EN PROCÉS 2

/ 22:05

ELLA
de LALI ÁLVAREZ
con IMMA COLOMER

NOMÉS UNA VEU
de LLÀTZER GARCIA
con IVAN BENET

SUPREMACISTES
de CRISTINA CLEMENTE
dirección MÒNICA BOFILL
con JÚLIA BARCELÓ y LAURA CONEJERO

CAPITÀ MANDRAKE
de CLÀUDIA CEDÓ
con ALEJANDRO BORDANOVE y MIQUEL GELABERT

YOU SAY YOU WANT A REVOLUTION
de HELENA TORNERO
con AHMAD ALHAMSHO, ALICIA G. REYERO y MANAR TALJO

LA SOLITUD DE L'U
de SERGI BELBEL
dirección ISRAEL SOLÀ
con ALEJANDRO BORDANOVE y LAURA CONEJERO

Volvemos a ponernos en modo procés para encarar el segon vespre de dramaturgia entorno a este tema han realizado. En la segunda tanda no ha habido autoridades pero si algunas de las caras que nos encontramos el pasado lunes y otras nuevas.

Entramos a sala y nos encontramos antes de llegar a la platea con un recibimiento inesperado. Imma Colomer saluda a su público, casi uno por uno, no podíamos tener mejor anfitriona. Esto está a punto de empezar, aunque siempre hay algún rezagado.



Una silla, una mochila y varias bolsas ya nos indican que este no va ser el procés que nos imaginamos. Las dramaturgias de Lali Álvarez siempre ponen el dedo en la llaga y nos hace cuestionarnos la realidad. Una mujer mayor nos pide ayuda. Está a punto de ser deshauciada y necesita ayuda. Los paralelismos entre el proceso de desahucio y el proceso político son numerosos y significativos: la solidaridad, la idea de que los catalanes construimos todo entre todos, la negociación y la organización de la gente... Con luz o sin ella, Imma Colomer nos atrapa. Soberbio su papel, como lo es también el final del monólogo.

Como quien pasa página, Llàtzer Garcia comienza proyectando a Brecht mientras Ivan Benet se prepara para desgranar su monólogo, ya que su personaje no cree en el diálogo sino en la defensa de uno mismo. La historia transita alrededor de si poner una bandera o banderola en el balcón te hace pertenecer a un bando. Només una veu juega al mismo juego del texto de la semana pasada de Esteve Soler, Pàtria. En aquella ocasión, Soler cuestionaba el patriotismo de unos y de otros, aquí Llatzer cuestiona la democracia, la libertad y el amor por la patria, eso sí quizás sin forzar tanto la máquina, desde un punto de vista más filosófico.

Volvemos al diálogo con Supremacistes de Cristina Climente, dirigida por Mònica Bofill, donde Júlia Barceló y Laura Conejero interpretan a dos profesoras de primaria, un poco bastante obsesionadas con el procés, los unionistas y el independentismo. En la misma línea que la semana pasada apuntaba Marc Artigau en La Peixera, Clemente fuerza la situación obsesiva hasta convertirla en víctimas y verdugos de la que ellas denuncian. Sin duda, es la pieza más cómica de toda la velada y asistimos a un repaso de odios unionistas de campeonato. Sin duda uno de los aciertos es el ritmo de lectura, con unas Júlia Barceló y Laura Conejero sensacionales. Prueba de ello, los vítores en modo de aplausos.

Del realismo del día a día, pasamos a la dramaturgia de la Claudia Cedó que opta por la sátira y por alejarnos de Catalunya y nos hace viajar a un país inventado en Capità Mandrake, con una zona que se quiere independizar, Branceslavia. Miquel Gelabert interpreta a un presidente en horas bajas, aferrado a su silla (de ruedas) y con un asesor (Alejandro Bordanove) que le pone al día de las decisiones que debe tomar, tapar la corrupción con una cortina de humo y odio hacía esta parte del país utilizando a la población y a los medios de comunicación para ello. Me viene sonando que dicen.

Dejamos los mundos inventados y nos ponemos revolucionarios a golpe de notas de Revolution de The Beatles. Una pija, una revolucionaria (de las de antes) y un inmigrante ponen voz a las numerosas personas que asisten a las manifestaciones pro independencia. Helena Tornero se remonta al 1967 para explicarnos qué es una revolución y cómo de diferente se ve desde los ojos de los que normalmente no se revolucionan por nada (la pija), aquellos que lo llevan haciendo desde siempre y por cualquier injusticia y aquellos que nacieron con la revolución incorporada y casi dan la vida por ella (inmigrante, de Siria).

Sergi Belbel, dirigido por Israel Solà, cierra el ciclo con una dramaturgia que narra los sentimientos de una señora mayor (Laura Conejero) instantes antes de ser golpeada por un piolín (Alejandro Bordanove). Mientras que el policía alude a El jovencito Frankestein para comenzar a describir sus sentimientos, la mujer hará lo propio con Star Wars y Darth Vader. Un reflejo del odio inexplicable el que le han inculcado a este agente de la ley que por mucho que esta mujer le recuerde a su madre y por mucho dudas que le provoque su acto, al final actuará y se sentirá héroe de una democracia que no existe. Además de los sentimientos de uno y de otro, lo más significativo de la pieza es la verborrea increíble del personaje de Laura Conejero. Atónitos delante de tal manera de leer e interpretar a una velocidad de crucero. Sin respiración. Tanto o más aún que el golpe.

