QUE REBENTIN ELS ACTORS

/ 18:37

dramaturgia y dirección GABRIEL CALDERÓN
traducción XAVIER PUJOLRÀS
intérpretes ALBERT AUSELLÉ, JORDI BANACOLOCHA, IMMA COLOMER, BRUNA CUSÍ, FRANCESC FERRER, LINA LAMBERT y SERGI TORRECILLA
duración 1h 20min
fotografías MAY ZIRCUS
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y BITÒ PRODUCIONS
SALA TALLERS (TNC)

¿Dónde estaba Gabriel Calderón hasta ahora? Ahora es fácil subirse al carro y decir que "rebentin, petin y que estalle todo" si es su deseo. Los espectadores amantes del teatro de texto puro y duro disfrutarán de lo lindo con este montaje. Pero vayamos por partes...

La relojería de la dramaturgia de Calderón debe ser suiza porque el ritmo es vertiginoso y lejos de que se aleje del espectador, consigue que éste se sumerja en la historia desde el primer instante y sea incapaz de despegar los ojos del escenario. El teatro latinoamericano tiene por seña de identidad el gusto por la naturalidad. Aquí, a pesar del surrealismo, se conserva ese toque de hacer de lo irreal un hecho cercano con el que el espectador puede empatizar en muchos momentos.



Un sueño, convertido en ficción, una historia que a muchos les gustaría llegar a protagonizar en la vida real. Una historia familiar de poder rendir cuentas con el pasado. Dar la información a cuenta gotas provoca que el espectador tenga que estar atento a la próxima píldora que se le de, y sobre todo saber diferenciar los continuos flashbacks y flashfowards que poblan el espectáculo.

El escenario se ha convertido en una especie de pantalla cinematográfica, irreal porque sabes que los personajes son de carne y hueso pero el hecho de subrayar la ficción de esta manera me parece brillante. Dentro de la falsa pantalla encontramos un salón convencional, con muebles de otra época que ahora no llegarían a considerarse vintage sino más bien old-fashioned, pero realmente eso es lo menos.



A nivel de interpretación una de las cosas más sorprendentes es la manera de decir el texto. Acostumbrados a un mastique más ligero de palabras aquí la velocidad es tal que se traslada a toda la pieza. No es que no importen las palabras, aunque al final sea más cierto que las intenciones y los tonos manden más que su significado.

Jordi Banacolocha borda un papel que lleva escrito su nombre, en una de sus mejores interpretaciones. Por su parte, Francesc Ferrer maravilla con su discurso con un punto de derroche cómico desternillante sobre   la imperante necesidad de decir "t'estimo". Mantener el misterio que envuelve a la obra es labor de Josep, Sergi Torrecilla, el personaje que sirve de "voz en off" del montaje pero el más sorprendente de todos.

Entre la parte femenina del reparto destaca Lina Lambert que construye una madre/suegra de armas tomar y que hace dudar al espectador réplica tras réplica (pero es mejor no decir porqué).



Que rebentin els actors es una obra donde la lucidez de la dramaturgia contrasta con el surrealismo de la trama. Una obra que lleva al extremo aquello tan catalán de "amagar la merda sota la catifa". Aquello tan universal de "el pasado siempre vuelve para rendirte cuentas". Aquello de que "la vida es mejor vivirla". Quédate cerca, Gabriel Calderón, no te amaguis más!


dramaturgia y dirección GABRIEL CALDERÓN
traducción XAVIER PUJOLRÀS
intérpretes ALBERT AUSELLÉ, JORDI BANACOLOCHA, IMMA COLOMER, BRUNA CUSÍ, FRANCESC FERRER, LINA LAMBERT y SERGI TORRECILLA
duración 1h 20min
fotografías MAY ZIRCUS
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y BITÒ PRODUCIONS
SALA TALLERS (TNC)

¿Dónde estaba Gabriel Calderón hasta ahora? Ahora es fácil subirse al carro y decir que "rebentin, petin y que estalle todo" si es su deseo. Los espectadores amantes del teatro de texto puro y duro disfrutarán de lo lindo con este montaje. Pero vayamos por partes...

La relojería de la dramaturgia de Calderón debe ser suiza porque el ritmo es vertiginoso y lejos de que se aleje del espectador, consigue que éste se sumerja en la historia desde el primer instante y sea incapaz de despegar los ojos del escenario. El teatro latinoamericano tiene por seña de identidad el gusto por la naturalidad. Aquí, a pesar del surrealismo, se conserva ese toque de hacer de lo irreal un hecho cercano con el que el espectador puede empatizar en muchos momentos.



Un sueño, convertido en ficción, una historia que a muchos les gustaría llegar a protagonizar en la vida real. Una historia familiar de poder rendir cuentas con el pasado. Dar la información a cuenta gotas provoca que el espectador tenga que estar atento a la próxima píldora que se le de, y sobre todo saber diferenciar los continuos flashbacks y flashfowards que poblan el espectáculo.

