Todas las críticas de la temp 16-17

Recupera las críticas de lo que llevamos de temporada teatral

GREC 2017

Toda la información del Grec 2017 en el blog

Toda la información de Fira Tàrrega 2017

Del 7 al 10 de septiembre de 2017

Toda la información de la temporada 17-18

Las nuevas programaciones recién salidas del horno

Inserta aquí tu publicidad

Consulta tarifas en edgbcn@gmail.com

30/7/10

FORA DE JOC


TEXT: SERGI BELBEL
DIRECCIÓ: CRISTINA CLEMENTE
INTÈRPRETS: ANNA AZCONA, TONI SEVILLA, FRANCESC LUCCHETTI, QUERALT CASASAYAS i JORDI ANDÚJAR
PRODUCCIÓ: GREC 2010 FESTIVAL DE BARCELONA i LALUCKEY SERVEIS DE L'ESPECTACLE
SALA CAPITOL


Després de la presentació de les xifres provisionals d'aquesta edició del Grec, resulta que un cop més la crítica i el públic van per camins separats. Fora de joc, la darrera obra de Sergi Belbel com a dramaturg, ha estat un dels èxits d'aquest any. Després d'un estiu marcat per la victòria de la selecció espanyola al Mundial i d'unes temporades de grans èxits blaugranes, el futbol torna a envair l'oci dels catalans. Però no ens enganyem, de futbol parla poc aquesta peça. Només serveix com a bàlsam d'una família burgesa catalana (però que podia ser universal) que es troba en plena crisi social i econòmica.

Un pare pusil·lànime (Toni Sevilla) confesa a la seva dona (Anna Azcona) que la seva empresa li retallarà el sou de forma important per lluitar contra la crisi econòmica mundial. A més ha prestat a un dels seus amics tots els seus estalvis i això provoca que no pugui enviar a la seva filla (Queralt Casasayas) a estudiar als Estats Units. Hauran de començar a retallar despeses i una d'elles, o la més fàcil, és la que genera l'avi (Francesc Luchetti) que viu en un pis de lloguer amb el seu cuidador (Jordi Andújar), un argentí que somia amb el dia que el seu fill es converteixi en crac de futbol.

Masses temes a tractar sota una pàtina de superficialitat brutal que obliga a l'espectador a romandre atònit al seguit d'accions que es desenvolupen davant dels seus ulls, de vegades reals i d'altres plenes de fantasia. Amb una estructura de culebrot, l'espectador fa el favor als actors de riure per no plorar davant d'una excessiva utilització de recursos forçats i de tòpics previsibles.

Tots els actors van a remolc del ritme de l'obra. Anna Azcona, histriònica fins a dir prou, es passa tota l'obra cridant com si estigués posseïda. Toni Sevilla, actua com si passés per aquí i la cosa no fora amb ell. Francesc Luchetti és un pou de tics apresos a força d'hores i hores de petita pantalla. Jordi Andújar i Queralt Casasayas, els més joves i moderats de tot el repartiment de noms mediàtics, mirant de tu a tu a la resta d'actors consolidats i superant el baix nivell interpretatiu de tots ells en aquesta obra.

Amb una escenografia ideal per fer-la encaixar en qualsevol bolo dels 22 previstos que amaga més que mostra i que podia alçar-se amb el millor element amb el que compta la funció. La crisi ens està deixant Fora de joc, esperem que no es deixi la qualitat dintre de casa.

29/7/10

El Grec se despide con más de 120.000 entradas vendidas


El Festival Grec de Barcelona cerrará esta edición con los mejores datos de su historia al conseguir 120.020 espectadores y un 65% de ocupación, cifras de récord que se explican, en parte, porque se ha aumentado en un 50% el número de entradas a la venta respecto al año pasado (de 110.000 a 170.000).

El director del certamen, Ricardo Swarzcer, ha precisado que aunque se han aumentado el número de entradas a la venta, el número de espectáculos ha sido muy similar al del año pasado (de 55 se ha pasado a 63). Además, ha remarcado que pensar que la crisis ha hecho que la gente se refugie en el ocio es un argumento "simplificador" para explicar el éxito de este año. Según Swarzcer, el público "discrimina" y ha sabido apreciar no sólo la cantidad, sino la calidad de las propuestas.

