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31/3/10

A MI NO EM DIGUIS AMOR



TEXT i DIRECCIÓ: MARTA BUCHACA
INTÈRPRETS: JORDI BANACOLOCHA, ROSA BOLADERAS, ÓSCAR CASTELLVÍ, MÍRIAM ISCLA, ANNA MOLINER, JOAN NEGRIÉ, ÀNGELS POCH, DAVID VERT i LLUÍS VILLANUEVA
PRODUCCIÓ: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA TALLERS (TNC)


Som a Barcelona en un futur no molt llunyà. Una parella que s'estima i els seus dos fills són obligats a viure en un pàrking. No es volen separar, i com la societat ja no conceben l'amor com un qualitat positiva, el govern ha decidit que tots aquells que vulguin viure en parella ho han de fer en un aparcament, fora de les mirades dels normals, que viuen sense amor. Fins i tot la indústria farmacèutica ha inventat una vacuna per aquells que tinguin problemes per abandonar l'amor.

Rosa Boladeras i Lluís Villanueva donen vida a aquesta singular parella, que ha decidit viure el seu amor sense deixar-se influenciar pel que pensen la resta del món. Encara que els seus fills, Anna Moliner i David Vert, siguin repudiats pels seus amics per viure en contra de tothom.

Amb un text que d'entrada promet un escenari futurista, que no compleix, al caure en alguns tòpics massa gastats i tocats per una mà de conservadorisme, Marta Buchaca presenta la seva proposta dintre del nou T6. Buchaca signa text i direcció que durant la major part de temps naufraga. Bona elecció de la música de les transicions, però com ja li va passar amb Plastilina, l'autora abusa, com bona part dels nous autors, d'un excessiu nombre de transicions, sense que l'espectador pugui entrar en cada escena i acabi sent un cúmul d'escenes una darrere l'altra, sense gaire sentit.

Malgrat que el text no estigui a l'alçada del que es podia esperar, els actors de la nova companyia T6, salven el vaixell del naufragi. Lluís Villanueva, Rosa Boladeras, Anna Moliner i Jordi Banacolocha demostren el seu mestratge damunt l'escenari i aconsegueixen amb les seves excel·lents interpretacions que el muntatge aprovi pels pèls la posada en escena i el públic rigui davant la trivialitat d'un teatre de passatemps.

Desprès d'això el final és el de menys, però en la vida no sempre les coses acaben bé, però els finals infeliços no venen tant com els feliços. Potser com ens diu l'autora, l'amor només ens el podem pendre a broma, i l'obra de pas també.

Sonia Sebastián estrena 'Palabra de perro' de Juan Mayorga con un reto escénico

De todos es conocido el cariño de Juan Mayorga por los animalescomo protagonistas de sus obras. Títulos como La tortuga de Darwin, La Paz perpetua o Últimas noticias de Copito de Nieve atestiguan el gusto del dramaturgo por servirse de seres no humanos para hablar de las cosas de los hombres.

Pero lo que pocos saben es que la afición no ha empezado por esas renombradas obras, que le han servido para conseguir los Premios Nacional de Teatro o Valle-Inclán, sino hace más de una decena de años.

Y con Miguel de Cervantes como maestro, ya que su primer texto está inspirado en El coloquio de los perros del escritor que, esta noche y mañana, suben al escenario de La Casa Encendida de Madrid convertido en Palabra de perro.

La responsable de recuperar la obra es Sonia Sebastián. La directora es una especialista en el teatro del autor de El Quijote pues está al frente de la compañía que alberga la Sociedad Cervantina de la capital.

La obra le ha supuesto un reto escénico distinto a sus montajes anteriores con textos del escritor alcalaíno, pues representar supone adentrarse en "un mundo sumamente complejo de animales y hombres en el que los primeros están claramente humanizados mientras que los segundos aparecen animalizados", confiesa la finalista este año del Premio Valle-Inclán en las vísperas del estreno madrileño.

Visualmente el montaje mezcla las imágenes perrunas y humanas. Los primeros se presentan ante los espectadores con "el torso desnudo y la parte de abajo cubierta con una ropa de un pelo especial, como el de los animales, que revelan su naturaleza animal". Además, diferentes arneses recorren todo su cuerpo para reforzar esa imagen no humana que también sirve como sujeción cuando es necesario.

