló en las redes sociales o quién haya visto sus últimas interpretaciones, verá un sello muy personal en la dirección del montaje. Sin duda la escena final es el ejemplo más claro, pero a lo largo de la obra también va dejando ligeras pinceladas. Sin duda, Goldilocks parece escrita para que la dirigiera ella. Ha controlado a la perfección los tempos, los movimientos, ha sabido conducir perfectamente al espectador durante toda la historia hasta dejarlo sin aliento.



A pesar de la inexactitud de edades, Alba Ribas y Meritxell Termes capturan la inocencia de cuerpos y miradas, gestionan el tono infantil con registros más adultos, implican al público en su situación y consiguen que seamos empíricos y cómplices al mismo tiempo de su drama. Goldilocks es una obra difícil de digerir pero mientras observaba, con los ojos bien abiertos, a sus protagonistas actuar, me daba cuenta de que el papel más difícil lo tenían ellas. Sin duda son el puntal de la obra y consiguen que dejemos de pensar en edades, que nos olvidemos de todo y nos centremos única y exclusivamente en su drama.



Nadie dijo que vivir fuera fácil, pero para algunos es casi misión imposible. Goldilocks llega en el momento donde nos hemos dado cuenta que es hora de coger la sarten por el mango y dar la vuelta a la tortilla. Ahora o nunca. Goldilocks es otra prueba más de que la única opción es ahora. 

GOLDILOCKS

by on 19:49
dramatúrgia JAUME VIÑAS dirección JÚLIA BARCELÓ intérpretes ALBA RIBAS y MERITXELL TERMES duración 70min fotografías MARTINA MAT...

dirección ROGER TORNS
textos base CARLA LINARES, MAR PAWLOVSKY, LAURA DAZA, MARIA HERNÀNDEZ, PABLO MACHO, JAUME VIÑAS i ROGER TORNS
dramaturgia ROGER TORNS
intérpretes DIANA GÓMEZ, GEORGINA LATRE, MARIA HERNÀNDEZ, JAUME VIÑAS y RAFA DELACROIX
duración 70min
fotografías ORIOL GUILLEM
producción H.I.I.I.T
SALA ATRIUM

Estamos de enhorabuena. No recuerdo la última vez que coincidieron en cartelera tantos montajes con un perfil rupturista con el teatro convencional y con un espíritu tan joven. Algo está cambiando y esperemos que no sea flor de un día.

Uno de ellos es Hàbitat (doble penetració), primer premio en la Beca Desperta de este año, un espectáculo que crítica la sociedad actual donde todo pasa por una pantalla, y donde hemos dejado de mirarnos a los ojos, de tocarnos y lo hacemos todo por y para el foco. Pero los sentimientos son universales y no hay cámara que los cambie. La insatisfacción, la infelicidad, el amor... presentes y reales, incluso cuando se acaba el life direct.



Al contrario de lo que le pasa en otras artes, al teatro es al que más le ha costado incluir el móvil en sus espectáculos, el miedo a los ruiditos que tanto molestan, a las pantallas que iluminan media platea. Pues aquí en silencio, con la pantalla baja de luz pero el público se convierte en amo y señor y decide si ve el montaje a través de la cámara de su dispositivo o a través de su iris.

No es fácil hacer Insta Stories, grabar o hacer fotos mientras te enteras de las historias, pero la experiencia merece la pena por lo peculiar y lo fuera de lo normal. Siempre y cuando se respete al público, que asiste sólo con dos ojos a ver el espectáculo.

Delante del plantel de historias: suicidio en directo, una escritora de odia trabajar en un coworking, relaciones esporádicas en la red... todo sucede de noche, en el mismo barrio, todo en directo, todo es retransmitido y los espectadores, impávidos o no, reciben los "disparos".