En esta edición del Grec han agotado entradas 16 montajes, entre ellos Coses que dèiem avui, de Julio Manrique, y los conciertos de Miguel Poveda y Joan Manuel Serrat en el Teatre Grec.

Este recinto, por su gran capacidad, fue el que más espectadores ha recibido --42.395 con un 73% de ocupación--, siendo el montaje Delicades, en el Teatre Poliorama, el que más gente ha visto: 13.176 espectadores.

Uno de los grandes éxitos del Grec ha sido la buena acogida de los montajes venidos de Japón, el país invitado, algo que en buena parte se debe a "la mirada local" de los montajes , en el que Joan Ollé reinterpretó a Yukio Mishima, y Ki, en el que participaba el bailarín Cesc Gelabert.

Las propuestas japonesas fueron vistas por 12.214 espectadores; un 81% de ocupación ligeramente superior al que tuvieron los montajes italianos el año pasado (62%). Una de las que tuvo mejor acogida fue la danza Butô de Ko Murobushi, que incluso consiguió llenar la noche de la final del Mundial de fútbol. Los únicos espectáculos que han funcionado "menos bien" que en otros años han sido los dirigidos al público familiar.

Uno de los previstos como plato fuerte, la ópera infantil Amb els peus a la lluna, en el Teatre Lliure, sólo tuvo un 43% de ocupación, algo que el director del festival ha explicado porque "posiblemente sea de ámbito del Liceu".

Swarzcer ha destacado la importancia del Grec para la escena local, y ha avanzado que un mínimo de cuatro espectáculos se podrán ver la próxima temporada en Madrid, aunque no ha precisado cuáles.

Además, Fora de joc, de Sergi Belbel, que se estrenó en el festival, ya tiene cerrados 22 'bolos' por Catalunya. De cara a la próxima edición Swarzcer tendrá que hacer frente a un recorte presupuestario motivado por la crisis que, según ha dicho, "obligará a variar la geometría del festival". Francia será el país invitado y la programación se concentrará más en la calidad que en la cantidad. "Trataremos de sacrificar los capítulos que no son esenciales", ha asegurado.

Fuente: www.lavanguardia.es

28/7/10

Almodóvar arriba a Broadway en format musical


Alguns dels noms més importants de Broadway, com els guardonats Patti LuPone i Brian Stokes Mitchell, formaran part del repartiment de la versió musical que es prepara a Nova York de Mujeres al borde de un ataque de nervios, de Pedro Almodóvar, ha anunciat el Lincoln Center Theater.

Els encarregats de convertir en musical la cinta del premiat director espanyol van desvetllar després de mesos de silenci quin actors nord-americans es posaran a partir del pròxim octubre en la pell dels coneguts personatges de Pepa, Lucía, Paulina i Iván, a qui Almodóvar va immortalitzar l’any 1988.

La premiada Patti Lupone, protagonista dels musicals Gypsy (2008) i Evita (1979), amb els que va guanyar el premi Tony, els més prestigiosos del teatre a EUA, interpretarà el paper de Lucía, la dona desequilibrada a la qual Julieta Serrano va donar vida en el cinema, van explicar a Efe els responsables del Lincoln Center.

El paper de Pepa, al que va donar vida en la cinta Carmen Maura com una dona desesperada amb problemes sentimentals, ha anat a parar a les mans de Sherie Rene Scott, nominada al Tony i protagonista de les produccions a Broadway d'obres com Rent (1997), Aida (2000) i La Sirenita (2008), entre d’altres.

Segons havien indicat diversos mitjans, aquest paper protagonista va ser ofert inicialment a Catherine Zeta-Jones, qui el va rebutjar. Brian Stokes Mitchell, guanyador del Tony en 2000 per Kiss Me Kate i protagonista entre d’altres de Ragtime (1998) i The Man of La Mancha (2003), serà Iván, l'home que trenca el cor a diverses de les protagonistes i que va interpretar Fernando Guillén en la cinta.

