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30/11/10

Tolcachir: "Es una comedia, ensayada como una tragedia"

El actor, dramaturgo y director teatral argentino Claudio Tolcachir, que estrena mañana en España su tercera obra, El viento en un violín, ha defendido su forma de trabajar: "escribir una comedia, pero ensayarla como una tragedia, para tener como resultado una obra que es vista desde el absurdo".

Para Tolcachir, este planteamiento da un resultado "mucho mejor que si se escribe una comedia y se ensaya como una comedia".

"El viento en un violín" continúa explorando el tema de los conflictos sociales y la familia que ya apuntó en sus dos obras anteriores: La omisión de la familia Coleman (2007) y Tercer cuerpo (2009).

En la presentación de la obra, que se estrena mañana dentro del Festival Temporada Alta de Girona, Tolcachir ha aclarado que no tiene una preocupación especial por la familia, pero "es el circuito social primario, en el que se puede hablar de todo: Allí se descubren los éxitos, los fracasos, las pérdidas".

El director y autor ha comentado que "ésta es una historia distinta de las dos anteriores, que tiene un final bastante más esperanzador que 'Coleman', en el sentido de una nueva construcción de familia".

Califica su tercer montaje de "obra de amor, de amor desesperado y de amor seguramente incapaz", en el que se cruzan dos historias: "la de dos chicas de clase humilde, enamoradas entre si, y con un gran deseo de poder tener un hijo juntas; y la de una familia con bastantes posibilidades, en la que el hijo no encuentra el rumbo, está gravemente desorientado, y su madre, que lo adora, es capaz de hacer cualquier cosa para conseguir su felicidad".

En esa trama de intereses de los personajes, "la finalidad que buscan es lo más bello, la felicidad, pero los medios para llegar a ella, son los peores". Tolcachir considera que la lectura que se puede hacer de esta obra es que "gente que está fuera del sistema social, puede llegar a construir una nueva red de compromisos, una nueva red afectiva".

El viento en un violín, que tuvo su estreno absoluto semanas atrás en París, ha supuesto para Tolcachir "un feliz reencuentro" con los mismos actores con los que trabajó conjuntamente en La omisión de la familia Coleman, una obra de la que ya lleva más de mil funciones.

En comparación con las anteriores dos obras, en El viento en un violín "utilizamos más la luz, el espacio y la música, elementos que habíamos dejado fuera en las otras obras", ha dicho.

Aunque inicialmente no buscó para la obra un "tema candente", las coincidencias quisieron que el proceso de escritura de la obra coincidiera en Argentina con el debate y aprobación de la ley de matrimonio igualitario, por lo que pasó a primer plano el planteamiento de que dos mujeres pudieran tener o adoptar hijos.

Sin embargo, Tolcachir cree que "el centro de la obra no es el tema de los hijos en los matrimonios homosexuales, sino que tiene que ver más con la sociedad argentina que surgió después de haber vivido la gran crisis, tras la cual se empezó a construir una nueva sociedad que aceptó lo que éramos: Latinoamérica, Tercer Mundo; y eso convierte a la obra en una historia de amor y de aceptación".

Para escribir sus obras, Tolcachir, que trabaja "por impulsos" a partir de una "imagen inspiradora", busca siempre que los personajes le conmuevan, y por eso, argumenta, "los personajes suelen estar fuera del paradigma, del sistema".

El título tan poético de la obra evoca una imagen de su infancia, cuando llenaba de cosas el violín de su hermano, pero, sobre todo, responde a una imagen que le conmueve mucho: "el aire en un lugar al que nadie accede", ha dicho.

Fuente: la vanguardia.es

I de qui és això que diuen ara?


Triar és trair. Ja ho va avisar Fina Masdéu, responsable de la selecció de textos de Que demà me'n recordi, dimecres passat, durant la presentació de l'espectacle que es va estrenar aquest dissabte al Teatre Bartrina de Reus. La cronista no es podia treure del cap l'avís (triar és trair, triar és trair, com si fos el mantra del mes) quan en el transcurs de l'espectacle hi anava trobant a faltar noms com els de Rosa Pagès o M. Lluïsa Amorós, que ella hauria canviat gustosa pel d'algun de la nòmina d'autors locals escollida per al muntatge. Però ja se sap que no hi cap tothom en un espectacle de prop d'una hora i que la llista d'escriptors reusencs és llarga i fecunda (ara penso en el Jordi Folck i el Jordi Cervera o en la fa poc premiada Coia Valls, i així no acabaríem mai). Que demà me'n recordi va agradar, en línies generals. Té una excel·lent factura visual, en conjunt, i un ritme que no decau mai, sobretot si es té en compte la samfaina d'èpoques i estils a què pertanyen els escriptors i escriptores escollits. I té per damunt de tot les bones interpretacions de Rosa Mateu (directora també de l'invent) i Santi Monreal, els quals van dir el vers amb una excel·lent dicció, cosa que hauria de ser normal si són actors professionals però que resulta que no ho és tant, de normal, que hi ha molts actors d'avui en dia que no saben dir ni el vers ni res. Va ser deliciós el breu diàleg que van interpretar de Capvespre al jardí, obra teatral de Ramon Gomis que la cronista va veure ja fa una pila d'anys al mateix Bartrina en un muntatge del Teatre Lliure. Bons ballarins i molt bona música, creada per a l'ocasió per Josep M. Borràs i interpretada per ell mateix i per Ramon Balasch, un músic que també fa d'actor (desconcertant, i inquietant, la broma de fer recitar a un homenot barbut com ell el monòleg La darrera nina, de Pere Cavallé). Va ser emocionant escoltar cançons basades en poemes dels nostres autors. I s'ha de reconèixer l'esforç per trobar per a cada text el moviment i coreografia adequats. I la gent de Juandesafinado Produccions va demostrar un cop més la seva perícia en la realització d'audiovisuals.