Como la vida misma, interpretaciones donde la naturalidad es la máxima. Expuestos más que nunca a ser juzgados por el público. La mezcla de crítica, realidad y ficción, con unos textos que conjugan la poética con un tipo de lenguaje más descarado y sin prejuicios. 

La escenografía de Albert Ventura y Alejandra Lorenzo no puede ser más apropiada, personajes atrapados en su propia pecera, burbuja mental con dos planchas de policarbonato que no sólo actual como pantalla sino que en ella pasan las cosas más "salvajes" de la pieza.

La platea debería estar llena de esa generación millenial y Z que no encuentran propuestas teatrales a su gusto. Para los no milenial es una radiografía de esta generación y, supongo que de las venideras, aunque a veces como todo se escape y se apodere de la sociedad entera, sin importar edades.

La Sala Atrium anuncia que el montaje volverá en breve. Ya no hay excusa por dejarse atrapar por esta pecera de vanidades llena de vida. Un montaje   que no te puedes dejar perder. Ah y no te olvides el móvil en casa!

dramaturgia y dirección GABRIEL CALDERÓN
traducción XAVIER PUJOLRÀS
intérpretes ALBERT AUSELLÉ, JORDI BANACOLOCHA, IMMA COLOMER, BRUNA CUSÍ, FRANCESC FERRER, LINA LAMBERT y SERGI TORRECILLA
duración 1h 20min
fotografías MAY ZIRCUS
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y BITÒ PRODUCIONS
SALA TALLERS (TNC)

¿Dónde estaba Gabriel Calderón hasta ahora? Ahora es fácil subirse al carro y decir que "rebentin, petin y que estalle todo" si es su deseo. Los espectadores amantes del teatro de texto puro y duro disfrutarán de lo lindo con este montaje. Pero vayamos por partes...

La relojería de la dramaturgia de Calderón debe ser suiza porque el ritmo es vertiginoso y lejos de que se aleje del espectador, consigue que éste se sumerja en la historia desde el primer instante y sea incapaz de despegar los ojos del escenario. El teatro latinoamericano tiene por seña de identidad el gusto por la naturalidad. Aquí, a pesar del surrealismo, se conserva ese toque de hacer de lo irreal un hecho cercano con el que el espectador puede empatizar en muchos momentos.



Un sueño, convertido en ficción, una historia que a muchos les gustaría llegar a protagonizar en la vida real. Una historia familiar de poder rendir cuentas con el pasado. Dar la información a cuenta gotas provoca que el espectador tenga que estar atento a la próxima píldora que se le de, y sobre todo saber diferenciar los continuos flashbacks y flashfowards que poblan el espectáculo.

El escenario se ha convertido en una especie de pantalla cinematográfica, irreal porque sabes que los personajes son de carne y hueso pero el hecho de subrayar la ficción de esta manera me parece brillante. Dentro de la falsa pantalla encontramos un salón convencional, con muebles de otra época que ahora no llegarían a considerarse vintage sino más bien old-fashioned, pero realmente eso es lo menos.



A nivel de interpretación una de las cosas más sorprendentes es la manera de decir el texto. Acostumbrados a un mastique más ligero de palabras aquí la velocidad es tal que se traslada a toda la pieza. No es que no importen las palabras, aunque al final sea más cierto que las intenciones y los tonos manden más que su significado.

Jordi Banacolocha borda un papel que lleva escrito su nombre, en una de sus mejores interpretaciones. Por su parte, Francesc Ferrer maravilla con su discurso con un punto de derroche cómico desternillante sobre   la imperante necesidad de decir "t'estimo". Mantener el misterio que envuelve a la obra es labor de Josep, Sergi Torrecilla, el personaje que sirve de "voz en off" del montaje pero el más sorprendente de todos.

Entre la parte femenina del reparto destaca Lina Lambert que construye una madre/suegra de armas tomar y que hace dudar al espectador réplica tras réplica (pero es mejor no decir porqué).