Els productors van explicar, tanmateix, que encara no han triat als actors que hauran de posar-se en la pell de Candela i Carlos, a qui van personificar a la gran pantalla els espanyols María Barranco i Antonio Banderas, respectivament.

A més, han anunciat que la veterana actriu Mary Beth Peil, candidata al Tony per El Rei i jo (1985) i que a l’any 2003 va actuar al costat d'Antonio Banderas a Nine, on va interpretar a la seva mare, s'encarregarà del paper de conserge de l'edifici on viu la protagonista, interpretada per Chus Lampreave en la pel•lícula espanyola.

L'actriu De'Adre Aziza (Passing Strange) serà Paulina, l'advocada a la qual va donar vida Kiti Manver en la cinta, mentre Nikka Graff Lanzarone (Seussical) serà María (Rossy de Palma) i Danny Burstein (South Pacific) retratarà al taxista amb el qual la protagonista es troba repetidament (Guillermo Montesinos).

La versió musical de la cinta que va ser candidata a un Óscar en la categoria de millor pel•lícula en parla no anglesa l’any 1989 arribarà als escenaris novaiorquesos el pròxim 2 d'octubre, encara que la seva estrena oficial se celebrarà el 4 de novembre.


Font: El Mundo mitjançant www.teatral.com

Guerras de ayer, guerras de hoy


La guerra es, con el amor, el tema preferido por los creadores de cualquier género artístico. Los enfrentamientos bélicos pueblan la historia de la pintura, música y literatura. A pesar de ello todavía hay puntos de vista originales o no muy trillados para abordarla. Como hace José Ramón Fernández en Babilonia, una obra de teatro que con dirección de Fernando Soto estrena esta noche en la Sala Triángulo de Madrid.

Fernández, uno de los más interesantes autores españoles vivos del que el Centro Dramático Nacional representó La tierra a principios de temporada con gran éxito, se ha ido hasta la conquista por los persas de Ciro el Grande del histórico y castigado territorio para abordar el horror de la guerra. Con referencias al presente de una zona abrasada por conflictos de todo tipo (de Iraq a Israel o Afganistán), más las tomadas de Herodoto y la Biblia, el dramaturgo madrileño ha optado por acercarse a los que sufren sus consecuencias, sea cual sea su condición.

La obra se centra en la peripecia de Amytis y Alitza. La primera es la reina de Babilonia, todopoderosa desde que de niña fue comprometida por sus padres para casarse con el príncipe del imperio y mucho más cuando alcanzó el trono a los 12 años, mientras que la segunda es una de sus esclavas, la más mísera de sus sirvientas, pues en realidad es la criada de las criadas. Y tiene suerte, ya que fue la propia reina la que se apiadó de ella cuando era niña y la salvó al ser arrasada su aldea a sangre fuego por unas tropas extranjeras. Aunque eso es lo que dice "la historia oficial, por lo que nada más escuchar esas palabras, ¡qué curioso!, todos sabemos que las cosas no fueron así", apostilla Fernández.

Las dos deben emprender la huida cuando los persas de Ciro conquistan Babilonia. El viaje es un duro recorrido no sólo por la persecución de la que son objeto las mujeres, sino porque la vida de la reina estará en peligro si la llegaran a reconocer sus propios súbditos, pues fue ella la que decidió enfrentarse a los invasores en vez de rendirse. Por eso tiene que protegerse de todos, incluida de la joven criada que poco a poco irá descubriendo datos desconocidos que la enfrentarán con su ama.

"Eso es lo que más me interesaba. La situación por la que pasa quien tiene que tomar una decisión entre varias, pero que sabe que tome la que tome es la decisión mala", explica Fernández. "Porque las guerras no se dividen entre quienes las ganan y las pierden, sino entre los que las declaran sabiendo que va a haber miles de muertos pero lo hacen y los que las sufren, que a veces también son los primeros". Como Amytis, que debe enfrentarse al horror con sus ojos y delicadas manos en vez de partir a un exilio dorado como sucede a menudo con los dirigentes del país perdedor. Por eso no podía trazar un personaje malo de estereotipo, sino "uno de altura, personal e intelectual, que creciera durante la obra", interpretado por Paloma Mozo, al igual que debía pasar con el de la criada, encarnado por Almudena Ramos.