El teatre estava ple com no podia ser de cap altra manera quan les campanes del reusenquisme toquen a sometent. Hi havia alguns dels escriptors representants (Aràntzazu Fonts, Aleix Cort o Jordi Agràs), als quals la cronista suposa que va complaure veure els seus textos dalt d'un escenari. El públic va dispensar una bona acollida a la proposta però també una mica de fredor. Perquè, és clar, hi va haver alguns errors, el més important dels quals que no s'indiqués el nom de l'obra i l'autor del text a què es feia referència en cada moment perquè la cronista no ho coneix tot dels literats reusencs i li hauria agradat saber de qui és això que estan recitant ara, que li està agradant molt i demà anirà a treure'n el llibre de la biblioteca. Hi ha qui va trobar excessiu el pes de l'audiovisual, però ja sabem que som al segle XXI i que l'audiovisual s'està menjant la dramatúrgia. Però la cronista va trobar que Que demà me'n recordi (la veu de Gabriel Ferrater sí que va ser inconfusible en el muntatge) és un bon espectacle, del qual se n'haurien d'haver programat més funcions (diumenge a la tarda, per exemple). Cal esperar que el festival Taca d'Oli, el CAER i la colla de la Mateu programin cada edició del festival un muntatge poètic. Va bé per a l'autoestima. Gràcies.


Font: Natàlia Borbonés (www.elpunt.cat)

Els premis Escènica encimbellen 'Mort de Dama'

Els primers premis Escènica, atorgats ahir a la nit al Teatre Principal de Palma de Mallorca, van tenir com a gran protagonista Mort de dama, que se'n va endur cinc premis dels vuit premis als quals optava: millor espectacle teatral, millor direcció (Rafel Duran), millor dramatúrgia (Rafel Duran i Marc Rosich), millor escenografia (Rafel Lladó) i millor vestuari (César Oliva i Àngel Oliva). L'obra, una adaptació del clàssic Llorenç Villaronga, era una coproducció del Teatre Principal i el Teatre Nacional de Catalunya.

Els altres premiats de la nit han estat El Lazarillo de Tormes, del Teatre Visceral, com a millor espectacle familiar, i el Petit Ball, com a millor espectacle de dansa (Au Ments) i millor il·luminació (Manu Martínez).

Els guardons han estat promoguts per la revista Fanteatre i compten amb la col.laboració de, a més del Teatre Principal, el departament de Cultura i Patrimoni del Consell de Mallorca, el Govern de les Illes Balears i l'Ajuntament de Palma.

Els deu membres del jurat que han seleccionat els candidats són els crítics Xisco Rotger, Marisa Morant, Emili Gener, Elisenda Farré, Juan Antonio Pérez de Mendiola, i Javier Matesanz, a més de Josep Ramon Cerdà, delegat de Teatre del Govern de les Illes Balears, la programadora Carlota Oliva, la productora Marga Forteza, i Xesc Perelló, coordinador de la càtedra Juli Ramis de la UIB.

Font: www.ara.cat

L'Ajuntament liquida el premi Bartrina de teatre

L'Institut Municipal d'Acció Cultural de Reus no convocarà més el Premi de Teatre Joaquim Maria Bartrina, que en les últimes edicions havia organitzat amb el Centre d'Arts Escèniques (CAER). La raó d'eliminar el guardó que tenia més projecció exterior dels ja també pràcticament liquidats premis Reus ha estat la seva “poca viabilitat”. La regidora de Cultura, Empar Pont, posa l'exemple de com l'última obra que va guanyar el premi, Blau, del gironí Ferran Joanmiquel Pla, “té una trentena de personatges i no és, per tant, gens viable de posar en escena”. El premi estava dotat amb 6.000 euros, la publicació de l'obra per Arola Editors i la possibilitat que es pogués posar en escena. En aquest sentit, l'única obra premiada amb un Bartrina que ha produït el CAER ha estatUna nevera no és un armari amb què Miquel Argüelles va guanyar l'any 2002, tot i que es va representar cinc anys més tard. També el 2007 es va estrenar a la sala Beckett de Barcelona L'olor sota la pell, amb què Marta Buchaca havia guanyat la cinquena edició del premi, el 2005. Precisament l'any 2007 van sonar les primeres alarmes que el premi no rutllava quan es va declarar desert en la 57a Nit de Santa Llúcia, que es va celebrar a Reus.