Cierre brillante, fuera de la sala nos volvemos a encontrar con la realidad de los desahucios, para un experimento dramatúrgico de lo más enriquecedor. Una bocanada de aire fresco y de la realidad más inmediata. La vida sigue, por suerte, dentro y fuera de un teatro. 


ELLA
de LALI ÁLVAREZ
con IMMA COLOMER

NOMÉS UNA VEU
de LLÀTZER GARCIA
con IVAN BENET

SUPREMACISTES
de CRISTINA CLEMENTE
dirección MÒNICA BOFILL
con JÚLIA BARCELÓ y LAURA CONEJERO

CAPITÀ MANDRAKE
de CLÀUDIA CEDÓ
con ALEJANDRO BORDANOVE y MIQUEL GELABERT

YOU SAY YOU WANT A REVOLUTION
de HELENA TORNERO
con AHMAD ALHAMSHO, ALICIA G. REYERO y MANAR TALJO

LA SOLITUD DE L'U
de SERGI BELBEL
dirección ISRAEL SOLÀ
con ALEJANDRO BORDANOVE y LAURA CONEJERO

Volvemos a ponernos en modo procés para encarar el segon vespre de dramaturgia entorno a este tema han realizado. En la segunda tanda no ha habido autoridades pero si algunas de las caras que nos encontramos el pasado lunes y otras nuevas.

Entramos a sala y nos encontramos antes de llegar a la platea con un recibimiento inesperado. Imma Colomer saluda a su público, casi uno por uno, no podíamos tener mejor anfitriona. Esto está a punto de empezar, aunque siempre hay algún rezagado.



Una silla, una mochila y varias bolsas ya nos indican que este no va ser el procés que nos imaginamos. Las dramaturgias de Lali Álvarez siempre ponen el dedo en la llaga y nos hace cuestionarnos la realidad. Una mujer mayor nos pide ayuda. Está a punto de ser deshauciada y necesita ayuda. Los paralelismos entre el proceso de desahucio y el proceso político son numerosos y significativos: la solidaridad, la idea de que los catalanes construimos todo entre todos, la negociación y la organización de la gente... Con luz o sin ella, Imma Colomer nos atrapa. Soberbio su papel, como lo es también el final del monólogo.

Como quien pasa página, Llàtzer Garcia comienza proyectando a Brecht mientras Ivan Benet se prepara para desgranar su monólogo, ya que su personaje no cree en el diálogo sino en la defensa de uno mismo. La historia transita alrededor de si poner una bandera o banderola en el balcón te hace pertenecer a un bando. Només una veu juega al mismo juego del texto de la semana pasada de Esteve Soler, Pàtria. En aquella ocasión, Soler cuestionaba el patriotismo de unos y de otros, aquí Llatzer cuestiona la democracia, la libertad y el amor por la patria, eso sí quizás sin forzar tanto la máquina, desde un punto de vista más filosófico.

Volvemos al diálogo con Supremacistes de Cristina Climente, dirigida por Mònica Bofill, donde Júlia Barceló y Laura Conejero interpretan a dos profesoras de primaria, un poco bastante obsesionadas con el procés, los unionistas y el independentismo. En la misma línea que la semana pasada apuntaba Marc Artigau en La Peixera, Clemente fuerza la situación obsesiva hasta convertirla en víctimas y verdugos de la que ellas denuncian. Sin duda, es la pieza más cómica de toda la velada y asistimos a un repaso de odios unionistas de campeonato. Sin duda uno de los aciertos es el ritmo de lectura, con unas Júlia Barceló y Laura Conejero sensacionales. Prueba de ello, los vítores en modo de aplausos.

Del realismo del día a día, pasamos a la dramaturgia de la Claudia Cedó que opta por la sátira y por alejarnos de Catalunya y nos hace viajar a un país inventado en Capità Mandrake, con una zona que se quiere independizar, Branceslavia. Miquel Gelabert interpreta a un presidente en horas bajas, aferrado a su silla (de ruedas) y con un asesor (Alejandro Bordanove) que le pone al día de las decisiones que debe tomar, tapar la corrupción con una cortina de humo y odio hacía esta parte del país utilizando a la población y a los medios de comunicación para ello. Me viene sonando que dicen.

Dejamos los mundos inventados y nos ponemos revolucionarios a golpe de notas de Revolution de The Beatles. Una pija, una revolucionaria (de las de antes) y un inmigrante ponen voz a las numerosas personas que asisten a las manifestaciones pro independencia. Helena Tornero se remonta al 1967 para explicarnos qué es una revolución y cómo de diferente se ve desde los ojos de los que normalmente no se revolucionan por nada (la pija), aquellos que lo llevan haciendo desde siempre y por cualquier injusticia y aquellos que nacieron con la revolución incorporada y casi dan la vida por ella (inmigrante, de Siria).

Sergi Belbel, dirigido por Israel Solà, cierra el ciclo con una dramaturgia que narra los sentimientos de una señora mayor (Laura Conejero) instantes antes de ser golpeada por un piolín (Alejandro Bordanove). Mientras que el policía alude a El jovencito Frankestein para comenzar a describir sus sentimientos, la mujer hará lo propio con Star Wars y Darth Vader. Un reflejo del odio inexplicable el que le han inculcado a este agente de la ley que por mucho que esta mujer le recuerde a su madre y por mucho dudas que le provoque su acto, al final actuará y se sentirá héroe de una democracia que no existe. Además de los sentimientos de uno y de otro, lo más significativo de la pieza es la verborrea increíble del personaje de Laura Conejero. Atónitos delante de tal manera de leer e interpretar a una velocidad de crucero. Sin respiración. Tanto o más aún que el golpe.