Para crearlos, Fernández ha seguido con sus pautas habituales. El autor es partidario de estar en contacto continuo con el director y los actores durante el proceso de ensayos para construir el montaje con la participación de todos. "Yo me pongo a las órdenes del director para hacer los cambios que sean necesarios", reconoce, en contraposición a los dramaturgos que consideran su texto sagrado y no admiten modificación alguna de lo que han escrito.

En el caso de Babilonia ha habido pocas alteraciones tras su paso por los ensayos. "Hemos cambiado dos o tres escenas de lugar y unido alguna que otra por lo que he tenido que añadir algunas frases para que encajaran mejor esas escenas". Pero la obra que verán los espectadores será prácticamente la misma que salió de su ordenador cuando decidió enfrentarse a la guerra hace un año.

El público se encontrará también con un montaje que aunque esté hablando de hace miles de años no se presentará con ropajes de esa época. "Lo hablamos y pensamos en su momento introducir algún elemento que lo identificara en el tiempo pero al final no hay ningún tipo de arqueología". Más bien al contrario, ya que el espacio escénico y el vestuario, aunque jueguen con la atemporalidad y un realismo fantástico, remiten a los espectadores a un tiempo más o menos presente, a unas imágenes que ven a menudo en la televisión cuando llegan las informaciones de las inacabables e infinitas guerras.


Fuente: Rafael Esteban (www.elmundo.es)

27/7/10

La terapia teatral de Sam Mendes en Avilés


¿Qué hace Sam Mendes fumándose un puro en la plaza del Ayuntamiento de Avilés? El caso es que el director de Revolutionary Road ha elegido esta pequeña ciudad de tradición minera para terminar la gira mundial de The Bridge Project, su compañía teatral transatlántica. En 20 días estrenará aquí La Tempestad y faltan unos minutos para que el inglés dé una lección magistral, organizada por el Centro Niemeyer y moderada por el diplomático Inocencio Arias, donde explicará su manera de entender el trabajo. Está relajado. Ha comido muy bien, dice. "Lo de venir aquí fue un cambio de última hora. Íbamos a acabar en Epidauro, pero el Gobierno griego perdió los fondos para cultura", explica antes de la charla en el hotel donde se hospeda.

Brillante en el escenario y en la pantalla, Mendes es purista hasta la médula y no deja que nadie le imponga un casting ni un final distinto. Ni Hollywood. Pero, ¿qué disciplina prefiere? "Hoy, películas. Porque acabo de hacer dos obras, aunque pregúnteme en un año y estaré desesperado por volver a hacer teatro. Pero es verdad que el cine es frustrante porque tienes que organizar muchas cosas". Y el teatro, su gran pasión, cree, está en forma. La crisis que algunos le achacan "es un estado mental permanente".

Adicto al trabajo, Mendes trabaja ya en su siguiente rodaje, la adaptación al cine de Chesil Beach, de Ian Mc Ewan. El propio escritor ha hecho el guión y el asunto está ahora en fase de preproducción. Otra película -hace un tiempo se rumoreó que la quería hacer Almodóvar- sobre los problemas de las parejas. "Sí, lo sé. Me gustan los dramas domésticos. Almodóvar lo haría de forma brillante, pero no creo que se anime nunca a hacer algo en inglés. Es muy complicado trabajar en otra lengua, y dirigir es comunicar", señala. El rumor, por cierto, decía que sería Kate Winslet, ex mujer de Mendes, la actriz principal.

Precisamente, a raíz de ese divorcio, Mendes se ha visto últimamente en la prensa rosa. Quizá por ello, la organización del evento pide que no haya preguntas personales. "No leo esas cosas. Nunca saben la verdad y no puedes controlarlo. Pero bueno, estaba casado con una actriz famosa, yo soy conocido... Lo importante es que tu auténtico yo y tu familia se mantengan en privado. Solo hay que preocuparse de lo que puedes controlar".