El escenario se ha convertido en una especie de pantalla cinematográfica, irreal porque sabes que los personajes son de carne y hueso pero el hecho de subrayar la ficción de esta manera me parece brillante. Dentro de la falsa pantalla encontramos un salón convencional, con muebles de otra época que ahora no llegarían a considerarse vintage sino más bien old-fashioned, pero realmente eso es lo menos.



A nivel de interpretación una de las cosas más sorprendentes es la manera de decir el texto. Acostumbrados a un mastique más ligero de palabras aquí la velocidad es tal que se traslada a toda la pieza. No es que no importen las palabras, aunque al final sea más cierto que las intenciones y los tonos manden más que su significado.

Jordi Banacolocha borda un papel que lleva escrito su nombre, en una de sus mejores interpretaciones. Por su parte, Francesc Ferrer maravilla con su discurso con un punto de derroche cómico desternillante sobre   la imperante necesidad de decir "t'estimo". Mantener el misterio que envuelve a la obra es labor de Josep, Sergi Torrecilla, el personaje que sirve de "voz en off" del montaje pero el más sorprendente de todos.

Entre la parte femenina del reparto destaca Lina Lambert que construye una madre/suegra de armas tomar y que hace dudar al espectador réplica tras réplica (pero es mejor no decir porqué).



Que rebentin els actors es una obra donde la lucidez de la dramaturgia contrasta con el surrealismo de la trama. Una obra que lleva al extremo aquello tan catalán de "amagar la merda sota la catifa". Aquello tan universal de "el pasado siempre vuelve para rendirte cuentas". Aquello de que "la vida es mejor vivirla". Quédate cerca, Gabriel Calderón, no te amaguis más!

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basado en La Tormenta de William Shakespeare
dirección y adaptación MARC CHORNET
intérpretes TONI GUILLEMAT, CRISTINA LÓPEZ, NEUS PÀMIES, VÍCTOR RODRIGO, MARTÍ SALVAT, ROSER TÀPIAS y XAVIER TORRA
duración 1h 10min
fotografías DAVID RUANO
producción PROJECTE INGENU
LA SECA ESPAI BROSSA

Tengo que confesar que no he visto nunca La Tempesta montada en su versión original, es una espinita que tengo clavada y que espero que muy pronto alguien sea capaz de desclavarme. La he leído hace bastantes años para tener una ligera idea de qué va.

De entrada sorprende descubrir que se trate de un espectáculo puramente visual, con ligeras concesiones sonoras que dejan al texto de Shakespeare totalmente fuera de bolos y sin pronunciar una palabra consiguen trasmitir toda su fuerza.



Marc Chornet es uno de los directores que mejor conoce la obra del Bardo inglés y queda demostrado a lo largo del montaje. Sólo después de una profunda investigación sobre su obra se puede llegar a crear un montaje como éste. Si con Hamlet consiguió sorprendernos, con Romeo y Julieta nos dejó mudos, Vaig ser pròsper nos deja totalmente boquiabiertos.

Cuando no hay palabras, la responsabilidad recae en una dramaturgia de sonidos, teatro físico y de una puesta en escena acorde a todo el conjunto. El espacio sonoro diseñado por Pol Queralt juntamente con la música original y los arreglos vocales de Neus Pàmies eriza la piel, es todo un viaje emocional que es imposible que te deje indiferente. Víctor Rodrigo firma un movimiento que te atrapa, no hay escapatoria para unos ojos que no se despegan de la acción en ningún momento. La escena inicial con los criados es de una belleza poética que te desmonta. Impresionante.



Laura Clos (Closca) vuelve a diseñar una escenografía complicada, con una disposición a dos bandas, según parece desde la grada B hay más sombras que claros que desde la grada A. A pesar de las sombras, desde mi grada A la disposición de mezcla de luz y sombra funcionaba más que molestaba. Suyo es también el excelente diseño de luces que funciona a la perfección tanto en los momentos más calmados como en aquellos que se entra en un ligero éxtasis.

Vaig ser pròsper exige a sus intérpretes una entrega diferente, con una dramaturgia y un ritmo tan coreografiado cualquier error es fácilmente visible a los ojos del espectador. Pero en eso, Projecte Ingenu son unos expertos, dominan la naturalidad para que todas las piezas encajen y esta vez no iba a ser menos, entrega total... y se nota, vaya que si se nota!



La herencia simbolista que ya adoptaron en su anterior montaje, Yerma, queda muy superada aquí. Vaig ser pròper es el doctorado Cum Laude de Marc Chornet en Shakespeare, en montajes simbolistas. Projecte Ingenu tiene prohibido conformarse y lo sigue demostrando. No hay fronteras, no hay barreras que no logren superar. What a f*cking maravilla! BRAVO!