Cierre brillante, fuera de la sala nos volvemos a encontrar con la realidad de los desahucios, para un experimento dramatúrgico de lo más enriquecedor. Una bocanada de aire fresco y de la realidad más inmediata. La vida sigue, por suerte, dentro y fuera de un teatro. 

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dramaturgia y dirección MATÍAS MARTÍNEZ
intérprete MIGUEL BOSCO 
producción COMPAÑÍA SOCIEDAD SECRETA DE LA ACTUACIÓN
duración: 50min
LA BADABADOC

Últimamente La Badabadoc se está convirtiendo en mi segunda casa. Me encanta su trato con el espectador y la atmósfera familiar. Pero como en todas las familias, a veces no te llevas de la misma manera con todo el mundo. 

Huelga decir que Horacio Amigo de Hamlet no es el tipo de espectáculo que define a la sala. Los asiduos estamos acostumbrados a un nivel de actuación superior, por eso quizás la decepción de esta semana no era esperada. Sin duda no es ni mucho menos culpa de la sala o de su programadora, es uno de esos espectáculos que viendo el tráiler te imaginas otra cosa.

Horacio Amigo de Hamlet es un monólogo que tomando algunos pasajes de la obra original de Shakespeare los deconstruye hasta convertirlos en una especie de sátira. Uno de sus mayores problemas es que sus intentos de comedia son estériles porque no provoca ni la más mínima mueca de sonrisa. 

Aquí Horacio es el único superviviente de la tragedia y es por su boca por la que sentimos el resto de personajes. En su narración irá desmenuzando algunos de las constantes de la obra: la venganza por la traición,  el asesinato, el adulterio, la fuerza del mandato paterno, la transgresión de las leyes, etc.



El monólogo juega con el teatro de texto combinándolo con teatro de máscaras y con una importante presencia de la voz en off. Con una escena totalmente descubierta y vacía, Horacio Amigo de Hamlet deja que todo el peso recaiga en la interpretación pero ésta no tiene el nivel deseable en un montaje profesional. Miguel Blasco sobreactúa en exceso, la entonación no es la más correcta y su monólogo se vuelve plano y sin ritmo. Incluso por momentos resulta grotesco, mas aún cuando el lenguaje utilizado se vuelve rudo y cae en la más absoluta vulgaridad.

Desgraciadamente nada que ver con El Salvaje, el montaje que tanto celebré haber visto la semana pasada y que por cierto vuelve, en una breve estancia, el 3 y 4 de marzo. Parafraseando a Horacio: ¡Viva el teatro... pero del bueno!

HORACIO AMIGO DE HAMLET

by on 17:55
dramaturgia y dirección MATÍAS MARTÍNEZ intérprete MIGUEL BOSCO  producción COMPAÑÍA SOCIEDAD SECRETA DE LA ACTUACIÓN duración: 50...

creación de LA SUECA a partir de Chéjov
dirección CRISTINA CERVIÀ
intérpretes MAR CASAS, CLARA GARCÉS y MIREIA VALLÈS
duración 1h 10min
fotografía IGNASI R. RENOM
producción LA SUECA
TEATRE AKADÈMIA

Sobre el papel una obra protagonizada y dirigida por mujeres que retratan a las antiheroínas de Chéjov parece cuanto menos interesante. Revisar a personajes como Nina, Irina, Arkadina, Olga, Maixa, Sonia, Elena, Liubov, Varia, Anina... y trasladarlas a la realidad de las mujeres de hoy en día es sin duda una de los más aspectos más atrayentes del proyecto.

La manera de trabajar de la compañía de La Sueca es extraer el jugo, la esencia de los textos y jugar con ellos, con sus personajes, con los dilemas que proponen. Ese juego queda reflejado desde el inicio en escena. Las actrices/personajes salen y entran de escena. Se dirigen al público. No hay un lugar, más allá de los cambio de luz, que indique al espectador los límites de tanto juego.

Sin límites, sin nombres más allá de los mismos que las actrices, es entonces trabajo del espectador ir recomponiendo piezas, tomar al azar cada pedazo de texto y adjudicárselo mentalmente al personaje adecuado. High level.



Es bien cierto que los trazos característicos de las obras de Chéjov están presentes y quedan bien remarcados en el texto: objetivo Moscú, síndrome de posesión por los objetos materiales, sueños rotos, deseos incumplidos e imposibles, la crítica del teatro contemporáneo, el paso del tiempo, la falta de juventud, el trabajo visto como una obligación. A pesar de tanto drama, el montaje opta por tomarse la vida con filosofía y mirar el lado positivo de las cosas.

Desde su estreno el pasado otoño en el festival Temporada Alta, el montaje ha cambiado a una de sus actrices. Hecho que no sería relevante si no denotara una descompensación en las interpretaciones. En el inicio, la interpretación de Mar Casas, al jugar con el humor, está más controlada pero al profundizar en el montaje se ve abocada a forzar al límite y eso descomponga en exceso el conjunto. Por el contrario, Mireia Vallès, a la que le han tocado los papeles más duros consigue controlar el tono y gana en credibilidad. La luminosidad interpretativa corre a cargo de Clara Garcés, que quizás lo tenía más fácil ya que, por ejemplo, en el caso Irina, la luz vive en ella.



De la puesta en escena lo más sorprendente es el mosaico colorido del suelo que contrasta perfectamente con la tendencia a la oscuridad que desprenden los textos de Chéjov. Estos colores tan vivos le da una luminosidad al montaje y le quitan hierro al asunto. Es imposible dejar de mirarlo.