Al aspecto puramente físico se suman unos 'movimientos perrunos', continúa la directora. "Están de rodillas, pero no todo el rato. También se levantan y caminan, aunque los gestos son claramente de animales".

En esas posiciones los protagonistas de la obra 'piensan, reflexionan y hablan' sobre las duras condiciones de su existencia en un mundo que si muchas veces no tiene consideración con los humanos, menos la va a tener con los animales.

Durante los parlamentos los dos perros revisan sus aventuras, más bien desventuras, con sus amos supuestamente racionales. Frente al original cervantino que era puro relato, Mayorga ha convertido esas partes en un material escénico en el que aparecen los hombres, interpretados por cuatro actores que no dejan ningún tipo de duda respecto a su condición.

De esta forma el dramaturgo cuenta con un prisma distinto al habitual que da mucho juego para mostrar los claroscuros de la sociedad actual que van «desde la situación de los inmigrantes hasta la prostitución». Pero Mayorga no se queda ahí.

El autor utiliza la obra, además, para pasar revista a la relación más general que existe entre los animales y los hombres hoy en día. Palabra de perro entra en asuntos como el trato que damos a los animales con escenas en las que aparecen las granjas de animales o los laboratorios de cobayas», añade la directora mientras da los últimos toques a su primer montaje con un texto de Mayorga. Posteriormente volverá a Cervantes, del que prepara una nueva producción teatral y otra de un clásico del Siglo de Oro con las que regresará a un mundo sólo de humanos.

Fuente: Rafael Esteban (www.elmundo.es)

30/3/10

PEGADOS


TEXTO: FERRÁN GONZÁLEZ
MÚSICA Y LETRAS: FERRÁN GONZÁLEZ y ALICIA SERRAT
DIRECCIÓN: VÍCTOR CONDE
INTÉRPRETES: ALÍCIA SERRAT, FERRÁN GONZÁLEZ, GEMMA MARTÍNEZ y JOAN MIQUEL PÉREZ
PRODUCCIÓN: THE KAKTUS MUSIC CORPORATION S.C.P
ALMERIA TEATRE


Pegados es la historia simple y absurda de chico conoce a chica en una discoteca, chico y chica acaban consumando el acto de sexual, pero antes de acabar se dan cuenta que están pegados, que el chico no puede sacar su miembro del cuerpo de la chica. A partir de ahí, les encontramos en la sala de un hospital, encima de una camilla mientras esperan al doctor para que les despegue. Mientras llega o no llega transcurre la historia, profundizan en el conocimiento mutuo mientras cantan canciones, que para eso es un musical.

De esta absurda historia nace una obra de carácter independiente, pero que cuenta con un potente hilo conductor, el sexo, que da para mucho. La parte musical de la función corre a mano de Ferran González y Alicia Serrat que han conseguido a la perfección componer unas canciones alegres, divertidas y joviales y sobre todo abiertas a la carcajada general.

Con la única pretensión de entretener al personal, Gemma Martínez representa el papel de enfermera, que intenta sacar de sus casillas la espera médica de la pareja y su frescura y naturalidad en su vis cómica es lo más destacado del montaje.

Pegados ha venido para quedarse, después de dos meses en cartelera, acaban de prorrogar hasta finales de abril. A veces, en los pequeños montajes, se encuentran las grandes sorpresas y éste es un claro ejemplo de ello.

28/3/10

LA FUNCIÓN POR HACER


TEXTO: LUIGI PIRANDELLO
ADAPTACIÓN LIBRE: MIGUEL DEL ARCO y AITOR TEJADA
DIRECCIÓN: MIGUEL DEL ARCO
INTÉRPRETES: ISRAEL ELEJALDE, BÁRBARA LENNIE, MÍRIAM MONTILLA, MANUELA PASO, RAÚL PRIETO y CRISTÓBAL SUÁREZ
PRODUCCIÓN: KAMIKAZE PRODUCCIONES
LA VILLARROEL


La sorpresa de la cartelera madrileña de la temporada ha demostrado en Barcelona el porqué de su éxito. La función por hacer nació para amenizar el vestíbulo del Teatro Lara de la capital española. El boca-oreja y las buenas críticas la han convertido en la maravillosa creación que es actualmente.