Tiene que marcharse a atender al público de Avilés en un teatro pequeño, pero abarrotado. Ahí se le ve un poco más relajado. Arias le hace reír de vez en cuando. "Llegué tarde al teatro. Yo quería ser futbolista o estrella de rock", bromea él. Y ahí empieza a centrarse todo el asunto en cómo fue su ópera prima en el cine, American Beauty. "Disfruté en el rodaje, fue fácil, desde el principio vi que la quería hacer y me dieron un Oscar. No volverá a pasar nunca más".

Y entre risas revela la verdadera historia de la película. Mendes aceptó un guión que habían ofrecido a directores como Curtis Hanson o Mike Nichols. Nadie la quería. Era un tanto oscuro y enrevesado. Él lo vio claro. "La productora quería a John Travolta, Kevin Costner, Sharon Stone... Dije que no. Tenían que ser Kevin Spacey y Anette Bening, "la había visto en Mars Attacks y era brillante". De ahí a la alfombra roja. ¿Y después del Oscar? "Solo me ofrecían guiones de superproducciones. Con ese premio la gente piensa que tus prioridades son otras".

Aunque quizá su ecléctica trayectoria tampoco ayuda a que queden muy claras. Tras American Beauty, dirigió la superproducción Camino a la perdición y, animado por su amigo Daniel Craig, ha estado a punto de aceptar la última de James Bond. El proyecto ha quedado suspendido por la mala situación de MGM y, por lo que se vio ayer, algunos recelos con el guión final de "una buena historia". De haberse consumado, Bond, seguro, hubiera muerto, se habría suicidado o caído en una terrible depresión. "Pero, ¿qué es un final feliz? Rey Lear o Hamlet quizá no lo tengan. Pero son lo más elevado que se ha hecho. La muerte final no lo hace deprimente, convierte al protagonista en un héroe. En American Beauty, aunque sea en el último segundo, él encuentra la respuesta". Y el público, por los aplausos que le regaló, parece que ayer también se llevó algunas.


Fuente: Daniel Verdú (www.elpais.com)

26/7/10

ALMUERZO EN CASA DE LOS WITTGENSTEIN


TEXTO: THOMAS BERNHARD
TRADUCCIÓN: MIGUEL SÁENZ
DIRECCIÓN: JOSEP MARIA MESTRES
INTÉRPRETES: ÀNGELS BASSAS, CARMEN MACHI y MINGO RÀFOLS
PRODUCCIÓN: GREC 2010 FESTIVAL DE BARCELONA y FOCUS
TEATRO ROMEA

Almuezo en casa de los Wittgenstein (Ritter, Dene, Voss) nos presenta un drama familiar visto bajo una lupa ácida, amarga, pesimista y con toques de un humor sarcástico dirigido a aquellos que saben apreciar los pequeños detalles. Después de Wilde, Bernard Shaw y Shakespeare, Josep Maria Mestres se enfrenta a una obra donde el texto, el subtexto y la predisposición de los actores a enfrentarse a los personajes es más importante que la meta en sí.

Dos hermanas, la mayor, Dene (Carmen Machi), inamovible en sus creencias y eternamente enamorada de su hermano y la menor, Ritter (Àngels Bassas) cansada y frustrada de su situación pero incapaz de moverse y tomar decisiones. El hermano, Voss (Mingo Ràfols), vuelve a la casa familiar después de años de internamiento en un psiquiátrico, enloquecido por la filosofía pero que muestra algún atisbo de lucidez en ciertos discursos de interpretación de la vida.

Pep Duran envuelve toda la historia en una escenografía realista, recalcando la vida burguesa de los protagonistas en maderas, paredes y cuadros conservadores y oscuros. Bernhard sentencia sobre la familia, la tradición, el arte, el teatro y la filosofía, poniendo en boca de los interpretes un profundo hastío de una alta burguesía enferma por su continua evocación la época imperialista.