Font: Natàlia Borbonés (www.elpunt.cat)

Neix 'SindicArt' format per artistes escènics i audiovisuals

Amb la mirada posada a Anglaterra i el sindicat Equity, que engolba tots els professionals de l'entreteniment, la creació i les indústries culturals, aquest matí s'ha presentat en públic el sindicat SindicArt. El conformen els sis principals sindicats sectorials de les arts escèniques i audiovisuals ja existents, que aglutinen un total de 2.300 associats: l'AADPC (Associació d’Actors i Directors Professionals de Catalunya), l'Ad’EC (Associació d’Escenògrafs de Catalunya), l'APDC (Associació de Professionals de la Dansa de Catalunya), l'AREC (Associació de Regidoria de l’Espectacle de Catalunya), l'ATECat(Associació de Tècnics i Tècniques de l’Espectacle de Catalunya) i el SIGC(Sindicat de Guionistes de Catalunya).

Els seu principal objectiu és aconseguir tenir un representant sindical, a través del qual es podria negociar després un conveni col·lectiu (per a un sector que ara està poc i mal regulat per un Reial Decret general, i només funciona amb convenis molt específics), incidir en les millors condicions de contractació, pressionar perquè els artistes gaudeixin de la formació i el reciclatge que paguen amb les seves nòmines, facilitar les gestions a hisenda i garantir les correctes prestacions de la seguretat social.

Els representats de SindicArt han anunciat que es plantegen els objectius a llarg termini. El 2011, de moment, es proposen fer una radiografia laboral d'un sector molt desconegut, que té un percentatge de contractació temporal i de treballadors autònoms encoberts molt alt, i que té la dificultat afegida de l'intrusisme laboral, la manca d'estudis oficials de part dels professionals i una xifra d'atur –calculen– molt alta.

Font: Laura Serra (www.ara.cat)

El món teatral insisteix en la necessitat d'un canvi

La taula redona que s'ha celebrat hui a l'Octubre CCC amb el títol Té Futur el teatre professional valencià? ha tornat a posar de manifest el descontentament del sector amb la política teatral de la conselleria de Cultura.

En la taula han intervingut el president d'AVETID, Sergi Calleja; el programador del centre cultural de Picassent, Vicent Tronchoni; el director artístic de l'Espai Inestable, Jacobo Pallarés; el productor de Bambalina Teatre, Josep Policarpo, i el secretari general d'AAPV, Juli Disla, els quals, en les seues diferents intervencions, han denunciat la “greu situació” que estan patint els professionals i les empreses a causa de les retallades i els canvis produïts ara fa un any, la incertesa que provoca per al futur immediat la “nul·la planificació” i la “constant improvisació” en política teatral, i la “falta de voluntat” per part de l'Administració.

Els participants han criticat el “mal ús” dels recursos de Teatres de la Generalitat Valenciana, “malbaratant per una banda i ofegant el sector per l'altra”, i han parlat de la necessitat d'una major col·laboració i de la creació de noves xarxes d'exhibició.

Font: www.elpunt.cat

28/11/10

VIDA PRIVADA


TEXT: JOSEP MARIA DE SEGARRA
ADAPTACIÓ I DIRECCIÓ: XAVIER ALBERTÍ
INTÈRPRETS: PERE ARQUILLUÉ, IMMA COLOMER, XAVIER FRAU, ORIOL GENÍS, MIQUEL MALIRACH, ÀUREA MÀRQUEZ, ALÍCIA PÉREZ, MONT PLANS, ALBA PUJOL, XAVIER PUJOLRÀS, AINA SÁNCHEZ, TONI VALLÉS i EFREM GARCÍA (piano)
PRODUCCIÓ: TEATRE LLIURE
TEATRE LLIURE (MONTJUÏC)


Si barregem les quantitats necessàries de hidrogen i oxigen podrem obtenir aigua. Si barregem Xavier Albertí i Josep Maria de Segarra, com és el cas, obtenim un muntatge entre el teatre clàssic i els espectacles que poblaven el Paral·lel fa dècades. Tres hores de durada entre escenes musicals diverses i versos i estrofes de Segarra.