Els dies que vindran basa buena parte de su fuerza en el texto y deja más de lado la acción, cosa que se echa de menos. No hay duda que las palabras de Chéjov, aún hoy, siguen vigentes, pero el montaje necesita algo más que buenas palabras. Si podemos "deconstruir" el texto, adaptándolo a la dramaturgia actual, también podemos hacerlo con la puesta en escena, con el ritmo, con la acción...

El "egocentrismo" del texto pasa factura al montaje. A veces no hace falta incluir palabras y sólo basta con actuar. Un claro ejemplo, dentro del mismo montaje, es la escena donde las actrices enmudecen y la música y unos leves movimientos las convierten en "bailarinas de una caja de música". Es una pena que la música deje de sonar.  

ELS DIES QUE VINDRAN

by on 18:00
creación de LA SUECA a partir de Chéjov dirección CRISTINA CERVIÀ intérpretes MAR CASAS, CLARA GARCÉS y MIREIA VALLÈS duración 1h ...

PÀTRIA
de ESTEVE SOLER 
con ANDRES HERRERA y JORDI RICO

VIS-A-VIS
de VICTÒRIA SZPUNBERG
con TXELL BONET

LA PEIXERA
de MARC ARTIGAU
con JORDI RICO

TRAÏCIÓ
de MARTA GALÁN
con NÚRIA LLOANSI

CONSTITUCIÓ
de GUILLEM CLUA
con RAMON PUJOL y JAUME ULLED

Escribo esta crónica en caliente, nada más salir del teatro, cosa que habitualmente no hago, siempre dejo reposar sentimientos y pensamientos. Pero esta vez, algunos llevan reposando desde el fatídico 1 de octubre. Anuncio para que nadie se lleve a malentendidos que la crónica será bilingüe, un reflejo de como hablo, un reflejo de como soy. Es una licencia que me permito. Google os traducirá las palabras en catalán.

Asisto a la función de las 19h, abierta a prensa, autoridades y público. Lazos amarillos, muchos, pero también personas sin ellos. No problem. Aquí no se juzga quién lleva qué. Como cualquier función se apagan las luces y empieza el espectáculo.



Abre fuego Esteve Soler con Pàtria, una comedia surrealista que toma como base una anécdota, dos vecinos se disputan quien es más patriótico por temas tan banales como el tamaño de la bandera que cuelga de su balcón, la facilidad de lenguaje o la manera de caminar. Andrés Herrera y Jordi Rico están soberbios. Por su parte, la dramaturgia destila mala baba y una sonora crítica a los extremistas que ya se pueden ver en las obras de Soler.

Después de los aplausos se instala el silencio sepulcral. Surt a escena la Txell Bonet, dona de Jordi Cuixart, empresonant fa gairebé 4 mesos. El texto, Vis-a-vis, escrito por Victòria Szpunberg con la colaboración de la propia Txell es una docuficción de los hechos y de la vida de Bonet desde que su marido entra en prisión. El "personaje" interpretado por Txell se somete a un casting para interpretar a la dona del Jordi Cuixart. Por muchas veces que la haya escuchado narrar su día a día, y han sido unas cuantas, me sigo estremeciendo.

Después de una sonora ovación a ella y a su marido, nos sumergimos en las cargas policiales del 1 de octubre. Marc Artigau analiza lo sucedido a través de los días posteriores en un colegio de primaria en La Peixera. Cómo actuar a las preguntas de los alumnos, cómo explicarles la situación. El público se somete a la explicación de un profesor, Jordi Rico, del resultado de un ejercicio de creación libre para que los alumnos expresaran sus sentimientos ante lo acontecido. Sin duda el ejercicio le ha salido redondo a Artigau, con una moraleja, que a pesar de haber sido repetida mil veces a lo largo de la Historia, no nos cansamos de revisar.

El ejercicio de Marta Galán en Traïció es performático, con un texto excesivamente narrativo, que liga la violencia del 1 de octubre a otros hechos violentos históricos como la Segunda Guerra Mundial o la Revolución Rusa y lo engloba todo en la lucha por la virilidad. Violencia y masculinidad donde las mujeres ponen su cuerpo a l'ordre dels mascles. Simon Weil, Paul Valery o Ortega y Gasset se pasean entre vómitos, caretas y desparrames por el suelo.

Después de tanta reflexión llegó el momento de ponernos serios a leer la Constitució, en un inicio la Española de 1978 en català per Ramon Pujol, hasta que resuena, també en català, la Catalana de la República Catalana de 2017 (sic) vía Jaume Ulled. Guillem Clua enfrenta a las dos constituciones, primero de manera dialéctica y después no tan dialogante. Si es verdad que primero "golpea" Espanya, Catalunya no se quedará atrás. ¿Se puede dialogar contra una pared, con una persona que hace oídos sordos? Ahí queda la reflexión.

Sonora ovación final para todos y nos queda la segunda parte el lunes 19 de febrero. Conservamos las ganas de darnos un segundo baño de realidad. Mientras la vida sigue dilucidándose entre TN y TN.


EN PROCÉS 1

by on 21:52
PÀTRIA de ESTEVE SOLER   con ANDRES HERRERA y JORDI RICO VIS-A-VIS de VICTÒRIA SZPUNBERG con TXELL BONET LA PEIXERA d...

de DANIELA FEIXAS
dirección RAMON SIMÓ
intérpretes TILDA ESPLUGA, ANNA GÜELL y DANIELA FEIXAS
duración 80min
fotografías Q-ARTS TEATRE
producción Q-ARS TEATRE y TEMPORADA ALTA
SALA MUNTANER

Daniela Feixas ha creado el Gregor Samsa de la identidad de género. En una especie de justicia poética, su personaje se convierte en todo aquello que odia, aquello que lucha por prohibir. Para los fervorosos creyentes, un día se acostó como un dios y se levantó con forma de demonio.