Carmen Machi siembra en esta obra lo que podría ser un buen inicio para descubrir sus limitaciones interpretativas dramáticas. Aunque la corrección es su norma, en ciertos momentos su personaje necesita un cierto empuje más allá de los estrictamente pautado. Mingo Ràfols, un elemento necesario para romper el espeso incio de la obra, enloquece a un público ávido de momentos de ruptura dramática. Efectivo, pero quizás excesivamente gestual, aunque ¿quién es capaz de medir la locura de un loco? Àngels Bassas consigue mostrar un personaje cínico lleno de matices. Sin duda, la que mejor acierta en la construcción del personaje y en expresar la frustración vital que se desprende de las palabras que Bernhard escribió.

Josep Maria Mestres mejora notablemente en la dirección de esta obra, después de una temporada irregular, en lo artístico, pero su nombre siempre conlleva escrito 'éxito de público'. Si después de aquel maravilloso Duet per una sola veu, de hace un par de meses, afirmábamos que Àngels Bassas y Mingo Ràfols necesitaban más minutos y no quedar relegados a meros papeles secundarios, esta obra ha constatado su enorme capacidad interpretativa. Esperemos que todo esto no sea flor de un día y en la próxima temporada tengan más oportunidades de seguir deleitándonos con su arte.

El teatro perdió un millón de espectadores en 2009


El teatro, uno de los pocos negocios culturales cuyo público venía creciendo en los últimos años pese a la coyuntura económica, rompió su tendencia positiva en 2009 y se sumó a otros grandes sectores fuertemente golpeados por la crisis como el vídeo o la industria discográfica. Así se desprende del 'Anuario de las Artes Escénicas, Musicales y Audiovisuales 2010', que hoy ha presentado la Sociedad General de Autores (SGAE).

El teatro perdió casi un millón de espectadores (-5,5%), al bajar de los 16,4 millones de entradas vendidas en 2008 a 15,5 millones en 2009. La taquilla se resintió de forma similar, y bajó de 68,3 millones de euros a 65 millones. Las pequeñas compañías y las inicitivas locales se vieron afectadas en mayor medida que los grandes espectáculos, según explicó el secretario general de la SGAE, Francisco Galindo.

A modo de balance de 2009, Francisco Galindo dijo que presentan cifras "preocupantes" áreas como el teatro o la música grabada, y "esperanzadoras" el cine. "La crisis no tiene fecha caducidad, y si no se toman las medidas adecuadas, esto va a ir a peor", afirmó el portavoz de la SGAE. "Los españoles son grandes consumidores de cultura, pero son necesarios incentivos".


Fuente: www.elmundo.es

24/7/10

C. Elías: "La televisión aleja a los jóvenes actores del teatro"


La actriz catalana Carme Elías considera que existe una nueva generación de actores "muy preparados", aunque advierte de que "existe el peligro de que la televisión devore" a esos jóvenes talentos y "los aleje del teatro o del cine".

Elías, que se encuentra en Mérida para encarnar a Prometeo, en la 56 edición del Festival de Teatro, ha hablado sobre el peligro de la pequeña pantalla, y el temor a que acapare a aquellas jóvenes promesas que están emergiendo.

Ganadora de un Goya a la mejor actriz por Camino, Carme recuerda que ha tenido "algunos flirteos" con el cine y un "gran encuentro" con el director Javier Fesser en Camino, una película que define como "muy dramática y dura", porque se trataba de "material de alta sensibilidad" y tenía que surgir "de una forma sincera".

La actriz se deshace en elogios hacia el director madrileño, a quien define como muy inteligente, con un gran sentido del humor y como alguien que sabe trabajar con los actores de una forma que "nunca había sentido hasta entonces".

"Es de los que llora a tu lado cuando tú lloras", precisa. También añade que el director sabe involucrarse con el actor y cuando esto sucede, "la comunicación es maravillosa".

Sin embargo, no se atreve a destacar su papel de Gloria, en Camino, entre los demás, ya que, explica, "los personajes se suceden y siempre llegan cuando tienen que llegar". Para Elías "un actor sigue el curso de los acontecimientos y va creciendo con todos los productos que hace".

Curtida en la televisión, el cine y el teatro, si le dieran a elegir entre los tres medios se decantaría por el último, del que le apasiona el día a día, aunque al mismo tiempo reconoce que, en exceso, resultaría "agotador".