PS: Y aunque nunca nos acordemos de ellos, las fotos del montaje de David Ruano son una preciosidad. Tanto que me ha costado elegir cuatro para la crítica.


idea original VERÓNICA PALLINI y MIKEL FERNANDINO
texto MIKEL FERNANDINO
dirección TONY CASLA
intérprete VERÓNICA PALLINI
duración 60min
producción PORTA 4
PORTA 4

Llevamos hablando de la crisis y sus consecuencias diez años. Estamos saturados. Quien más o quien menos es experto en economía, con o sin máster. Pero parece que faltaba algo qué decir o no. Verónica Pallini quería hablar de las consecuencias de la crisis, y ha ideado un texto mitad crisis, mitad crítica a la masificación turística de Barcelona, mitad historia.

Pero al final tanta mitad ha quedado sin solidificación de las partes. Me explico. Dos mujeres diferentes pero con el mismo nombre, Victoria, diferente tiempo y país pero con el mismo problema, no pueden afrontar la subida desproporcionada del precio del alquiler.



De entrada la idea puede resultar interesante, pero falta cuidarla. La dramaturgia es una dura losa para espectáculo: le falta coherencia, ritmo y le sobran tópicos y situaciones tan convencionales como manidas. A ello se le tiene que sumar una dirección inexistente. No se ha planteado la prueba-error y el espectáculo se apoya más en lo segundo.

Interpretativamente falta veracidad, naturalidad, una visión diferente de los personajes. Aunque sin olvidar el monólogo hubiera jugado a favor la doble interpretación, dos protagonistas, dos actrices, porque si bien es cierto que sin una buena dramaturgia y una buena dirección el juego ya lo tienes perdido, si la interpretación cojea ya entramos en jaque mate.

A En Alquiler le falta una mirada externa, que quizás hubiera impedido el estreno. Alguien que dijera "por tu bien mejor aplaza el estreno". Ningún presupuesto es pequeño si se busca hacer, por encima de todo, las cosas bien. En fin, las prisas son siempre malas consejeras.

EN ALQUILER

by on 17:29
idea original VERÓNICA PALLINI y MIKEL FERNANDINO texto MIKEL FERNANDINO dirección TONY CASLA intérprete VERÓNICA PALLINI duraci...

dirección y dramaturgia BEGOÑA MORAL
traducción JOAN CALSINA
intérpretes NÚRIA ROCAMORA, GENÍS SENDRA y BLANCA GARCÍA-LLADÓ
duración 80min
fotografías MAX RUBERT
producción PARADISO 99
ÀTIC 22 (TEATRE TANTARANTANA)

Atraída por la poética que Begoña Moral acostumbra a dar a sus espectáculos acudo a ver estos Gossos de Neu. Creo que en esta ocasión es sin duda lo más significativo del espectáculo. Historias entrelazadas de personajes entorno a la muerte de Albert Camus que quedan un poco excesivamente teñidas de una oscuridad extraña y de personajes que necesitan un poco más de definición.

A medio camino entre el teatro documental, el teatro físico y el teatro de texto, Gossos de Neu es una mezcla a la que le falta homogeneidad y que necesita un espectador atento a no perderse entre la maraña de personajes, de relaciones y de idas y venidas.



Con una puesta en escena cargada de recuerdos, Nina Tuset diseña una escenografía que retrata el caos de vida que señala el texto y que los personajes por ende guardan en sus memorias. El que sí traslada al espectador a lo más profundo de las mismas es el diseño de iluminación de Helena Torres, que aunque el Àtic22 siempre apueste por espectáculos más minimalistas, con poco en este caso se consigue mucho.

El montaje sorprende con un inicio nada convencional, donde el teatro físico gana a la palabra. Por desgracia, enseguida deja paso al teatro de texto, la cual cosa no es la mejor de sus decisiones. El espectáculo ganaría en poética si hubiese optado por dar más peso al teatro físico y dejar en segundo plano la parte más textual. 



Las tablas de Blanca Garcia-Lladó se notan cuando se mueve como pez en el agua ya sea en el papel de narrador o de mero observador de las acciones de sus compañeros. Un texto con una densidad  y profundidad como Gossos de Neu adquiere otro nivel cuando la persona que lo pronuncia se preocupa que ritmo, tono y entonación estén equilibrados. Y en eso García-Lladó es sobresaliente.

Sus compañeros de reparto, Núria Rocamora y Genís Sendra brillan más en los momentos de teatro físico que en las partes de texto, muchas de ellas poco definidas y faltas de interés. Lo que no logro entender es los gritos de los personajes en la última parte de la obra. En una sala tan pequeña como el Àtic22 están de más.



La parte audiovisual de la parte final debería ganar más protagonismo a lo largo de la obra, serviría para reducir el exceso narrativo que envuelve el texto. A pesar de lo que Gossos de Neu es un montaje interesante, al que los medios a su alcance no le han permitido hacerlo del todo imprescindible.