Que rebentin els actors es una obra donde la lucidez de la dramaturgia contrasta con el surrealismo de la trama. Una obra que lleva al extremo aquello tan catalán de "amagar la merda sota la catifa". Aquello tan universal de "el pasado siempre vuelve para rendirte cuentas". Aquello de que "la vida es mejor vivirla". Quédate cerca, Gabriel Calderón, no te amaguis más!

QUE REBENTIN ELS ACTORS

by on 18:37
dramaturgia y dirección GABRIEL CALDERÓN traducción XAVIER PUJOLRÀS intérpretes ALBERT AUSELLÉ, JORDI BANACOLOCHA, IMMA COLOMER, BRU...

basado en La Tormenta de William Shakespeare
dirección y adaptación MARC CHORNET
intérpretes TONI GUILLEMAT, CRISTINA LÓPEZ, NEUS PÀMIES, VÍCTOR RODRIGO, MARTÍ SALVAT, ROSER TÀPIAS y XAVIER TORRA
duración 1h 10min
fotografías DAVID RUANO
producción PROJECTE INGENU
LA SECA ESPAI BROSSA

Tengo que confesar que no he visto nunca La Tempesta montada en su versión original, es una espinita que tengo clavada y que espero que muy pronto alguien sea capaz de desclavarme. La he leído hace bastantes años para tener una ligera idea de qué va.

De entrada sorprende descubrir que se trate de un espectáculo puramente visual, con ligeras concesiones sonoras que dejan al texto de Shakespeare totalmente fuera de bolos y sin pronunciar una palabra consiguen trasmitir toda su fuerza.



Marc Chornet es uno de los directores que mejor conoce la obra del Bardo inglés y queda demostrado a lo largo del montaje. Sólo después de una profunda investigación sobre su obra se puede llegar a crear un montaje como éste. Si con Hamlet consiguió sorprendernos, con Romeo y Julieta nos dejó mudos, Vaig ser pròsper nos deja totalmente boquiabiertos.

Cuando no hay palabras, la responsabilidad recae en una dramaturgia de sonidos, teatro físico y de una puesta en escena acorde a todo el conjunto. El espacio sonoro diseñado por Pol Queralt juntamente con la música original y los arreglos vocales de Neus Pàmies eriza la piel, es todo un viaje emocional que es imposible que te deje indiferente. Víctor Rodrigo firma un movimiento que te atrapa, no hay escapatoria para unos ojos que no se despegan de la acción en ningún momento. La escena inicial con los criados es de una belleza poética que te desmonta. Impresionante.



Laura Clos (Closca) vuelve a diseñar una escenografía complicada, con una disposición a dos bandas, según parece desde la grada B hay más sombras que claros que desde la grada A. A pesar de las sombras, desde mi grada A la disposición de mezcla de luz y sombra funcionaba más que molestaba. Suyo es también el excelente diseño de luces que funciona a la perfección tanto en los momentos más calmados como en aquellos que se entra en un ligero éxtasis.

Vaig ser pròsper exige a sus intérpretes una entrega diferente, con una dramaturgia y un ritmo tan coreografiado cualquier error es fácilmente visible a los ojos del espectador. Pero en eso, Projecte Ingenu son unos expertos, dominan la naturalidad para que todas las piezas encajen y esta vez no iba a ser menos, entrega total... y se nota, vaya que si se nota!



La herencia simbolista que ya adoptaron en su anterior montaje, Yerma, queda muy superada aquí. Vaig ser pròper es el doctorado Cum Laude de Marc Chornet en Shakespeare, en montajes simbolistas. Projecte Ingenu tiene prohibido conformarse y lo sigue demostrando. No hay fronteras, no hay barreras que no logren superar. What a f*cking maravilla! BRAVO!