Partiendo de la base de Seis personajes en busca de autor de Luigi Pirandello, Miguel del Arco y Aitor Tejada, tomando la anécdota de qué pasa con los personajes una vez que ya están escritos, la obra nos conduce por la aventura de la interpretación. Cómo interpretar, el personaje es interpretado, el personaje interpreta, el actor interpreta al personaje, toda una clase magistral de miedos, inseguridades, de la verdad y de la mentira, de los deseos del mundo actoral.

Dos actores representan una obra convencional, cuando de repente observan como una serie de personajes se cuelan en la sala y paran la representación. La función por hacer conserva el espíritu de Pirandello de aunar comedia y drama, el drama de la historia de los personajes, la comedia la situación en la que se ven envueltos los actores, al no saber cómo actuar con lo que les está pasando. Fantasía y realidad se dan la mano para transportarnos a un mundo no excesivamente irreal, más próximo a la cotidianidad de la profesión actoral.

Maravillosa dramaturgia, puesta en escena, excelente elenco (con una fuerza actoral sorprendente), que desde el primero hasta el último consiguen hora y media de tensión, de alucinación, y nervios para un final, que como en la vida, no por esperado resulta menos sorprendente.

Teatro y vida se juntan en esta obra. Porque la vida es teatro y el teatro es vida. La Villarroel descubre todo su potencial como sala y nos muestra, por primera vez desde su remodelación, un espacio a cuatro bandas. Sin duda, el mejor montaje firmado desde Madrid de la temporada.

26/3/10

Manifest del Dia Mundial del Teatre

El Dia Mundial del Teatre és una ocasió única per celebrar el Teatre dins un ventall de formes diverses. El Teatre és una font d’entreteniment i d’inspiració, i té l’habilitat d’unificar les cultures i la gent d’arreu. Però el Teatre és molt més que tot això i ofereix, alhora, l’oportunitat d’educar i d’informar.

El Teatre es representa per tot el món i no sempre en els escenaris tradicionals. Una representació pot tenir lloc en un petit poble de l’Àfrica, en una muntanya d’Armènia o en una petita illa del Pacífic. Només li cal un lloc i un públic. El Teatre té la capacitat de fer-nos riure i de fer-nos plorar, però també ens hauria de fer pensar i de fer reflexionar.

El Teatre sorgeix a partir del treball en grup. És cert que els actors són les persones visibles, però darrere el teló també hi ha un gran col·lectiu de professionals. Aquestes persones, tan importants com els actors, demostren tenir habilitats especialitzades i diverses que fan possible una producció. I, per tant, també haurien de compartir els triomfs i els èxits que es puguin esdevenir.

El 27 de març és oficialment el Dia Mundial del Teatre. Però per molts altres motius, cada dia hauria de ser considerat com el dia del teatre ja que tenim la responsabilitat de continuar amb la tradició d’entretenir, d’educar i d’il·luminar els espectadors, sense els quals, no existiríem.


Escrit per Judi Dench, actriu britànica


24/3/10

Marguerite Duras, París, 1944


Como un perfume que debe aplicarse en pequeñas dosis llega a Madrid una pequeña joya del teatro francés. Tan sólo cinco funciones va a acoger el Teatro de La Abadía de La doleur, una obra basada en la novela del mismo nombre de Marguerite Duras que dirige Patrice Chéreau e interpreta Dominique Blanc. Las representaciones, de apenas una hora de duración, serán en francés con sobretítulos en castellano.

El monólogo sigue el original de la autora francesa. En el texto, publicado en 1985 aunque ya era conocida una versión anterior de casi 10 años antes, Duras recoge los últimos días de la ocupación parisina por los nazis y los primeros de la liberación. Apoyada en los diarios que escribió en esa época la escritora recorre los duros momentos que vivió.

En ese tiempo Duras formaba parte de la Resistencia frente a los alemanes. Su militancia no era sólo de papel, sino que, en un enfrentamiento con los nazis, consiguió escapar gracias a la ayuda del que luego sería presidente François Mitterand. Pese a ello, no pudo evitar que su marido, Robert Antelme, fuera detenido pocos días después del desembarco aliado en Normandía y enviado a un campo de concentración.

Duras vive esos momentos con gran dolor, como recoge en la novela. Por un lado su relación con Antelme prácticamente había acabado. Pero, por el otro, no podía abandonarlo mientras estaba detenido. Así que Duras se lanzó a buscarlo por todos los medios, incluida una relación con un miembro de la Gestapo a quien acabaría denunciando a la Resistencia.