GOSSOS DE NEU

by on 17:55
dirección y dramaturgia BEGOÑA MORAL traducción JOAN CALSINA intérpretes NÚRIA ROCAMORA, GENÍS SENDRA y BLANCA GARCÍA-LLADÓ duraci...

texto DANIEL J. MEYER
dirección MONTSE RODRÍGUEZ CLUSELLA
intérprete ALBERT SALAZAR
duración 70min
fotografías ROSER BLANCH
producción FLYHARD PRODUCCIONS
SALA FLYHARD

Cuando has seguido el desarrollo de los últimos años de las dramaturgias de Daniel J. Meyer, puedes esperar cualquier cosa, objeto o persona encima del escenario. La sorpresa está garantizada. Lo que no me esperaba era que el montaje me dejará tan flipada

Comenzando por la dramaturgia, precisa, milimétrica, con un ritmo y un lenguaje asombrosos. Carlos, el protagonista, nos engancha con su lenguaje, cercanía total, más allá del diminuto espacio de la Sala Flyhard, quien nos gana es él. Lo mismo hace públicos sus pensamientos, que se dirige directamente al público, canta, baila y da una y mil volteretas. Darlo todo en escena ha adquirido un nuevo significado después de ver AKA.



Tan importante como el lenguaje es la magnífica dirección de Montse Rodríguez, el ritmo de "que no decaiga" es obra suya. Una de las piezas claves de toda la obra son las transiciones, esos instantes en los que se intenta calmar los ánimos de personaje y público después de someterlos a una fuerte descarga emocional. La manera de resolverlos es sin duda sobresaliente, como el público no se da cuenta hasta que han pasado un par de ellos y se traga, acepta y se incorpora a la "trampa".



Excepcional el trabajo interpretativo de Albert Salazar, al que yo no había visto fuera de la pequeña pantalla y que se come el escenario y te deja boquiabierto su nivel extremo de naturalidad. Un montaje como éste necesita todo lo que él da en escena, un disfrute de principio a fin. La versatilidad que despliega ayuda a engrandecer el flipe aún más. Guille Vidal-Ribas ha diseñado una coreografía que, para los patos con dos piernas izquierdas como una servidora, nos parece para quitarse el sombrero.

La puesta en escena aunque minimalista a primera vista, representa básicamente la habitación de Carlos (15 años) donde un potente altavoz es el protagonista más visible. El pero a la parte minimalista lo pone un potentísimo diseño de luces de Xavi Gardés. Acompañan a las luces un fantástico diseño sonoro del mismo Gardés donde la selección musical es una delicia (playlist) y va de la mano con la dramaturgia y la dirección.



Y no, no diré ni mu de la trama. Simplemente que sí los que estamos en las generaciones de los 30-40 ya nos parecía dura la adolescencia, comparada con la actual era un juego de niños. Adolescentes y adultos se mezclan en las butacas de la Flyhard para disfrutar de uno de los mejores montajes de la cartelera actual barcelonesa. Imperdible.

AKA (AS KNOWN AS)

by on 17:51
texto DANIEL J. MEYER dirección MONTSE RODRÍGUEZ CLUSELLA intérprete ALBERT SALAZAR duración 70min fotografías ROSER BLANCH ...

texto JORDI CASANOVAS
dirección MARC ANGELET
intérpretes ANNA SAHUN, ERNEST VILLEGAS y ÒSCAR MUÑOZ
duración 85min
fotografías DAVID RUANO
producción VELVET EVENTS
SALA MUNTANER

Cita anual obligatoria con Jordi Casanovas en la Muntaner, si el turrón llega en diciembre, sus obras en abril en la sala teatral de Barcelona. No falla y lleno asegurado hasta la bandera, lo cual es de aplaudir en la temporada que llevamos. 

Mala Broma es una comedia negra, negrísima, estilo 100% Casanovas, un disfrute de principio a fin, pero de esas que te dejan a la salida media sonrisa y pensativa. En los tiempos que corren, hasta la pregunta ya puede ser considerada delito, ¿se puede hacer broma de todo? ¿se puede poner límites al humor? ¡Ni caído del cielo!



Un periodista insatisfecho con su trabajo, Òscar (Muñoz), queda para cenar con un viejo amigo y compañero de batallas que ha conseguido triunfar y llegar a lo más alto, Ernest (Villegas). La tercera en discordia, la mujer de Òscar, Anna (Sahun), médico. 

Las dramaturgias de Jordi Casanovas funcionan como los relojes suizos, milimétricas. Aquí como ya pasaba por ejemplo en L'home amb les ulleres de pasta lo que comienza como una simple broma al más bromista del grupo acaba por enredarse de tal manera que se puede llegar a pensar que a quien le toman el pelo es a los espectadores.