PS: Y aunque nunca nos acordemos de ellos, las fotos del montaje de David Ruano son una preciosidad. Tanto que me ha costado elegir cuatro para la crítica.


idea original VERÓNICA PALLINI y MIKEL FERNANDINO
texto MIKEL FERNANDINO
dirección TONY CASLA
intérprete VERÓNICA PALLINI
duración 60min
producción PORTA 4
PORTA 4

Llevamos hablando de la crisis y sus consecuencias diez años. Estamos saturados. Quien más o quien menos es experto en economía, con o sin máster. Pero parece que faltaba algo qué decir o no. Verónica Pallini quería hablar de las consecuencias de la crisis, y ha ideado un texto mitad crisis, mitad crítica a la masificación turística de Barcelona, mitad historia.

Pero al final tanta mitad ha quedado sin solidificación de las partes. Me explico. Dos mujeres diferentes pero con el mismo nombre, Victoria, diferente tiempo y país pero con el mismo problema, no pueden afrontar la subida desproporcionada del precio del alquiler.



De entrada la idea puede resultar interesante, pero falta cuidarla. La dramaturgia es una dura losa para espectáculo: le falta coherencia, ritmo y le sobran tópicos y situaciones tan convencionales como manidas. A ello se le tiene que sumar una dirección inexistente. No se ha planteado la prueba-error y el espectáculo se apoya más en lo segundo.

Interpretativamente falta veracidad, naturalidad, una visión diferente de los personajes. Aunque sin olvidar el monólogo hubiera jugado a favor la doble interpretación, dos protagonistas, dos actrices, porque si bien es cierto que sin una buena dramaturgia y una buena dirección el juego ya lo tienes perdido, si la interpretación cojea ya entramos en jaque mate.

A En Alquiler le falta una mirada externa, que quizás hubiera impedido el estreno. Alguien que dijera "por tu bien mejor aplaza el estreno". Ningún presupuesto es pequeño si se busca hacer, por encima de todo, las cosas bien. En fin, las prisas son siempre malas consejeras.

EN ALQUILER

by on 17:29
idea original VERÓNICA PALLINI y MIKEL FERNANDINO texto MIKEL FERNANDINO dirección TONY CASLA intérprete VERÓNICA PALLINI duraci...

dirección y dramaturgia BEGOÑA MORAL
traducción JOAN CALSINA
intérpretes NÚRIA ROCAMORA, GENÍS SENDRA y BLANCA GARCÍA-LLADÓ
duración 80min
fotografías MAX RUBERT
producción PARADISO 99
ÀTIC 22 (TEATRE TANTARANTANA)

Atraída por la poética que Begoña Moral acostumbra a dar a sus espectáculos acudo a ver estos Gossos de Neu. Creo que en esta ocasión es sin duda lo más significativo del espectáculo. Historias entrelazadas de personajes entorno a la muerte de Albert Camus que quedan un poco excesivamente teñidas de una oscuridad extraña y de personajes que necesitan un poco más de definición.

A medio camino entre el teatro documental, el teatro físico y el teatro de texto, Gossos de Neu es una mezcla a la que le falta homogeneidad y que necesita un espectador atento a no perderse entre la maraña de personajes, de relaciones y de idas y venidas.



Con una puesta en escena cargada de recuerdos, Nina Tuset diseña una escenografía que retrata el caos de vida que señala el texto y que los personajes por ende guardan en sus memorias. El que sí traslada al espectador a lo más profundo de las mismas es el diseño de iluminación de Helena Torres, que aunque el Àtic22 siempre apueste por espectáculos más minimalistas, con poco en este caso se consigue mucho.

El montaje sorprende con un inicio nada convencional, donde el teatro físico gana a la palabra. Por desgracia, enseguida deja paso al teatro de texto, la cual cosa no es la mejor de sus decisiones. El espectáculo ganaría en poética si hubiese optado por dar más peso al teatro físico y dejar en segundo plano la parte más textual. 