Pero el dolor no acabará con la liberación de París ni la de su marido. Al contrario, Robert volverá del campo de concentración hecho un guiñapo humano, lo que aumentará la amargura de la escritora tal como lo cuenta y lo recoge el montaje que ahora llega a Madrid.

El espectáculo tiene un origen curioso. Cuando recibió un homenaje en los Premios Europeos de Teatro de 2008, Chéreau se presentó a la ceremonia de entrega con una lectura de la obra de Duras que preparó para la ocasión con Thierry Thieû Niang. Aquella lectura se convirtió después en un montaje teatral que ha recibido todo tipo de parabienes en Francia y fuera del país. En ambos casos la intérprete es Blanc, elegida por Chéreau porque tenía “ganas” de trabajar con ella. Desde luego, no le faltan motivos a la actriz para que los principales directores, de cine y teatro, quieran contar con su participación.

A punto de cumplir 51 años, ha conseguido numerosos premios entre los que figuran cuatro Cesar. El primero, lo obtuvo hace 20 años por el papel de lesbiana que interpretó en Milou en mayo de Louis Malle, mientras que el segundo, curiosamente, fue por el papel de cantante en Indochina de Duras. Actualmente trabaja en ‘Capitaine Achab’ de Philippe Ramos.

Fuente: Rafael Esteban (www.elmundo.es)

20/3/10

EL CAFÈ


TEXT: CARLO GOLDONI
TRADUCCIÓ: NARCÍS COMADIRA
DIRECCIÓ: JOAN OLLÉ
INTÈRPRETS: MINGO RÀFOLS, JOAN ANGUERA, PERE ARQUILLUÉ, JOSEP JULIEN, ÀNGELS BASSAS, MIREIA LLUNELL, PAULA BLANCO, XAVIER CAPDET, DAFNIS BALDUZ i DAVID SEGÚ
PRODUCCIÓ: FOCUS
TEATRE ROMEA


Desprès de l'èxit el febrer de l'any passat de la lectura dramatitzada de l'obra, el Teatre Romea s'ha engrescat a fer el muntatge. Si més no molts ens va semblar que la peça ha perdut la frescor que tenia fa un any durant tot el procés. Alguns dels actors han canviat, però no això no és ho més important.

Només accedir a la sala ja ens trobem el primer element xocant. Una gran cafetera de la marca Lavazza (per allò de començar a patrocinar les obres) ens dóna la benvinguda. Ella és una de les grans protagonistes, sense buscar-lo d'aquesta adaptació. L'obra va ser escrita al segle XVIII, on les màquines de cafè no tenien ni de ben lluny l'aspecte que té aquesta, que representa l'escenografia sencera.

Un altre dels elements xocants són les gran perruques que gasten els personatges masculins, molt acordes amb l'època del segle que representen, però veient l'obra des de la perspectiva de escenografia més vestuari, no deixa de resultar xocant a la vista de qualsevol espectador.

Les interpretacions ben coordinades sota la batuta de Joan Ollé, fan el que s'ha d'esperar d'ells. Joan Anguera, Pere Arquillué, Mingo Ràfols i Àngels Bassas, els més notables, d'un conjunt que fa funcionar notablement la cafetera. Només Mireia Llunell, dista de la qualitat interpretativa dels seus companys de repartiment. Cal ressenyar que la seva primera aparició no tindria el nivell ni per actuar com actriu amateur.

El Cafè ha perdut força frescor i bona part de la seva comèdia de la que alguns privilegiats vam poder gaudir a la seva lectura dramtitzada, però manté l'esperit de l'escriptura teatral del segle XVIII, molt proper a certes obres de Txèkhov on l'ànima humana es troba per davant de qualsevol altre cosa.

18/3/10

Dos sexagenarios protagonizan la última versión de Romeo y Julieta


¿Es usted un padre aburrido de que sus hijos le riñan? La dieta, la ropa, las manías... ¿Sí? Pues éste es 'su' Romeo y Julieta. La tragedia de Shakespeare ya había sido trasplantada a las malas calles de Nueva York (West-Side Story). Ahora llega a un asilo geriátrico.

Y la idea funciona, a juzgar por los elogiosos comentarios que la crítica británica ha dedicado a 'Juliet and her Romeo', recién estrenada en el teatro Old Vic, de Bristol. La prensa destaca sobre todo el trabajo de los dos veteranos protagonistas: Michael Byrne, de 66 años, y Siân Phillips, que hace una convincente y conmovedora Julieta.