Sin desvelar nada de la trama, para eso mejor compra la entrada, se puede afirmar que la perversidad de la misma unida a una excelente dirección de Marc Angelet no dejan que el espectador parpadee esperando el siguiente giro. Una especie de "ansia viva" invade la platea a la espera de cómo se resolverán todos los frentes abiertos.

Además de cuestionar el humor, Mala Broma se atreve con una sonora crítica al discurso feminista, el monólogo que se marca el personaje femenino, Anna, es de quitarse el sombrero, no sólo a nivel interpretativo sino también de lenguaje y de tono. Sorprende que, en medio de las idas y venidas en tono cómico, la obra adquiera un cierto carácter crítico, pero la incorporación queda perfectamente situada y el público lo incorpora a la broma aunque no lo sea.



Interpretativamente, y aunque en un principio parezca un combate a dos y en masculino, el montaje le reserva el mejor papel para ella, una espléndida Anna Sahun. Aunque el típico combate de quién la tiene más grande persigue a los personajes masculinos, la sombra interpretativa de Anna Sahun es mucho más alargada y consigue que esperemos con mucha más ansia sus réplicas y movimientos que la de sus compañeros. 

Por supuesto, sin desmerecer, Òscar Muñoz está muy acertado en un papel de pobre desgraciado de la vida, quizás excesivamente tocado por el victimismo (pero la parte cómica que destila es insuperable) y Ernest Villegas es el perfecto amigo guaperas con un cierto toque de caradura.



La escenografía de Sergi Corbera funciona a la perfección. Una cocina americana / salón modernista de una piso de la burguesía catalana con detalles minimalistas y funcionales. No es necesario nada más para entrar en el juego.

Mala Broma ha nacido para triunfar. Una dosis, tan necesaria, de risas, un discurso crítico, un tirón de orejas, unas interpretaciones excelentes y una dirección y dramatúrgia que funcionan a la perfección. La factoría Jordi Casanovas está en plena forma.

MALA BROMA

by on 14:35
texto JORDI CASANOVAS dirección MARC ANGELET intérpretes ANNA SAHUN, ERNEST VILLEGAS y ÒSCAR MUÑOZ duración 85min fotografías DA...

autor INGMAR BERGMAN
traducción CAROLINA MORENO
dirección MARTA GIL
asesor ALBERT TOLA
intérpretes ANNA SABATÉ y JORDI FIGUERAS
duración 2h
fotografías ALBERT SERRADÓ
producción NEXUS EUROPA y LES ANTONIETES TEATRE
TEATRE AKADÈMIA

No es la primera vez que veo esta obra montada, si mi memoria no me falla es la cuarta, y quizás sea éste un punto que pesa, la maldita costumbre de comparar. Pero no sólo es cuestión de comparativa sino que el entendimiento sobre el sentimiento de visceralidad que en mí han producido otras producciones, y que en ésta la búsqueda ha sido en vano.

La propuesta de Nexus Europa y Les Antonietes Teatre le cuesta soltarse. Durante su primera hora, los personajes están demasiado encorsetados, no son libres en movimiento ni en sentimientos, siguen a pies juntillas el guión marcado y la pérdida de naturalidad es aplastante.



La opción de la dirección de Marta Gil ha optado por simplificar la obra y hacer ver que el paso del tiempo no afecte a los intérpretes más que por cambios de ropa o de peinado. Más allá de la intensidad de la obra, el paso del tiempo no queda reflejado más que en una pared. Los espectadores son dueños de darle más o menos crédito y de ver o no una evolución de los personajes más allá del texto.

Escenes d'un matrimoni está divida en seis escenas, en este caso notables por la aparición de la música que permite a los actores cambiarse el traje. Sin embargo, al haber tantas transiciones se echa de menos un componente más audiovisual que pueda reforzar el paso del tiempo o los recuerdos de los personajes.



Aunque en el texto hay una clara evolución (natural) de los dos protagonistas, en la puesta en escena queda más difuminada. Buscada o no (lo desconozco) se deja entrever una falta de química sustancial entre los actores, Anna Sabaté y Jordi Figueras, que no logran empatizar del todo con el público. 

La visceralidad que requiere el texto se convierte en una frialdad que pone los pelos de punta, excesiva, incluso cuando la ternura parece ganar la batalla y los recuerdos buenos pesan más que los malos, el hielo sigue allí, impenetrable.



El espacio escénico de Joanna Martí ha optado por encerrar a los personajes en una especie de caja sin paredes, donde el público puede ser voyager de la escena. Sin duda es funcional, como los dos rectángulos de madera que hacen función de todo. El diseño de luces de Lluís Serra i Natàlia Ramos, aunque uniforme y monótono en un primer momento va ganando peso e importancia según avanza la obra.

El montaje intenta "salirse de plano", cuando ya ha pasado su ecuador, y coger el vuelo, pero quizás es un intento demasiado tardío y el público hace ya tiempo que vuela solo. Es toda una pena que un texto de la altura del de Ingmar Bergman me deje, tan pronto, a medio gas.