Por ello, la actriz compagina el teatro y la tele, que requiere, según su experiencia, de "una cierta habilidad y ligereza" y donde actualmente da vida a Gabriela Cortés en la exitosa serie Gavilanes.

A pesar de confesar que no es "demasiado seguidora de las series de televisión", considera que el éxito de estos formatos radica en que "cada semana la gente se puede sentar y reconocer a esos personajes que están ahí y que le pasan cosas".

De alguna manera, agrega, seguir el día a día de estos personajes es como un "anclaje" similar a la sensación del que lee un libro, por el que te sientes "más acompañada".

Nacida en Barcelona, Carme Elías hizo su primera incursión teatral en La señorita Julia, donde, recuerda risueña, su aparición era "una especie de sombra y ráfaga fugaz", que daría paso a "personajes potentes de carne y hueso y a interpretar a grandes autores".

Elías no aprecia diferencias entre el público aunque reconoce que en el teatro, al ser en vivo, se da un "feedback" que se recibe de "una forma muy directa".

La actriz se refiere a una faceta más desconocida que, tiene "aparcada" a la espera de proyectos "apetecibles", y que le ha llevado a doblar las voces de actrices como Demi Moore o Sigourney Weaver.

Preguntada por la sentencia del Tribunal Constitucional sobre el Estatut, esta barcelonesa concluye que "hay que revisarlo". Elías reflexiona que "si uno tiene ganas de manifestarse políticamente debe hacerlo" y concluye que las personas "nos manifestamos políticamente en cada uno de nuestros actos".


Fuente: www.elmundo.es

Los Gutiérrez Caba reciben el premio Lorenzo Luzuriaga


Los hermanos Gutiérrez Caba, Julia y Emilio , representantes de una de las familias de actores más sólidas y legendarias de nuestro país, recibieron el pasado jueves en el marco del festival de Teatro Clásico de Almagro el premio Lorenzo Luzuriaga que desde hace nueve años se entrega coincidiendo con el curso de teatro que organiza FETE-UGT en colaboración con el Museo Nacional del Teatro.

El galardón, que en ediciones anteriores ha recaído en profesionales como Juan Diego, Pilar Bardem, Mary Carrillo, Concha Velasco y Miguel Narros, entre otros, fue especialmente agradecido por los hermanos Gutiérrez Caba, porque se les concedía "en reconocimiento al trabajo de una saga familiar en el mundo del teatro".

"Me siento especialmente afortunada porque se me entregue en esta ciudad que siempre se asocia con el teatro y por el hecho de que sea no sólo para nosotros, sino para toda la familia, cosa que me emociona mucho", señaló la actriz, hija de Emilio Gutiérrez e Irene Caba Alba, sobrina de Julia Caba Alba, hermana de Emilio e Irene, tía abuela de Irene Escolar y perteneciente a una cuarta generación de cómicos españoles que nació en el siglo XIX. "Imaginemos como debían luchar para hacer teatro en aquellas épocas, de no ser así no estaríamos aquí, no sólo como seres humanos, sino como profesionales, porque hablamos de varias generaciones de hombres y mujeres que vieron nacer a sus hijos donde pudieron y fueron enterrados donde tocaba", apuntó Julia quien recordó que en su familia cada uno nació en una ciudad distinta y los suyos están enterrados por cementerios de toda España.

Su hermano Emilio contestó a una pregunta que le hacen muy a menudo en las entrevistas: "¿Qué cómo elijo mis trabajos? Pues depende de la cuenta corriente, y lo que digo puede parecer pesetero, pero resulta que a Al Pacino le pasa lo mismo, es algo común en los actores, no sé si le pasa a Mario Conde, pero me consuela saber que tengo más que ver con Pacino que con Conde, a fin de cuentas cuando escriba un libro será contando mis experiencias teatrales y no carcelarias". En cuanto al premio se sentía feliz porque estaba dedicado a su familia y porque era en el contexto de un curso de gente que ama el teatro.