Y hay precedentes cercanos. Últimamente se ha visto también a la gran actriz Judi Dench prendándose a sus 75 años como una adolescente en la deliciosa 'El sueño de una noche de verano', de Peter Hall, en el Rose Theatre, de Kingston (Londres).

En el caso de 'Juliette and her Romeo', lo sorprendente es lo poco que ha tenido que cambiarse en el guión original para convertir la popular tragedia shakespeariana en torno a un amor juvenil, en un estudio del amor entre dos personas ya en el ocaso de sus vidas. El texto original de Shakespeare apenas tiene cambios en la nueva versión

El autor de esta ingeniosa producción, Tom Morris, que se ha basado en una idea de Sean O'Connor, transforma el feroz antagonismo entre Capuletos y Montescos de la tragedia original en una pugna entre dos grupos de ancianos. Los Montescos son los pobres, que se han gastado todos sus ahorros para obtener una cama en un dormitorio común, mientras que los Capuletos son ricos que disfrutan de su propia habitación independiente y tienen un seguro médico privado.

Los dos enamorados se enfrentan a los intereses egoístas de los jóvenes: entre ellos, la hija de Julieta, que presiona a su madre para que se case con el rico París, un viejo con demencia que se pavonea por el asilo exhibiendo una medalla en el pecho y con un ramo de flores en la mano.

Cuando estallan las hostilidades entre los dos grupos, las armas utilizadas no son las espadas, como en la obra original, sino que, como es propio de un asilo, la pelea se resuelve a bastonazos.

Si algo parece funcionar peor, sin embargo, es la segunda parte de la obra, porque, como señala hoy un crítico, no resulta demasiado convincente que, cuando Romeo asfixia a Tibaldo con un almohadón, el castigo -equivalente al destierro del joven a Verona en el original- se limite a su expulsión del asilo.

Fuente: Joaquín Rábago (www.elmundo.es)

17/3/10

Aparece una obra olvidada de Shakespeare


1727. El empresario teatral y editor literario Lewis Theobald estrena en LondresDouble Falsehood (Doble Engaño), una obra anunciada a bombo y platillo como reedición de un original perdido de William Shakespeare. Alabada por la prensa, cayó en desgracia poco después. Durante casi 300 años la obra ha sido considerada falsa, una broma de mal gusto. Ahora, la editorial responsable de la más prestigiosa compilación de obras del autor británico, Arden, reconoce que la versión de Theobald incluye fragmentos de la Historia de Cardenio de Shakespeare.

El manuscrito del Cardenio (uno de los tres en los que se basó Double Falsehood o Los Amantes Afligidos -The Distresst Lovers-) desapareció entre las llamas de un incendio en el teatro The Globe. Los 10 años de investigaciones llevados a cabo por Brean Hammond, profesor de la Universidad de Nottingham, han permitido resucitar la obra que reproduce los amoríos entre Cardenio y Luscinda, dos personajes con los que se cruzan Don Quijote y Sancho en el clásico universal de Miguel de Cervantes.

"Cervantes y Shakespeare se encuentran entre las cubiertas de este libro", explica Hammond.Historia de Cardenio se había representado en el King's Cross londinense por primera vez en 1613, sólo un año después de que El Quijote de Cervantes (1605) se tradujese al inglés. "No es en absoluto habitual que Shakespeare se inspire en autores tan contemporáneos", aclara el profesor, responsable de la edición que presenta Arden, para la que ha contado con expertos españoles.

Rencillas literarias

¿Por qué 300 años de espera? Double Falsehoodplaneaba por el panorama literario británico desde su estreno. La prensa reconoció al instante la mano del genio inglés. "El gran maestro del teatro inglés ha despertado de su tumba milagrosamente", publicaba The London Journal el año en que Theobald decidía llevar su adaptación a los escenarios. "Al público le gustó y se le indujo a pensar que era la obra perdida de Shakespeare, que era genuina", dice Hammond, "las tornas cambiaron porque varios académicos de la época apreciaron que había al menos otro escritor además de Shakespeare y eso era bastante vergonzoso para Lewis Theobald".

Hammond considera que, pese a ciertas manipulaciones del editor, la mano de Shakespeare se aprecia claramente en los dos primeros actos y en parte del tercero. Las rencillas personales con otro peso pesado de la época, el poeta británico Alexander Pope, le pasaron factura. Para Hammond, "el asunto realmente se torció cuando Pope escribió un poema satírico que, entre otras cosas, desecha la idea de la autoría de Shakespeare". A Pope no le sentó bien que Theobald calumniase su edición de Hamleten una antología shakesperiana de 1726.