Xavier Albertí arrisca, com sempre, no deixa lloc per allò que es podia suposar que seria. Però no sempre assumir aquest risc és sinònim d'èxit. Vida Privada està molt lluny de l'encert. Frederic de Lloberola, amb un Pere Arquillué imperturbable, obre la funció amb un monòleg en el qual la paraula de Segarra és la protagonista fins que Rosa Trenor (Alícia Pérez) entra en l'habitació i a partir d'aquí comença el cabaret.

Sense dubte, la millor part del muntatge és la dedicada al cabaret, amb l'Imma Colomer excepcional i excel·lent tant en les coreografies col·lectives com a les seves parts singulars. Descobrim també una part amagada de l'Àurea Màrquez, i no em refereixo a la seva nuesa física sinó als moments compartits com a cantant i ballarina, impagables algunes passes.

L¡escenografia buida de Lluc Castells, el vestuari de Maria Araujo i la correcta i encertadíssima il·luminació d'Albert Faura completen aquest decebedora (en conjunt) Vida Privada. Un llarg i repetit muntatge que desil·lusionaria fins i tot al propi Segarra. De totes maneres, sempre ens quedarà el refugi de rellegir la novel·la.

26/11/10

Porta Teatral Catalana

A la nau de llevant del que va ser una fàbrica tèxtil del 1850 s'inaugurarà abans que s'acabi el 2011 la seu d'El Canal, el Centre d'Arts Escèniques de Salt/Girona. Dimarts, en aquesta nau només es veia un forat, com una gran piscina, on en 12 mesos s'ha d'aixecar l'obra de l'arquitecte Josep Maria Forteza. Un projecte, amb un pressupost de 2.695.000 euros, que donarà vida a una iniciativa pionera a Espanya. Aquesta ciutat de 30.000 habitants, de la perifèria de Girona, no només tindrà un nou espai d'exhibició. Abans que res, la nova sala de 440 metres es destinarà a la creació d'espectacles, com a lloc de treball i d'assajos amb totes les condicions necessàries.

A 100 quilòmetres al nord de Salt, enmig d'un nus de carreteres ja al centre de Perpinyà, s'erigeix un complex aclaparador, gairebé una fortificació, amb cinc edificis. És el Teatre de l'Arxipèlag, un espai que s'integrarà a la xarxa de l'Escena Nacional Francesa i que té de responsable Domènech Reixach, exdirector del Teatre Nacional de Catalunya. Amb unes obres molt més avançades i complexes, està previst que s'inauguri una mica abans, el 10 d'octubre que ve. Si Forteza ha posat funcionalitat al projecte de Salt, a Perpinyà res amaga l'autoria d'un col·lega de tant renom com Jean Nouvel.

Salt i Perpinyà s'han unit a manera d'una Porta Teatral de la Catalunya Nord en una autopistaescènica, fruit d'un conveni europeu de col·laboració. Es diu Escena Catalana Tranfronterera, té tres anys de durada i una aportació de vuit milions de fons comunitaris, repartida a parts iguals. La sintonia dels seus dos caps visibles -Salvador Sunyer (El Canal) i Reixach- ha impulsat aquest projecte regional amb tres eixos d'actuació: coproduccions d'espectacles, programació conjunta i recerca d'un públic comú per ampliar mercat.

Es tracta d'unir esforços en el triangle Tolosa, Montpeller-Barcelona, com l'anomena Salvador Sunyer, responsable també del Temporada Alta, el gran festival teatral europeu de tardor. «El Canal vol produir espectacles sense complexos, i que tinguin vida posterior, com ho fa el TNC o el Lliure», apunta Sunyer. Des del Coral romput, l'octubre del 2007, ha presentat 26 muntatges, 13 dels quals d'autoria catalana. «Han arribat abans els bombons que la caixa», explica amb humor.

Residència de companyies

L'agermanament entre Salt i Perpinyà no amaga les diferents dimensions dels seus projectes, com expliquen els 32 milions de pressupost de l'obra de l'Arxipèlag, o que la seva sala principal pot acollir més de 1.100 espectadors. Disposa d'un escenari de 20 metres de boca i 14 de profunditat, amb una altura de 10. A Salt, la màxima capacitat amb escenari (central en aquest cas) serà de 324 ­espectadors.

L'Arxipèlag i El Canal neixen amb la idea d'acollir companyies residents, que puguin assajar i presentar els seus espectacles en un mateix espai. I les portes estan obertes per a qualsevol oferta, no només per a les d'àmbit local, com ja va fer El Canal amb l'espectacle coreogràfic Dunes, de dos artistes tan consolidats com Sidi Larbi Xerkaui i María Pagés.