ESCENES D'UN MATRIMONI

by on 19:42
autor INGMAR BERGMAN traducción CAROLINA MORENO dirección MARTA GIL asesor ALBERT TOLA intérpretes ANNA SABATÉ y JORDI FIGUERAS ...

de MARIANA DE ALTHAUS
dirección CAROL LÓPEZ
intérpretes NAUSICAA BONNÍN, JOEL BRAMONA - JAUME SOLÀ, AINA CLOTET, MARC CLOTET y GUILLERMO TOLEDO
duración 1h 10min
fotografías KIKU PIÑOL
producción TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE (GRÀCIA)

Tengo la extraña sensación de haber visto un experimento, un working progress más que un espectáculo totalmente montado y estrenado. Pocas veces siento una desconexión tan fuerte entre lo que está pasando en el escenario y lo que eso me hace sentir. He de reconocer que los 15 primeros minutos fueron como si hubiera entrado en una realidad paralela, cómo si no entendiera ninguna de las palabras que los intérpretes soltaban por su boca.

Sentada en una de las cuatro gradas que rodean el escenario me preguntaba el porqué de todo junto. Quién decidió montar esta obra, cuya estructura dramática parte de una anécdota que no desarrolla y que decora con cuatro tópicos sobre la familia y sus reuniones. Con este inicio hay miles de obras, la mayoría más interesantes de la que acabo de ver.



Carol López ha optado por una puesta en escena a la 'argentina' pero con actores catalanes en su mayoría + Willy Toledo, que todo dicho sea ya por anticipado es quien mejor sale parado. La naturalidad que destila el teatro argentino queda aniquilado en esta función. Buena parte de culpa la tiene haber optado por no traducir la obra al catalán, o dicho de otra manera por no haber educado a los actores en la entonación. Salvo Nausicaa Bonnín y Willy Toledo el resto de intérpretes defenestra el idioma, en entonación porque el texto es el que es, pero... 



Si el lenguaje le resta veracidad a los actos, las interpretaciones siguen el mismo camino. No me creo nada, y no creo además que haga falta caer en la trampa de que la única forma posible de interpretar los problemas mentales/psíquicos como es el caso de Edurne (Aina Clotet) sea a grito pelado
Para ser honesta, esta vez la inocencia gana a la verdad y, en este caso, Jaume Solà, el más pequeño del reparto, se come con patatas a las grandes figuras que integran el cartel

Con una escenografía tan minimalista como el texto, la voz cantante de la puesta en escena se la lleva el diseño de iluminación de Mingo Albir, un halo de esperanza en una obra donde la oscuridad tiende a hacerse presente a la fuerza.



Y aunque la última escena (que no desvelaré) me saque de la homogeneidad de toda la pieza, una flor no fa estiu y ya hacía tiempo que mis pensamientos me llevaban por otros derroteros. Salgo de sala acordándome de todas las dramaturgas catalanas con textos potentes, no como éste, que no pueden estrenar en el Lliure (ni en otros teatros), y me cabreo, me cabreo mucho.

EL SISTEMA SOLAR

by on 18:22
de MARIANA DE ALTHAUS dirección CAROL LÓPEZ intérpretes NAUSICAA BONNÍN, JOEL BRAMONA - JAUME SOLÀ, AINA CLOTET, MARC CLOTET y GUILL...

dramaturgia y dirección LAURA MIHON
intérpretes ADRIÀ OLAY y PAU SASTRE
duración 70min
fotografías AITOR RODERO
producción COL·LECTIU LA SANTA y TEATRE TANTARANTANA
TEATRE TANTARANTANA

El blog vuelve a estar activo después de unas semanas de parón por acumulación de historias varias. Una de las críticas que tenía pendiente era ésta. L'hora blava es uno de los mejores espectáculos que ví en marzo y que está en la última funciones, si no quieres seguir leyendo (y aunque sea empezar la casa por el tejado), simplemente corre a por una entrada.

L'hora blava es uno de esos espectáculos que con poco más que los tres elementos principales de cualquier montaje: dramaturgia, interpretación y dirección se puede conseguir un montaje de 10. Con un inicio de lo más sugerente, pocas obras se atreven a tener en vilo al público durante sus primeros minutos de función sin una sola palabra, sólo con un impresionante espacio sonoro diseñado por Cesc X. Mor. Definitivamente el tercer personaje de la obra.



La tensión y por consecuente angustia que provoca el último montaje del Col·lectiu La Santa es la que convierte a esta obra en una especie de road-movie/thriller con una dramaturgia y un ritmo que convierte su narrativa en pariente cercano con la más actual de algunas ficciones televisivas. 

Laura Mihon conjuga a la perfección dramaturgia y dirección para mantener al público atrapado en sus butacas y casi sin pestañear esperando el siguiente movimiento.