La presencia de estos dos mostruos de la escena tenía especialmente contento al director del Museo Nacional de Teatro, Andrés Peláez, quien señaló que eran unos profesionales a los que les iba como anillo al dedo que el premio estuviera relacionado con el mundo de la educación: "El trabajo de ambos es un absoluto ejemplo a seguir, tanto por la coherencia que han demostrado, como por la honradez de toda su trayectoria; algo que tiene que servir de ejemplo no solo a los actores, sino a los espectadores". El premio se enmarca en el curso Teatro Popular en España, en el que se analiza desde el sainete hasta el circo, pasando por el cabaret o la zarzuela. "Hemos tenido empeño en que se dedique al teatro popular y a esas formas del teatro que han sido fundamentales para captar espectadores; porque quizá no aparezca el día de mañana en ningún manual de literautra dramática la actriz Lina Morgan, pero hemos de reconocer que ha llevado mucha más gente al teatro que el catedrático Felipe Pedraza de la Universidad de Castilla-La Mancha", comentó Peláez.

Lorenzo Luzuriaga (Valdepeñas, 1889 - Buenos Aires, 1959), fue un prestigiado pedagogo, alumno y maestro de la Institución Libre de Enseñanza que se exilió en Gran Bretaña y Argentina tras la Guerra Civil Española. En 1947 denunció ante la UNESCO el "genocidio cultural que se había hecho en la España franquista".


Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)

22/7/10

PRIMER AMOR


TEXT: SAMUEL BECKETT
VERSIÓ: JOSÉ SANCHIS SINISTERRA
TRADUCCIÓ: ANNA SOLER
CREACIÓ I DIRECCIÓ: ÀLEX OLLÉ i MIQUEL GÓRRIZ
CONCEPTE i INTERPRETACIÓ: PERE ARQUILLUÉ
PRODUCCIÓ: GREC 2010 FESTIVAL DE BARCELONA, BITÓ PRODUCCIONS, EL CHEKHOV INTERNATIONAL THEATRE FESTIVAL DE MOSCOU, VELVET EVENTS i GROSTEL PRODUCCIONS
LA VILLARROEL


Samuel Beckett s'està convertint en una rara avis dintre del teatre contemporani català. És un autor complicat i els seus personatges també ho són. Per això, és motiu d'alegria veure que encara queda algun director/actor que s'atreveixi a posar en escena un text del dramaturg irlandès. Primer Amor és una història d'amor antiromàntica, amb un heroi caigut en desgràcia que durant poc més d'un hora relata com va ser la primera experiència amorosa. Beckett aconsegueix pervertir tots els tòpics del romanticisme amb una prosa més alleujada de la que ens té acostumats en altres de les seves obres. Malgrat això el seu llenguatge segueix jugant amb sí mateix i a la negació del que abans s'havia reiterat com cert.

Un home en calçotets resta estès sobre una freda taula de marbre blanc. Tot apunta a una imminent dissecció del cadàver, però aviat sortirem de dubtes, quan aquest home torni a la vida i ens comenci a explicar la seva història. Llum blanca acompanya a aquesta atmosfera plena de simbolismes. L'humor negre ( i escatologic) torna a ser punt en comú dintre del teatre becketià i aquesta peça (originalment concebuda com un conte/relat i adaptada per al teatre en nombroses ocasions).

Pere Arquillué magnífic, impressionant i senzillament extraordinari (ens quedaríem sense adjectius qualificatius per a descriure la seva interpretació) construeix un personatge que va des de una primera part sarcàstica dels seus actes a un profund acarnissament final. Sense dubte, una de les millors actuacions d'aquest actor durant la seva llarga trajectòria.

Miquel Górriz i Àlex Ollé aconsegueix mitjançant senzilles i subtils línies transportar a l'espectador del món dels vius al dels morts. Una buida escenografia permet a l'actor no només ser el protagonista absolut de l'obra sinó carregar-li la responsabilitat de mantenir al públic esbalait en cada paraula i en cada silenci. El mestratge de Pere Arquillué, que ja ha treballat en altres ocasions el gènere del monòleg, com a Solo de Strinberg fa un parell de Grec, es manifesta en aquesta ocasió amb una sonora i merescuda ovació final. Una hora de teatre en estat pur i de qualitat.