Simone obviamente bebe de Beauvoir, pero también de Kafka o incluso a veces hay ligeras pinceladas de Saint-Exupéry, además de ser un soplo y bofetada de realidad que podemos encontrar en cualquier noticiero. 



Simone es una comedia, con un humor negro, oscuro bien oscuro. La dramaturgia ha puesto su mirada en personajes rozan los estereotipos, por una parte: la clase alta más pudiente, conservadora, católica y con un tufo retrógrado y por otra la clase trabajadora, focalizada en el personaje que interpreta la propia Feixas, una prostituta de cuarenta años.

Además de la esperpéntica situación, Simone juega con el lenguaje a través del personaje de la Rosa, una hilarante Anna Güell, que a pesar de lidiar con un espejo excesivamente presente, consigue dibujar la mejor interpretación de la función. De su boca sale veneno. Sus réplicas son las que te ponen sobreaviso y al mismo tiempo de ser las que provocan mayores carcajadas por parte del público

Tilda Espluga da vida a este hombre convertido en mujer de la noche a la mañana, el ministro de justicia de un país al borde de la revolución por la aprobación de unas nuevas reglas morales. Su personaje, central en la trama, es el más disperso, toca demasiados asuntos y al final queda una extraña sensación de estar desdibujado en exceso, a pesar del excelente trabajo actoral por enderezarlo. Hay algo que no acaba de cuajar.



Además de la dirección, Ramon Simó vuelve a encargarse de la escenografía, en la cual todo el poder recae en un sofá. Pieza clave por su versatilidad y porque realmente aquí los que necesitan acaparar la atención (y lo consiguen) son el texto, la dramaturgia y el trabajo actoral.

El cóctel final es una mezcla de querer y quedarse a medias. Quizás se haya perdido en medio de la búsqueda excesiva de la sonrisa fácil, pero esta Simone debería haber forzado un poco más la máquina, la crítica con una buena dosis de mala leche y menos autocomplacencia.

SIMONE

by on 20:27
de DANIELA FEIXAS dirección RAMON SIMÓ intérpretes TILDA ESPLUGA, ANNA GÜELL y DANIELA FEIXAS duración 80min fotografías Q-ARTS ...

dramaturgia y dirección PABLO FINAMORE
dirección ROMÁN LAMAS
duración 55min
fotografías EVA MARTÍN NEBRERA
LA BADABADOC

Nada más entrar a la antesala nos sorprende encontrar Las Variaciones de Goldeberg de Bach, por aquello de que la música amansa las fieras. Aquí se va hablar de fieras en el plano más bestial de ellas.

Desde Argentina nos llega el multipremiado Pablo Finamore con El Salvaje, un monólogo que intenta explicar cómo el hombre acabó dejando su vida anodina y placentera para convertirse en bestia. Todo parece justificarse en la supervivencia.

Por la piel y sentimientos de Pablo pasa un sinfín de elementos que convierten la plácida existencia de los primeros seres humanos, a los que sólo les interesaba comer los frutos y vegetales que se iba encontrando por su camino, en auténticos cazadores, que justifican el arte de matar a una cuestión de elección vital.



Con una escenografía tan anodina como la vida de los primeros seres, un manto blanco en un intento por purificar la existencia, que acabará imaginariamente teñida de sangre con tanta bestialidad dialéctica.

La combinación de la potencia lingüística de crear imágenes y la de una importante dosis de fisicalidad hace que el espectador de la obra se sienta incómodo en su propio cuerpo. El Salvaje es aquel tipo de teatro que, más allá de un cuestionamiento simbólico, te deja el cuerpo hecho trizas. 



Personalmente venía de una semana de cuestionamiento total de la manera de alimentarnos, después del impactante reportaje en Salvados, y encontrarte la misma realidad salvaje, a otro nivel, no hace más que reafirmarnos en que no estamos en el camino correcto. 

El Salvaje expone los hechos, ahora es la vida de cada uno la que ofrecerá soluciones o no. De momento, sus palabras (llenas de brutales descripciones) seguirán resonando en nuestras cabecitas una vez que abandonemos la sala.

EL SALVAJE

by on 19:00
dramaturgia y dirección PABLO FINAMORE dirección ROMÁN LAMAS duración 55min fotografías EVA MARTÍN NEBRERA LA BADABADOC Nada...

creación, interpretación y dirección DAVEL PUENTE
duración 55min
fotografías LUX NIEVE
producción COMPAÑÍA DONDAVEL
LA BADABADOC

Tras cuatro años de investigación la compañía Dondavel nos presenta Le Fumiste, un viaje a través de la memoria lleno de magia, humor y poesía. Un espectáculo apto para toda la familia donde el intérprete nos hace viajar a su infancia, nos presenta a su familia y nos descubre sus sueños. 

Su propuesta teatral se basa en el teatro de objetos, el teatro gestual y algunos simples trucos de magia. Por el nombre, esperaba encontrarme la sala llena de humo nada más entrar, y quizás hubiera sido un buen inicio, ya que los diez primeros minutos del espectáculo es donde más se resiente.

Una vez superados, la magia y la melancolía se apoderan de la sala y el público queda atrapado hasta el final. Grandes y pequeños entran en una especie de hipnosis y se dejan convencer por lo que les va mostrando el maestro de ceremonias, Davel Puente. La imaginación es poderosa y ya no vemos ni jarrones ni tarros cuando estos cobran vida y se convierten en los personajes humanos del cuento.