Las dudas, no obstante, no eran del todo infundadas. Pese a que Theobald defendió la autoría de Shakespeare a capa y espada, lo cierto es que la tragicomedia romántica era una fusión de tres manuscritos desconocidos. Sólo puede probarse la autenticidad de uno de ellos, que corresponde a la desaparecida Historia de Cardenio, escrita junto a John Fletcher. En cualquier caso, algo es seguro, al menos para Hammond: "El ADN de Shakespeare perdura en Double Falsehood".

Fuente: Laura J. Varo (www.elpais.com)

16/3/10

'Estudio 1', otra vez a escena


Si hay un espacio que lleve el marchamo de TVE, este es Estudio 1. Ahora, el veterano programa dramático alzará de nuevo el telón con La viuda valenciana, obra de Lope de Vega, interpretada por Aitana Sánchez-Gijón (Los 80), Fran Perea (Los Serrano) y Jorge Roelas (Médico de familia). Dirigida por Carlos Sedes (Desaparecida, Gran reserva), esta adaptación para la pequeña pantalla de la comedia de Lope es la primera producción de la cadena pública que se graba en alta definición.

"Estudio 1 es sinónimo de teatro en televisión", subrayó ayer Lola Molina, directora de Programación y Contenidos de TVE, para quien rescatar este clásico supone apostar "firmemente por los formatos de la cadena y por los recursos propios". A este respecto, Pere Roca, máximo responsable de Cultural.es, señaló que la idea es "recuperar Estudio 1, una vez al trimestre, pero adaptado al siglo XXI". Asimismo, declaró que La viuda valenciana es una de las piezas "más contemporáneas" de Lope, porque "hace 400 años la protagonista luchaba por conquistar su libertad personal", añade Roca.

La obra cuenta la vida de Leonarda, una viuda joven, hermosa, rica y con mucho talento (Sánchez-Gijón) que rechaza cuantas proposiciones matrimoniales le ofrecen. Tres caballeros reciben sus desdenes. Pero, un día ve a Camilo (Perea) y se queda prendada. La actriz de La camarera del Titanic y Volavérunt dice que es la primera vez que aúna "teatro con televisión, y en verso", pero que ha afrontado el proyecto con "pasión, excitación e intriga por el resultado final". Para la ex directora de la Academia de Cine, la modernidad del personaje estriba en que describe a una mujer que no quiere renunciar "ni a sus deseos ni a sus necesidades, ni tampoco perder su fama y su honra". "Es ese doble juego que se trae entre manos lo que me resulta más interesante y vanguardista", concluye a actriz.

La viuda valenciana será uno de los platos fuertes del lanzamiento de Canal Cultura, actualmente en pruebas, según Roca, que también anunció la posibilidad de que la obra se difunda "por cualquier otro canal de la corporación RTVE". Asimismo adelantó que ya están trabajando "en dos futuras producciones" y, aunque no quiso aventurar títulos, sí dijo que la elección se hará atendiendo a criterios "logísticos y presupuestarios"

Estudio 1 se estrenó en octubre de 1965 y se mantuvo 20 años de forma casi ininterrumpida. Su primera representación fue La rosa de los vientos. Después de 15 años de silencio, en enero de 2000, volvía a escena con la obra de J. B. Priestley, Yo estuve aquí antes, y la voluntad de emitirse una vez al mes. Se cumplía así el deseo de Pío Cabanillas, por entonces director general de RTVE, de acercar el mundo del teatro a los espectadores por considerarlo "una necesidad y una obligación".

Con el tiempo, los buenos propósitos se fueron diluyendo, y las emisiones se fueron dispersando. La última obra en cartel (agosto de 2006) fue Alexis; título que se repitió en 2009 como homenaje por el fallecimiento del actor Fernando Delgado.