El enigma acompaña a los personajes que desgranan sus historias con cuentagotas. El espectador descubre más por sus silencios que por sus palabras. El espacio escénico de Daniel Ruiz y Kaka Gouvea y el diseño de iluminación de Laia García y Joan Rey ahondan en la parte misteriosa.

El trabajo de Adrià Olay y Pau Sastre es sensacional desde el primer minuto. El público respira con ellos, se siente cómplice de sus anhelos, de su impotencia, de sus frustraciones, de sus esperanzas...



No hay duda que el Col·lectiu La Santa sabe reinventarse en cada montaje. Una de esas compañías que no se conforman, de las que nunca sabes que esperar, pero que sorprenden, que innovan y que no se conforman a repetir copias de éxitos pasados. Repito, última semana, imperdible!

L'HORA BLAVA

by on 13:03
dramaturgia y dirección LAURA MIHON intérpretes ADRIÀ OLAY y PAU SASTRE duración 70min fotografías AITOR RODERO producción COL·L...

de ISABELLA ROSSELLINI
co-dirrección GUIDO TORLONIA
intérpretes ISABELLA ROSSELLINI, SCHUYLER BEEMAN (titiritero y adiestrador de perros) y NINNIE o DARCY (Pan)
duración 1h 10min
fotografías DAVID RUANO
producción ISABELLA ROSSELLINI y TEATRE AKADÈMIA
TEATRE AKADÈMIA

Oportunidad única para mitómanos y no mitómanos, ver actuar a Isabella Rossellini a escasos metros es sin lugar a dudas un hecho que no se volverá a repetir. En la intimidad de una sala tan pequeña como el Teatre Akadèmia menos aún. Simplemente por curiosidad, había que ir. Uno de los estrenos más importantes de la temporada, que no por ello se convertirá en uno de los montajes imprescindibles.

Isabella Rossellini es magnética, sabe perfectamente cómo atraer la atención del espectador. De hecho su misma presencia ya vende haga lo que haga en escena. Link Link Circus no va más allá de una conferencia sobre la "inteligencia" animal teatralizada. Da igual que su inseparable perrito haga una y mil monerías, y desate la ternura de la audiencia con ello, más o menos mono sigue siendo un perrito.



Pan se disfraza de varias especies animales en sus variadas intervenciones en escena. Perfectamente adiestrado, sólo atiende a las órdenes de sus dos dueños, que le recompensan sus piruetas con galletitas.

Lo que no se le puede achacar al montaje es su falta de honestidad. Todo y tal como la misma Rossellini nos explicó en la rueda de prensa multitudinaria sucede en escena. Sin trampa ni cartón, las motos han quedado aparcadas en la acera.



Curiosidades del mundo animal concentradas en poco más de una hora de montaje, un perro "multidisciplinar" y un titiritero que recrea la parte más audiovisual de la pieza, que se complementa con vídeos de la misma Rossellini, ése sería el resumen perfecto para un espectáculo que necesitaría instalarse en un modo más performático.

Rossellini conquista al público con su simpatía, su clase, cantando y bailando, y con lo que son los mejores momentos del montaje cuando rememora su infancia, recordando a su madre (Ingrid Bergman). Hemos venido a verla a ella y la hemos visto. No se puede pedir más.



LINK LINK CIRCUS

by on 20:34
de ISABELLA ROSSELLINI co-dirrección GUIDO TORLONIA intérpretes ISABELLA ROSSELLINI, SCHUYLER BEEMAN (titiritero y adiestrador de pe...

texto, interpretación y dirección MANUEL VEIGA
ayudante de dirección MERCÈ CERVERA
duración 65min
fotografías DAN BALBOA y MIGUEL ÁNGEL FERNÁNDEZ
producción ROSELAND S.L.
LA SECA ESPAI BROSSA

Comienzo admitiendo que la música y todo el universo de Lola Flores me queda a años luz. Cosa que afortunadamente no es, ni ha sido, en mi caso concreto, un impedimento para disfrutar del montaje. Manuel Veiga coge la esencia de lo que supuso su figura en plena dictadura franquista para sacar a la luz la historia de muchos, que como el protagonista, el hijo de Curro, no consiguió alcanzar a ver cómo la sociedad entendía sus historias, sus vidas.

Siempre a la varita tuya es un monólogo flamenco, un grito vitalista, una historia que hemos visto que se repite en otras formas más de una vez, pero sobre todo es verdad. La mirada de Veiga penetra y se queda como una sombra que no desaparece una vez que se sale por la puerta. La intensidad de unos ojos, que se mezcla con el dolor infinito de unas palabras, que nunca fueron las necesarias, provoca una hora de hipnotismo escénico.



A pesar de que por necesidades técnicas, la Sala Palau i Fabre de La Seca se haya teñido de rojo, parece que sus paredes lloran, hecho que acentúa aún más, si es posible, la sensación de drama del montaje. Sensación que se ve, a menudo, interrumpida por un humor negro, negrísimo.