Font: Jose Carlos Sorribes (www.elperiodico.cat)

'Celebración', de Pinter, llega al Teatro Valle Inclán

Celebración, de Harold Pinter, llega este viernes al Teatro Valle-Inclán del Centro Dramático Nacional (CDN) en un montaje "entre el realismo y la farsa" dirigido por Carlos Fernández de Castro.

De esta forma ha calificado este espectáculo Gerardo Vera, director del Centro público, para quien Fernández de Castro ha realizado "una propuesta radical, arriesgada y personal" que se representará hasta el 2 de enero de 2011 en la Sala Francisco Nieva. La "ironía" y una "mirada corrosiva y ácida" se citan en esta función de Pinter mucho más que en otras, según Vera.

La obra está protagonizada por Lola Baldrich, María Casal, Jesús Cisneros, Gabriel Garbisu, Rodrigo Mendiola, Sergio Otegui, Miguel Rellán, Javier Román, María José del Valle y la joven debutante Usun Yoon (conocida por el programa 'El intermedio').

Celebración, escrita en 1999, refleja, según Fernández de Castro, el funcionamiento de la sociedad actual y aunque a Pinter le interesa la búsqueda de la verdad, diferencia con nitidez si se realiza dentro del juego teatral o del social. Así denuncia "como caminamos hacia una sociedad vacía, superficial, de éxito directo y poco pegada al mundo de los sentimientos, la calma y el conseguir las cosas despacito".

Pinter (1930-2008) explica que se puede hablar de la existencia de una verdad y una mentira teatrales, con las que se puede jugar, pero que en la vida real eso es inadmisible, porque hay que saber en cada momento "qué es verdad y qué es mentira".

Una de las peculiaridades de esta función, cuya acción se desarrolla en un restaurante, es la presencia del público en mesas en las que se encuentran, codo con codo, con los propios artistas. Toda la sala se ha convertido en un elegante salón y esta cercanía es lo que le ha interesado al director de escena. "El público está espiando a esos personajes", como suele suceder en la vida real.

Junto a este elenco, el director de escena se ha "inventado" tres personajes más: un segundo camarero, y dos músicos: el cantante Joselo Esbrí y la pianista Cristina Presmanes.

Para Fernández de Castro, lo que distingue el teatro de Pinter es que se trata de un autor "absolutamente crítico con la sociedad en la que vive, pero además lo hace en primera persona y eso se nota especialmente en esta obra", argumenta. "Nunca da una solución sino que plantea los problemas por igual. Sus finales son abiertos, muy cítricos y no tienen fin", añade.

La obra, "corrosiva y ácida", se ha construido a partir de reflexiones como que el Papa "tiene voto de pobreza pero no lo practica"; los sindicatos hacen huelga, "pactan los servicios y van a trabajar", o hay familias sin trabajo y sin casa porque el mismo banco que les dio grandes facilidades para comprar, ahora les embarga por falta de pago.

"Y no pasa nada todo forma parte del juego social", subraya el director, que advierte que si no se enseña a los niños a ser libres, respetando la libertad de los demás, y solidarios, estarán perdiendo "la dignidad como seres humanos".

Con la llegada de la democracia a España, las obras de Pinter, clasificadas en cierto modo como teatro político y algunas de las cuales sí se habían representado paradójicamente al final del franquismo, apenas se llevaban a escena. Desde hace unos años, especialmente tras la concesión del Premio Nobel al autor británico en 2005, su teatro vuelve a estar vivo en la escena española.

Fuente: www.elmundo.es

La Perla 29 torna a la Biblioteca amb temporada estable

Hi ha moltes maneres de fer teatre, però ben poques tenen el regust artesanal i romàntic de La Perla 29, un col·lectiu que capitaneja des de 1999 el director Oriol Broggi i que es mou, alhora, en els terrenys d'una productora i d'una companyia. Ara torna, a partir del 22 de desembre, a l'espai que va obrir per al teatre barceloní: la nau gòtica de la Biblioteca de Catalunya. La Perla 29 va presentar ahir una temporada estable de quatre espectacles, entre el final del desembre i el juliol.

El menú nadalenc s'obrirà, és clar, amb la reposició de l'exitosa Natale in Casa Cupiello, la comèdia de l'autor napolità Eduardo de Filippo que torna a Barcelona per acomiadar-se (per ara).

La reposició serà seguida d'una altra al febrer. Broggi recupera un dels seus primers muntatges -«la nineta dels seus ulls», l'anomena- amb La mort d'Ivan Ilitx, de Tolstoi. Estrenat el 2005 a la Beckett, ara s'haurà d'adequar a un espai més gran i singular com és la Biblioteca. Aquesta voluntat de recuperar textos, explica Broggi, obeeix a la intenció de «crear un repertori». La Perla 29 ja ho va experimentar, per exemple, amb Antígona, presentada tres vegades.