Fuente: Isabel Gallo (www.elpais.com)

15/3/10

Elvira Lindo, nueva voz en el teatro


Elvira Lindo siempre fue una escritora inquieta. Ha navegado por diferentes géneros literarios e incluso se atrevió a principios de los años noventa con el teatro, algo que suele dar pavor a los escritores y donde muchos de ellos, algunos de gran renombre, se han estrellado. Ahora desembarca con fuerza en la cartelera madrileña con dos montajes basados en obras suyas. Uno, ya conocido, La ley de la selva (Visor, 1996), con dirección de Nieves Gámez. Otro, una adaptación hecha a cuatro manos, con el dramaturgo Borja Ortiz de Gondra, de Algo más inesperado que la muerte (Alfaguara, 2002), con puesta en escena de Josep Maria Mestres que se estrena el próximo día 24 en el teatro Lara.

Convertir su novela en una pieza teatral fue una decisión que Lindo tomó cuando la productora Los Smith (que luego se asoció con Vania Producciones) le propuso escribir algo para la escena. Pensó en Algo más inesperado que la muerte entre otras cosas porque cuando la escribió empezó como una obra de teatro: "Al principio era una situación teatral, pero el argumento se retorció, creció, aumentó". Además, invitó a sumarse al proyecto a Ortiz de Gondra, una de las jóvenes voces más sólidas del teatro español contemporáneo, quien, como ella, vive largas temporadas en Nueva York.

La autora sabe perfectamente cuál es la base de cualquier obra de teatro: los diálogos. Algo que aplica con fruición en su literatura: "Escribir diálogos no es algo ajeno para mí, de hecho son varios los guiones de cine que he escrito, y las cosas que escribo, por su naturaleza fuerte y asertiva, tienen siempre algo de teatral", señala.

Mestres, hombre ampliamente reconocido en el mundo teatral, y con muchos seguidores entre los espectadores catalanes, tuvo la impresión nada más leer el texto de que tenía entre las manos un puro Elvira Lindo: "Me interesó por lo que hay en él de sentido del humor inteligente, sin complejos, con una cierta teatralidad diferente, y, además, una voz nueva en el teatro es algo que siempre te interesa", señala el director, que confiesa abiertamente que la obra de Lindo no le ha planteado ningún problema "porque los personajes son muy de verdad, no son entelequias, tan habituales en el teatro contemporáneo, aquí hay una gran fuerza dramatúrgica".

El director se sintió interesado desde el principio por la confrontación de los dos mundos que encarnan los personajes femeninos. Tere, la chica de barrio con afán de superación enfrentada al mundo de Eulalia, una periodista venida a más, instalada en el mundo de Samuel, que sería el máximo exponente del intelectual. Mestres releyó la novela al saberse involucrado en el montaje y encontró que con la dramatización ha ganado: "He tenido la suerte de tener unos actores carismáticos y entregados y una autora que sabe cómo extraer patetismo de la comicidad y poner a los personajes en situaciones complicadas, Lindo va un punto más allá del humor negro, saca comicidad de la emoción y lo hace como nadie, es algo que está en sus novelas y en lo que escribe, una mezcla de acidez y ternura muy sorprendente, un estilo inventado por ella. Y si encima encuentras actores que no tienen pudor en mostrar ese patetismo en escena es maravilloso".

La ley de la selva nació para representarse, algo que se hizo en 1994; después se ha visto mucho fuera de España y ahora regresa a los escenarios (está en el teatro Arenal) de la mano del productor y actor Tomás Gayo y su partenaire en escena, la actriz Mariola Fuentes, quien debuta en teatro con esta obra.

La dirección ha recaído en Nieves Gámez, quien sostiene que La ley de la selva es un auténtico juguete cómico, escrito con una estupenda carpintería teatral: "El montaje, fiel al texto, potencia los aspectos disparatados de la obra y los subraya con un estilo de cómic, para hablarnos de los eternos conflictos de pareja". También La sorpresa del Roscón, un texto de 2004, se sigue representando de vez en cuando y existe el proyecto de llevar a las tablas como monólogo la novela Una palabra tuya.

Según su autora, Algo más inesperado de la muerte, que ha podido verse ya en Colombia y Luxemburgono, se ha transformado al pasar del libro al escenario. La historia sigue ahí inamovible. Intelectual entrando en la senectud, casado con periodista 30 años más joven; muchacha de servicio (que termina siendo el detonador de muchas situaciones) y el amante de ella. Papeles interpretados por Juan Antonio Quintana, Esperanza Elipe, Carmen Ruiz y David Luque. "Conocerles y verles trabajar me ha servido para respetar aún más a los actores de teatro; son profesionales por los que siento una profunda admiración", sostiene la autora.

Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)i