Las tablas de Blanca Garcia-Lladó se notan cuando se mueve como pez en el agua ya sea en el papel de narrador o de mero observador de las acciones de sus compañeros. Un texto con una densidad  y profundidad como Gossos de Neu adquiere otro nivel cuando la persona que lo pronuncia se preocupa que ritmo, tono y entonación estén equilibrados. Y en eso García-Lladó es sobresaliente.

Sus compañeros de reparto, Núria Rocamora y Genís Sendra brillan más en los momentos de teatro físico que en las partes de texto, muchas de ellas poco definidas y faltas de interés. Lo que no logro entender es los gritos de los personajes en la última parte de la obra. En una sala tan pequeña como el Àtic22 están de más.



La parte audiovisual de la parte final debería ganar más protagonismo a lo largo de la obra, serviría para reducir el exceso narrativo que envuelve el texto. A pesar de lo que Gossos de Neu es un montaje interesante, al que los medios a su alcance no le han permitido hacerlo del todo imprescindible.

GOSSOS DE NEU

by on 17:55
dirección y dramaturgia BEGOÑA MORAL traducción JOAN CALSINA intérpretes NÚRIA ROCAMORA, GENÍS SENDRA y BLANCA GARCÍA-LLADÓ duraci...

texto DANIEL J. MEYER
dirección MONTSE RODRÍGUEZ CLUSELLA
intérprete ALBERT SALAZAR
duración 70min
fotografías ROSER BLANCH
producción FLYHARD PRODUCCIONS
SALA FLYHARD

Cuando has seguido el desarrollo de los últimos años de las dramaturgias de Daniel J. Meyer, puedes esperar cualquier cosa, objeto o persona encima del escenario. La sorpresa está garantizada. Lo que no me esperaba era que el montaje me dejará tan flipada

Comenzando por la dramaturgia, precisa, milimétrica, con un ritmo y un lenguaje asombrosos. Carlos, el protagonista, nos engancha con su lenguaje, cercanía total, más allá del diminuto espacio de la Sala Flyhard, quien nos gana es él. Lo mismo hace públicos sus pensamientos, que se dirige directamente al público, canta, baila y da una y mil volteretas. Darlo todo en escena ha adquirido un nuevo significado después de ver AKA.



Tan importante como el lenguaje es la magnífica dirección de Montse Rodríguez, el ritmo de "que no decaiga" es obra suya. Una de las piezas claves de toda la obra son las transiciones, esos instantes en los que se intenta calmar los ánimos de personaje y público después de someterlos a una fuerte descarga emocional. La manera de resolverlos es sin duda sobresaliente, como el público no se da cuenta hasta que han pasado un par de ellos y se traga, acepta y se incorpora a la "trampa".



Excepcional el trabajo interpretativo de Albert Salazar, al que yo no había visto fuera de la pequeña pantalla y que se come el escenario y te deja boquiabierto su nivel extremo de naturalidad. Un montaje como éste necesita todo lo que él da en escena, un disfrute de principio a fin. La versatilidad que despliega ayuda a engrandecer el flipe aún más. Guille Vidal-Ribas ha diseñado una coreografía que, para los patos con dos piernas izquierdas como una servidora, nos parece para quitarse el sombrero.

La puesta en escena aunque minimalista a primera vista, representa básicamente la habitación de Carlos (15 años) donde un potente altavoz es el protagonista más visible. El pero a la parte minimalista lo pone un potentísimo diseño de luces de Xavi Gardés. Acompañan a las luces un fantástico diseño sonoro del mismo Gardés donde la selección musical es una delicia (playlist) y va de la mano con la dramaturgia y la dirección.



Y no, no diré ni mu de la trama. Simplemente que sí los que estamos en las generaciones de los 30-40 ya nos parecía dura la adolescencia, comparada con la actual era un juego de niños. Adolescentes y adultos se mezclan en las butacas de la Flyhard para disfrutar de uno de los mejores montajes de la cartelera actual barcelonesa. Imperdible.