Le Fumiste demuestra que las cosas simples con las que más gustan. Da igual la edad del espectador, la magia y los malabares les atrapan por igual. Es un espectáculo lleno de sensibilidad y melancolía. Todo un homenaje a la importancia de los abuelos en la infancia, y, por ende, en nuestra vida.

La intimidad de la sala Badabadoc es el lugar ideal para crear la atmósfera más idónea para que se desarrolle la magia de Le Fumiste. Pavel Puente nos ha dejado embelesados durante casi una hora y nos ha hecho partícipes de todo su universo mágico. Todo un placer. 

LE FUMISTE

by on 18:44
creación, interpretación y dirección DAVEL PUENTE duración 55min fotografías LUX NIEVE producción COMPAÑÍA DONDAVEL LA BADABADOC...

inspirado en un texto de NATZA FARRÉ
dirección VERO CENDOYA
creación e interpretación ALBA FLOREJACHS, GLÒRIA SIRVENT y VERO CENDOYA
ajudant de direcció MERCÈ VILA GODOY
duración 75min
fotografias JORDI LARREA
producción CIA VERO CENDOYA, TEATRE DE PONENT y ICEC
SALA ATRIUM

La unión hace la fuerza y la comedia nos hace más fuertes para superar las adversidades con las que la vida nos sorprende día tras día. Vero Cendoya quería pasar página de su exitoso montaje La Partida y crear una cosa donde los espectadores no pudiéramos buscar similitudes. Dicho y hecho. If (l'últim desig) es un espectáculo de danza-teatro pero donde el texto tiene una gran importancia.

Nada más entrar en sala nos encontramos en una parcela de camping. Auténtica con manguera y todo. Detallista la escenografía de Sebastià Brosa y Sergi Corbera. Tres hermanas y un funeral. La presencia de la madre muerta planeará durante toda la obra. No hay nada que una más que la muerte.



Unidas en la tristeza pero llenas de vida. Insatisfacción a raudales, pero todavía con un hueco para seguir teniendo deseos y aspiraciones. La bofetada en la cara todavía no ha sido lo suficientemente fuerte para aterrizar en un conformismo miserable.

Aunque es un espectáculo de creación, basado en improvisaciones de las propias intérpretes, de fondo todavía se puede apreciar la acidez con la que Natza Farré acostumbra a impregnar sus escritos, además de una fuerte carga feminista y reivindicativa, tan necesaria en estos tiempos que corren. Nada de ser complacientes. If (l'últim desig) es una comedia negra, muy negra, pero tan real como la vida misma.



En este caso la danza es un vehículo más para expresar las frustraciones vitales de las protagonistas. Pero además de la danza hay una fuerte carga de teatro gestual. Una de las escenas más impactantes la protagoniza este tipo de teatro. Sólo puedo decir que impresiona lo que pueden llegar a trasmitir un "par" de brazos.

Vero Cendoya ha sabido elegir el mejor casting. Glòria Sirvent y Alba Florejachs no es la primera vez que demuestran su excelencia como actrices cómicas y es todo un placer para el espectador disfrutar de sus interpretaciones a escasos metros, sin trampa ni cartón.



If (l'últim desig) es un espejo para toda una generación a la que se le prometió el oro y el moro, y después la realidad les regaló otra cosa bien diferente. Esa generación a la que pertenecemos muchos y por la que seguimos luchando. También es un reflejo de aquellas personas que nunca han superado la infancia y todavía viven en ella. 

Ya dicen que la infelicidad está repartida por barrios y a estas tres hermanas han sido demasiado agraciadas con ella. Eso sí el montaje deja un regusto de esperanza final, porque la vida es mejor tomársela con humor aunque sea... negro.

IF (L'ÚLTIM DESIG)

by on 17:59
inspirado en un texto de NATZA FARRÉ dirección VERO CENDOYA creación e interpretación ALBA FLOREJACHS, GLÒRIA SIRVENT y VERO CENDOYA...

de SARAH KANE
traducción ALBERT ARRIBAS
dirección ALICÍA GORINA
intérpretes PERE ARQUILLUÉ, MARTA OSSÓ y BLAI JUANET
duración 1h 45min
fotografías FELIPE MENA
producción TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA, TEMPORADA ALTA 2017
SALA PETITA (TNC)

Recuerdo como si fuera ayer, la montaña rusa emocional que me produjo la primera lectura de Blasted. Tal impacto que tuve que leérmelo dos veces (tenía en mis manos la versión original en inglés) porque pensaba que no era posible que estuviera leyendo lo que había leído y que lo había entendido mal. La segunda lectura me confirmó que no, que había entendido lo que leía.

Desde entonces se convirtió en una obra que deseaba que alguien tuviera el coraje suficiente para representarla, en catalán, castellano, inglés, me daba igual el idioma. Y todavía recuerdo el bote y el grito que di cuando me enteré que iba a ser representada al TNC y dirigida por una mujer, hecho importante y, en las épocas que corren, hasta trascendente. 



Ya puedo decir que la he visto montada, que he visto una de sus representaciones, aunque el resultado real con el que me había conformado en mi cabeza difieren y las expectativas, quizás excesivas, no se han cumplido.

Blasted es una obra muy complicada, no sólo de digerir que aquí ya cada cuál verá que le pasa por dentro, es una obra muy complicada de montar, de dirigir, de interpretar... 

Unos días después de ver el montaje sigo pensando que peca de conservador. Desde la puesta en escena que protege al espectador de una manera un tanto inexplicable a la dirección de actores demasiado contenida.