La presa, de l'irlandès Connor McPherson, no portarà del 24 de març al 16 d'abril la firma de Broggi a la direcció, sinó la de Ferran Utzet, un dels seus ajudants habituals. La Irlanda rural, un pub i personatges txekhovians poblen una peça que va estrenar Manel Dueso fa més d'una dècada al Romea.

Entre el maig i el juny, la productora oferirà per primera vegada un taller, un postgrau, per a joves intèrprets sortits de l'Institut o més escoles. Dotze actors es posaran en mans del mateix Broggi per abordar des de zero un procés de creació a partir de la novel·la Tonio Kröger, de Thomas Mann. Es culminarà amb l'exhibició de la tasca feta durant dues setmanes.

El curs teatral es tancarà amb el plat més fort del menú, Luces de bohemia. «M'agrada qüestionar Espanya des de Valle-Inclán», va afirmar ahir Broggi. La peça, lògicament, es presentarà en castellà, amb actors tan destacats com Lluís Soler (Max Estrella), Ramon Vila i Xavier Boada. «Serà una versió despullada, però amb fum per recollir aquest ambient tenebrós i esbojarrat de Valle», va explicar Broggi.

Soler i Vila, a més, són actors estretament vinculats a La Perla 29, com també Màrcia Cisteró, Marina Jossa i Oscar Muñoz, i com també ho va ser la directora Carlota Subirós (avui al Lliure) els primers anys de la productora. Aquest lligam amb els artistes suposa una altra de les senyes d'identitat de les produccions de La Perla 29, que també ha aconseguit fidelitzar un públic a partir de la idea d'intentar fer «bon teatre pensat amb rigor i aire festiu», va dir el seu director.

La consolidació del projecte passa també per la creació d'un abonament per a la temporada. I el seu esperit, sempre inquiet, es manifesta també amb un fanzín teatral, La Revistilla, editat a partir de fotocòpies. És fruit de l'estil casolà de què parla Broggi.

Font: Jose Carlos Sorribes (www.elperiodico.cat)

25/11/10

La Compañía La Zaranda, Premio Nacional de Teatro

La Compañía de teatro jerezana La Zaranda ha sido galardonada con el Premio Nacional de Teatro, que concede el ministerio de Cultura y está dotado con 30.000 euros.

El premio ha sido fallado por un jurado presidido por Félix Palomero, director del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y la Música (INAEM), organismo a través del cual se otorgan estos galardones.

Teatro La Zaranda, una carismática compañía de "teatro inestable de la Andalucía Baja", que cumple este año 30 años de "andadura", está dirigida por Francisco Sánchez, más conocido como Paco de la Zaranda, y forman parte de ella Eusebio Calonge -autor de los textos- y los actores Enrique Bustos y Gaspar Campuzano.

Sus constantes teatrales son los objetos, el expresionismo visual, la depuración de textos y la creación de personajes límites; y como método de trabajo, "un riguroso proceso de creación en comunidad", según explican ellos mismos en su página web.

"La Zaranda, como cernidor que preserva lo esencial y desecha lo inservible, desarrolla una poética teatral que lejos de fórmulas estereotipadas y efímeras, se ha consolidado en un lenguaje propio, que siempre intenta evocar a la memoria e invitar a la reflexión", agregan.

A mediados de diciembre concluirán su gira con la obra Futuros difuntos, en el Lliure de Barcelona, y empezarán con la que estrenaron en el último festival Temporada Alta de Girona, Nadie lo quiere creer (La patria de los espectros).

El jurado, con vicepresidencia de la subdirectora general de Teatro, Cristina Santolaria, ha estado integrado por Lola López, David Ottone, Roberto Pascual, Lluís Pasqual, Gloria Muñoz y la actriz Vicky Peña, galardonada en la pasada edición.

Fuente: www.elmundo.es

24/11/10

La casa de Shakepeare reabre en Stratford


La pequeña ciudad inglesa que vio nacer a William Shakespeare en 1564 reabre, tras una profunda transformación, un complejo teatral dedicado al dramaturgo para acercar obras tan universales como Macbeth o Romeo y Julieta al público del siglo XXI.

Reunidos en un mismo edificio, los teatros Royal Shakespeare y Swan, de Stratford-upon-Avon, se han abierto hoy a un público impaciente por ver los frutos de una reforma que ha costado tres años y un presupuesto de 112,8 millones de libras (unos 133,6 millones de euros). La acústica del edificio se ha cuidado tanto que incluso los susurros de los actores en las escenas más íntimas podrán escucharse desde cualquiera de las 1.050 butacas del complejo.

Se han eliminado 350 asientos para reducir el número de localidades con poca visibilidad, el escenario ha sido completamente renovado, aunque manteniendo su personalidad isabelina como seña de identidad del auditorio, y los espacios de acceso a las salas han adoptado un diseño diáfano para que el público disfrute al tiempo del paisaje que rodea al edificio.