AKA (AS KNOWN AS)

by on 17:51
texto DANIEL J. MEYER dirección MONTSE RODRÍGUEZ CLUSELLA intérprete ALBERT SALAZAR duración 70min fotografías ROSER BLANCH ...

texto JORDI CASANOVAS
dirección MARC ANGELET
intérpretes ANNA SAHUN, ERNEST VILLEGAS y ÒSCAR MUÑOZ
duración 85min
fotografías DAVID RUANO
producción VELVET EVENTS
SALA MUNTANER

Cita anual obligatoria con Jordi Casanovas en la Muntaner, si el turrón llega en diciembre, sus obras en abril en la sala teatral de Barcelona. No falla y lleno asegurado hasta la bandera, lo cual es de aplaudir en la temporada que llevamos. 

Mala Broma es una comedia negra, negrísima, estilo 100% Casanovas, un disfrute de principio a fin, pero de esas que te dejan a la salida media sonrisa y pensativa. En los tiempos que corren, hasta la pregunta ya puede ser considerada delito, ¿se puede hacer broma de todo? ¿se puede poner límites al humor? ¡Ni caído del cielo!



Un periodista insatisfecho con su trabajo, Òscar (Muñoz), queda para cenar con un viejo amigo y compañero de batallas que ha conseguido triunfar y llegar a lo más alto, Ernest (Villegas). La tercera en discordia, la mujer de Òscar, Anna (Sahun), médico. 

Las dramaturgias de Jordi Casanovas funcionan como los relojes suizos, milimétricas. Aquí como ya pasaba por ejemplo en L'home amb les ulleres de pasta lo que comienza como una simple broma al más bromista del grupo acaba por enredarse de tal manera que se puede llegar a pensar que a quien le toman el pelo es a los espectadores.



Sin desvelar nada de la trama, para eso mejor compra la entrada, se puede afirmar que la perversidad de la misma unida a una excelente dirección de Marc Angelet no dejan que el espectador parpadee esperando el siguiente giro. Una especie de "ansia viva" invade la platea a la espera de cómo se resolverán todos los frentes abiertos.

Además de cuestionar el humor, Mala Broma se atreve con una sonora crítica al discurso feminista, el monólogo que se marca el personaje femenino, Anna, es de quitarse el sombrero, no sólo a nivel interpretativo sino también de lenguaje y de tono. Sorprende que, en medio de las idas y venidas en tono cómico, la obra adquiera un cierto carácter crítico, pero la incorporación queda perfectamente situada y el público lo incorpora a la broma aunque no lo sea.



Interpretativamente, y aunque en un principio parezca un combate a dos y en masculino, el montaje le reserva el mejor papel para ella, una espléndida Anna Sahun. Aunque el típico combate de quién la tiene más grande persigue a los personajes masculinos, la sombra interpretativa de Anna Sahun es mucho más alargada y consigue que esperemos con mucha más ansia sus réplicas y movimientos que la de sus compañeros. 

Por supuesto, sin desmerecer, Òscar Muñoz está muy acertado en un papel de pobre desgraciado de la vida, quizás excesivamente tocado por el victimismo (pero la parte cómica que destila es insuperable) y Ernest Villegas es el perfecto amigo guaperas con un cierto toque de caradura.



La escenografía de Sergi Corbera funciona a la perfección. Una cocina americana / salón modernista de una piso de la burguesía catalana con detalles minimalistas y funcionales. No es necesario nada más para entrar en el juego.

Mala Broma ha nacido para triunfar. Una dosis, tan necesaria, de risas, un discurso crítico, un tirón de orejas, unas interpretaciones excelentes y una dirección y dramatúrgia que funcionan a la perfección. La factoría Jordi Casanovas está en plena forma.

MALA BROMA

by on 14:35
texto JORDI CASANOVAS dirección MARC ANGELET intérpretes ANNA SAHUN, ERNEST VILLEGAS y ÒSCAR MUÑOZ duración 85min fotografías DA...