El texto sigue siendo maravilloso pero eso ya nos venía de fábrica. No logro entender el porqué de las cortinas, que dependiendo de donde te encuentres sentado dificulta la visibilidad de los personajes entre los pliegues. He llegado a pensar que actúan como pantalla, una especie de filtro que haga que el espectador no se crea todo aquello que ve sino que parezca como una caso más de los que salen en las noticias.

Inseparablemente unidas a las cortinas está la elección del diseño de luces de Raimon Rius, excesivamente naturalista, blanco, sin cambios, una búsqueda demasiado remarcada por hacer bonito algo que no lo es. Falta ese ambiente hipnótico y catastrófico que te deja el texto cuando lo lees.



A la puesta en escena se une un comprensible y a la vez discutible casting de actores. Pere Arquillué es un peso pesado de la interpretación catalana, un nombre que hace cartel y que vende entradas, pero que lo único que consigue transmitir su encarnación de Ian es asco, de todo lo que el texto marca que suelte por la boca. Me falta la angustia existencial que dibuja Kane. Tampoco queda bien definida la turbulencia con la que está descrito el personaje, ese mundo interior con un punto psicótico que en manos de Arquillué se ha visto totalmente desdibujado.



Más compensada está Marta Ossó como Cate pero a la que la batuta de dirección tampoco ha sabido encontrar el punto. No se ha querido hacer sangre de un tema tan delicado como los abusos sexuales y se ha dejado que sean las palabras más que las acciones las que den a entender el que está o va a pasar. Ossó tiene la escena más simbólica hacia el final de la obra, donde sin mediar palabra es una bofetada directamente al estómago y sin duda lo mejor del montaje.

La obra de Sarah Kane es más necesaria que nunca. Veinte años después nos sigue dejando mudos su discurso lleno de machismo, xenofobia, misoginia, egocentrismo y una violencia, que aunque nos asalte todos los días a través del mundo de pantallas en el que vivimos, no deja de removernos bien por dentro.



A pesar de que no haya salido convencida de Blasted era tan necesario montarla como el sold out que se ha ganado. Al menos que sea una primera piedra, después de Psicosi de les 4.48, para seguir montando las obras de Kane y para que se hable en femenino desde la silla de dirección en los teatros públicos, ¡que ya va siendo hora!

BLASTED

by on 18:36
de SARAH KANE traducción ALBERT ARRIBAS dirección ALICÍA GORINA intérpretes PERE ARQUILLUÉ, MARTA OSSÓ y BLAI JUANET duración 1h...


texto y dirección DOBRIN PLAMENOV
intérprete CARLES ROIG
duración 75min
producción CIA LA BONDAGE
LLUÏSOS DE GRÀCIA

Reconozco que su título me despertó la curiosidad suficiente para abrir el email de presentación entre la pila que se amontona en mi bandeja de entrada. Una vez superada la primera referencia errónea al conocido actor, ponemos el foco en la ciudad de Orlando y en la tragedia que sufrió la comunidad LGTBQI en el escenario del Pulse. De ahí parte el monólogo, pero ese punto de partida se olvidará en segundos, los que tardamos en dar forma a una historia mucho más compleja.

La muerte como tema principal, pero no en el término general sino en de la propia muerte, eso que para muchos es tabú y otros preferimos ni pensar. El protagonista del montaje ya ha muerto, asesinado por esos que no aceptan la diferencia, y es entonces cuando el mundo de la fantasía entra en escena. Una irrealidad que le hace imaginarse todo lo que le hubiera gustado conseguir si estuviera vivo.



Su limbo particular será un escenario teatral, donde nos recibe mientras preparada un espectáculo que honrará la belleza mientras espera que el amor de su vida aparezca, hoy es el día, hoy llega ese amor tan esperado. Xevi Oró ha diseñado una escenografía de ensueño, práctica y que constantemente da juego a las acciones del personaje. 

El diseño de luces es una de las piezas más importantes del espectáculo. Irene Ferrer nos hace entrar en el mundo de ensoñación desde el primer minuto, aunque es discutible su acción de más sombras que luces en los minutos finales que dificultan la visión en determinados lugares de la sala.



Pero pese a que el montaje requiere de una fuerza especial en lo que se refiere a la técnica, la voz cantante la lleva el intérprete, Carles Roig por el transcurren las diferentes etapas de percepción de una toma progresiva de contacto con la situación. Roig despliega un sorprendente abanico de versatilidad y de golpes de efecto que ayudan a entender el mundo y los conflictos internos por los que transita el personaje. 

El espacio escénico no ayuda al montaje. Los Lluïsos de Gràcia con platea a la italiana y con escenario alzado no sería la mejor disposición para un montaje como el de la Compañía Bondage, que se ha especializado en un teatro intimista y de una poética que indaga el dolor humano

Durante buena parte del ensayo general, que es en lo que se basa esta crónica/crítica me imaginaba el mismo montaje en platea a cuatro bandas con escenario en el centro y a pie de público. La cercanía entre el actor y el público propiciaría una sensación de comunión de la angustia existencial del personaje, que ahora sólo nos llega a retazos.



Orlando Boom es una residencia artística de los Lluïsos Teatre al que le falta un necesario rodaje (normal en estos casos) que pula algunas aristas y que me encantaría volver a ver después de un tiempo, en un escenario que le haga más justicia. Y por supuesto, la hasta ahora desconocida Compañía Bondage, se ha ganado mis ganas de seguir descubriendo sus poéticas futuras.