Los dos teatros, que tienen todo a su favor para convertirse en los mejores escenarios del mundo para acoger las obras del más famoso dramaturgo de todos los tiempos, tienen como aliado el propio entorno de Stratford, al que se le ha dado un papel protagonista en el diseño del nuevo complejo, construido sobre las ruinas del anterior escenario, de 1932.

A orillas del río Avon, con la Holy Trinity Church -la iglesia en la que está enterrado Shakespeare- visible prácticamente desde todas las partes del edificio, el idilio con Stratford se completa con la torre de 8 plantas y 36 metros de altura que permite divisar desde su cima la casa donde nació el dramaturgo, la escuela que frecuentó y el que fue su hogar.

Esta nueva casa de la Royal Shakespeare Company (RSC), erigida en el lugar que desde 1769 ha acogido distintas salas dedicadas al autor de Hamlet, ha sido construida tras la demolición, hace tres años, del anterior edificio, menos funcional, pero con emblemáticos elementos "art nouveau".

Varias ornamentaciones se han mantenido, como la puerta de entrada de bronce y aluminio o la ventanilla de venta de entradas, ahora ubicada en el pasillo principal de la planta baja.

El director artístico de la RSC, Michael Boyd, explicó en la presentación que "el objetivo" era conseguir que "obras de teatro que ya tienen cuatro siglos, sigan llegando al público durante los próximos 100 años". El nuevo teatro añaden intimidad a las representaciones, fomentan la cercanía ente actores y público y democratizan el arte con espacios comunes compartidos por todos los espectadores, como restaurantes y pequeños espacios para acoger exposiciones.

De esta manera se ha conseguido que el coliseo dedicado a Shakespeare se convierta además en un lugar de encuentro para acercarse a la figura del famoso dramaturgo. Shakespeare está presente en todo el edificio en forma de pequeños guiños al público como proyecciones de algunas de sus citas más inmortales: "Ser, o no ser. Ésa es la cuestión", o una silla que invita a reposar sobre ella pero que "protesta" cuando algún incauto se sienta al grito de algunos de los insultos más divertidos y curiosos de las obras del autor.

A partir de hoy y hasta el 3 de abril, el público podrá visitar las nuevas instalaciones, pero no será hasta el próximo febrero cuando el nuevo teatro estrene su escenario con El Rey Lear, pistoletazo de salida de las celebraciones del 50 aniversario de la compañía, que se celebrará con una nueva producción de Macbeth, dirigida por Boyd.

Fuente: Carmen Águeda (/EFE)


22/11/10

Miguel Narros recupera el teatro de Jean Genet


"Mis personajes son máscaras. ¿Cómo queréis que diga si son verdaderos o falsos?". Así hablaba Jean Genet para referirse a sus criaturas emergidas de obras míticas, desconcertantes e insólitas de la historia del teatro universal, tantas veces objeto de polémicas y escándalos frecuentes. Ahí están Las criadas (1947), la primera, estrenada por Louis Jouvet quien propuso reducirla a un acto y tres personajes, Estricta vigilancia -también conocida por Severa vigilancia- (1949), El balcón (1957), Los biombos (1961) y Los negros, que empieza a escribir en 1955 y estrena Roger Blin (que la lleva un año después a Londres) con gran éxito en París en 1959 y Gene Frankel dos años después en Nueva York, una vez levantada la prohibición de representar a Genet en Estados Unidos. Es precisamente en esta obra en la que un personaje dice: "Nosotros somos la sombra, el envés de los seres luminosos", recogiendo a todas luces lo que Genet veía en sus personajes, trasuntos escénicos de los desheredados y marginados junto a los cuales siempre hacía frente común.

Los negros, que en España tan sólo se ha visto en algún montaje no comercial y por un colectivo de inmigrantes negros de la comarca del Maresme, le ha servido al octogenario Miguel Narros para demostrar ser el director de teatro más joven, valiente, atrevido, provocador y energético que hay en estos momentos en España. Su puesta en escena de este texto profundamente difícil y atrabiliario de Genet, ha rejuvenecido cuarenta años a Narros, cuando conoció esta obra que decidió montar en 1970 con todos los riesgos que ello entrañaba.

Trece profesionales negros

El principal escollo fue el que finalmente impidió su estreno. Hizo audiciones y encontró a 13 negros que daban el físico y con los que llegó a ensayar un mes. Pero no eran actores y él mismo vio que aquello era inviable. Cuarenta años después ha encontrado a profesionales, casi todos españoles, por su DNI y por su acento, con los que quitarse una espina que se le removía cada vez que Genet volvía a su cabeza. Trece actores. Como a ellos, hombres y mujeres inteligentes y de brillante dialéctica, les gusta que se les llame. Y, si hay que ir más allá, prefieren que se les llame negros, y nunca "de color".