La sobriedad de la escenografía diseñada por Jar Teatre, una silla, un maniquí que da figura al traje verde y una cortina de fondo a modo de telón que sirve como entrada y salida y también ayuda a dar vida a las proyecciones. Sin duda, el elemento clave de la puesta en escena es la precisa iluminación de Josep Maria Cadafalch, que despierta todo un torrente de emociones en el sentir del espectáculo por parte de los espectadores.



La apasionada interpretación de Manuel Veiga destila verdad y sentimiento. El único pero que se le puede poner a su verdad es el caló, pero no porque no venga a cuento, sino porque a veces sale demasiado forzado. No seré yo quién critique los acentos de cada uno, pero el exceso de intensidad que se pone para resaltar el 'andaluz' lastra en algunas escenas la preciosista poética del texto.



Después de Carmen Amaya y Lola Flores, Manuel Veiga seguirá rescatando de la memoria colectiva a golpe de homenaje escénico, grandes nombres de la cultura popular. La trilogia se completará con el escritor Paco Candel. Mientras tanto, déjate atrapar por su arte. Y Chinpún.

SIEMPRE A LA VERITA TUYA

by on 19:15
texto, interpretación y dirección MANUEL VEIGA ayudante de dirección MERCÈ CERVERA duración 65min fotografías DAN BALBOA y MIGUEL ...

de ÀNGEL GUIMERÀ
versión y dirección CARLOTA SUBIRÓS
dramaturgista FERRAN DORDAL 
intérpretes MERCÈ ARÀNEGA, LAURA AUBERT, JAVIER BELTRÁN, ROGER CASAMAJOR, LAIA DURAN, ORIOL GENÍS, ALBA PUJOL / NIES JAUME y RAMON PUJOL
duración 1h 20min
fotografías DAVID RUANO
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA y TEATRE EN XARXA
SALA PETITA (TNC)

Desde la entrada a la sala ya se intuye la tragedia. Un pianista y un violinista tapan el silencio de los futuros llantos. Sol Solet es la obra más feminista de uno de los mejores dramaturgos de la literatura catalana, Àngel Guimerà. Y otra mujer, Carlota Subirós la ha sacado del olvido y de paso le ha quitado el polvo acumulado durante años.

En una escenografía minimalista pero de aspecto decadente se reúnen los personajes. Munda, Laura Aubert, eterna enamorada de Hipòlit, Roger Casamajor, espera la vuelta de su primo Bernabé, Ramon Pujol, y de su salvador, Jon, Javier Beltran, junto a su tía Gaetana, Mercè Arànega.



La puesta en escena es hipnótica. El foco central que se desliza a lo largo y ancho de la escenografía de Max Granezel es el encargado de enfatizar las luces y las sombras propuestas en los diálogos de Guimerà. La iluminación de Carlos Marquerie es simplemente exquisita y alcanza su punto máximo en la última escena, de aquellas que te atrapan y no te dejan ir.

Aunque durante los primeros momentos el montaje peca de un estatismo excesivo, éste se acaba rompiendo y el ritmo del montaje acaba por vencerle. Carlota Subirós consigue romper con la narración de esos primeros instantes y transformar el montaje en una especie de "thriller", donde los hechos/acontecimientos toman tanto protagonismo como la psicología de los personajes.



Laura Aubert vuelve al drama y nos traslada el dolor, la culpa y las dudas de una mujer doblemente abandonada, traicionada y que paga con la misma moneda a quien la ama. Aún así, quien se lleva la función de calle es Roger Casamajor, que le tiene pillado el truco a este tipo de personajes. Su Hipòlit es un arma de doble filo que intenta jugar con el espectador pero que acaba ganando la versión menos alentadora de este jugador posesivo y maltratador, que como tantos otros ama "sin medida". 



Uno de los grandes aciertos de la producción es el tratamiento de la figura de la Ombra, en mi caso interpretada por Alba Pujol, una especie de voz de la conciencia de los personajes, un eco que ayuda a situarse al espectador y que a veces, convierte a las escenas en espejismos. La Ombra se fusiona perfectamente en el espacio sonoro creado por Damien Bazin y que en este montaje tiene una importancia crucial a la hora de crear y amplificar las escenas más dramáticas.

Sol Solet es un montaje sugerente, provocador, lleno de simbolismos, una bomba ideológica brutal. Descender al infierno, a veces, tiene su recompensa. Sin duda, el mejor montaje de lo que llevamos de temporada del TNC.

SOL SOLET

by on 19:03
de ÀNGEL GUIMERÀ versión y dirección CARLOTA SUBIRÓS dramaturgista FERRAN DORDAL  intérpretes MERCÈ ARÀNEGA, LAURA AUBERT, JAVIER ...