ORLANDO BOOM

by on 17:22
texto y dirección DOBRIN PLAMENOV intérprete CARLES ROIG duración 75min producción CIA LA BONDAGE LLUÏSOS DE GRÀCIA Recono...


de ROC ESQUIUS
dirección SERGI BELBEL
intérpretes ENRIC CAMBRAY y MIREIA PORTAS
duración 80min
fotografías ROSER BLANCH
producción FLYHARD PRODUCCIONS
SALA FLYHARD

Sergi Belbel y Roc Esquius nos invitan a jugar, una especie de juego de rol de poderes sobre la futurible amenaza de que un día el Homo Sapiens no sea quien controle el mundo. Al principio del juego, el mundo que dibuja la serie Supergirl está muy presente, aunque en Sàpiens las cosas no son tan sencillas.

El despacho del nuevo consejero de salud es la pieza clave de todo el entramado. Presentación de una trama (que no desvelaré porque es mejor ir con los ojos cerrados), que al principio podemos pensar que se aguanta con pinzas, pero que con los elementos precisos se acabará convirtiendo en una espiral de sucesos que dejaran al público completamente hipnotizado.



La dramaturgia de Roc Esquius ha dado un salto de gigante. Sólo hace unos meses de aquel Claqué o no, cuyo ritmo afortunadamente nada tiene que ver con el de ahora. Se nota la mano de Belbel, que sabe perfectamente dirigir al público hacía la comedia para girarlo a la perfección posteriormente en los momentos de mayor intriga.

Además del ritmo, otro de los aciertos del montaje es el reparto. Si hace unos días, Enric Cambray ya asombraba con un papel cómico en Alpenstock, aquí podíamos decir que se consagra en el género (con permiso de Les dones sàvies). Sin duda, y más después de ver los cambios de registros cómicos de la última parte de la pieza, Cambray es uno de los intérpretes jóvenes a quien mejor le sienta el traje de las producciones cómicas.



Acostumbrada como estoy a verla en la pequeña pantalla, disfrutar de la interpretación de Mireia Portas a metro y medio es un lujo. Su personaje es la clave del montaje y su interpretación, en medio del juego de las manipulaciones, es hipnótica. Junto con Cambray hace que Sàpiens sea una clase magistral de cómicos.

Sàpiens exige un espectador capaz de entrar en su juego, al que no le importe ser manipulado, porque está dentro del viaje, al que le encante el surrealismo y la sci-fi, porque de esto último hay por un tubo. A cambio recibirás una dosis extra de carcajadas y saldrás de la sala cuestionándote y sin saber a quién te puedes encontrar al doblar la esquina.

SÀPIENS

by on 15:00
de ROC ESQUIUS dirección SERGI BELBEL intérpretes ENRIC CAMBRAY y MIREIA PORTAS duración 80min fotografías ROSER BLANCH prod...


con LAIA ALSINA RIERA, MARIA CIRICI, LAURA PAU, GERARD SESÉ / FERRAN VILAJOSANA
con la colaboración de CAMILO GARCÍA y MAIFE GIL
dirección MARTÍ TORRAS MAYNERIS
dramaturgia MARTÍ TORRAS MAYNERIS y THE FELIUETTES a partir de textos de MARTI TORRAS MAYNERIS, MIREIA GIRÓ y GERARD SESÉ
duración 90min
fotografías TONI MÁRQUEZ
producción VÀNIA, WKND-Teatre y THE FELIUETTES
SALA MUNTANER

Soy carne de los 80 y mente de los noventa. Curro Cobi Naranjito no sólo forman parte de mi universo sino que suponen un viaje directo a mi infancia. Eso sí, The Feliuettes siguen siendo fieles a su esencia y vuelven a crear un espectáculo gamberro donde hacen disfrutar mucho y más a la generación que ya ha cumplido los treinta.

La dramaturgia es un compendio imposible de aquellos años, en lo que no éramos conscientes de lo que vivíamos ni de cómo aquello te marca para siempre. Ahora desde nuestros yo del futuro ver un montaje de estas características es como que te disparen con una metralleta. ¡Qué descarga de energía!



Si bien es cierto que tal cúmulo de marcas, series y objetos es excesivo lo tomes por donde lo tomes y la dramaturgia cae una y otra vez en ese exceso. Entre canción y canción  de este cabaret/musical hay una historia que contar, la búsqueda de un padre que se fue a por tabaco y nunca volvió.

Desde el primer segundo, con esa entrada magnífica que hace sentir a los espectadores como en casa, los intérpretes te hacen vivir su propia historia, es un viaje compartido. Es la mejor parte del montaje, sentir que tu eres parte de ese todo, que a pesar de tener padre, siempre buscas esa figura de ser superior y mágico que pierdes cuando te haces mayor y dejas de creer en cuentos mágicos.



Pero no nos dejemos llevar por la nostalgia, el exceso de elementos le juega una mala pasada al montaje. Se ha forzado al límite la máquina y el resultado es desigual. Una entrega fantástica de las intérpretes que se queda diluida entre un mar que quiere abarcar todo y que abusa de la carcajada fácil.

Pese a todo siempre nos gusta recordar de donde venimos y que como espectadores jugar a buscar referentes. Vocalmente funciona muy bien y sales cantando de la sala, lo que ya es un must para cualquier espectáculo musical. Siempre nos quedarán los 80/90, ¡qué felices que éramos!

COBI CURRO NARANJITO

by on 19:40
con LAIA ALSINA RIERA, MARIA CIRICI, LAURA PAU, GERARD SESÉ / FERRAN VILAJOSANA con la colaboración de CAMILO GARCÍA y MAIFE GIL di...