Todos ellos, más una pianista y el habitual y exquisito equipo de cabecera de Narros (el escenógrafo Andrea D'Odorico, el iluminador Juan Gómez-Cornejo, la coreógrafa Marta Gómez...) han puesto en pie la luminosa versión que de Los negros ha hecho Juan Caño Arecha, de esta pieza más cercana a un poema dramático que a una obra teatral y que fue acogida calurosamente en su estreno en el Teatro Palacio Valdés de Avilés la noche del viernes pasado.

Sus otras obras, más cercanas a la estructura formal de una pieza de teatro, son las que han metido a Genet en la nómina del teatro del absurdo, seguramente por sus retruécanos sobre aspectos pintorescos y grotescos de la existencia humana, pero su teatro va más allá y emerge de las entrañas biliares.

Culpabilidad y responsabilidad

En esta obra un grupo de hombres y mujeres de raza negra celebran un ritual, a modo de funeral, ante un posible féretro, con un posible cadáver de una mujer blanca asesinada. El ceremonial incluye un juicio para encontrar al culpable que debe ser ajusticiado por una corte de blancos. "Los personajes de los negros son como personas culpables que juegan a ser culpables y los colonizadores son negros con máscaras blancas", decía Genet quien afirmaba escribir teatro "para cristalizar una emoción teatral, dramática".

De hecho llegó a decir que no le interesaría escribir esta obra si, por ejemplo, Los negros les sirviera a los negros: "En la lucha de los negros contra el colonialismo creo que la acción directa, hace más por ellos que cualquier obra de teatro. En mis obras trato de dar voz a algo que los negros y otros pueblos marginados son incapaces de expresar. ... Puede ser que hay a escrito esta obra contra mí mismo. Puede ser que yo sea los blancos, el patrón, el empleado y trato de aislar los elementos de idiotez que hay en esas cualidades", señala el autor, quien en esta obra busca las culpabilidades y responsabilidades tanto en blancos como en negros.

"Genet no autorizaba que se hiciera esta obra con negros, ni tampoco que si todos, actores y público eran negros, no hubiera al menos un espectador blanco, en cuyo caso tenía que estar en el escenario iluminado con un foco, y si no se encontraba un espectador blanco obligaba a que hubiera un muñeco blanco que lo represente", señala Narros, quien se empeñó en esta obra que reflexiona sobre las necesidades de blancos y negros.

Una de sus actrices, la madrileña Jennifer Rope, dice que el problema es que a ellos les han hecho perder su cultura: "Nos han encajado en esta cultura, pero si estuviéramos en la nuestra serían otras, nos han colonizado con una cultura global que a nosotros no nos corresponde". Mientras Narros señala que África se ha prostituido a los distintos gobernantes europeos que ha tenido, Rope le interrumpe tajante: "No, a África la han violado y una vez violada se ha vendido como puta, pero no nació prostituta".

La cultura africana

Elton Prince, nacido en Camerún y formado en escuelas de teatro parisinas y londinenses, habla de los grandes matriarcados que marcan la cultura africana, y de cómo cuando va alguien a la África profunda se escandaliza, sin entender muchas cosas de su cultura, mientras que su compañero Boré Buika se ríe contando cómo la gente se queda desconcertada cuando habla un perfecto castellano sin ningún tipo de acento.

Caño recuerda que hay un personaje en la obra, interpretado por el mallorquín Boré, que quiere ser blanco. Los actores le corrigen y apuntan: "No es que quiera ser blanco, es que quiere ser libre, y si ese es el camino, y para ser libres hay que decolorarse, pues sea". Lo normal en la obra es que los personajes estén orgullosos de su africanidad, cosa en la que coinciden todos, quienes recuerdan que lo de ser blancos es un eufemismo: "En realidad los europeos son rosáceos, tirando a veces a anaranjados..."

Narros concluye que no hay que olvidar "que la obra está escrita por un europeo que se acusa de los errores cometidos por una civilización para otros fines que no sean el de pensar por sí mismo", apunta Narros.

Mientras que Los negros es desconocida en España, sí se han visto muchos montajes deLas criadas, algunos inolvidables como el de Víctor García (en 1969 sólo en dos ciudades por problemas políticos y en 1984), con producción e interpretación de Nuria Espert, quien conserva la carta que le envió Genet cediéndole a ella todos los derechos la obra; Mario Gas, con Aitana Sánchez-Gijón, Emma Suárez y Maru Valdivielso y Manuel Dueso, con una interesante puesta en escena sólo con hombres.

Lo curioso es que la excepcional carrera de dramaturgo de Genet surge tras romper con sus mentores, primero con Cocteau y después con Sartre. A esa deslumbrante y primera etapa de narrador, que es la estudiada por Sartre, le siguieron toda una serie de obras de teatro que unían un texto brillante con un evidente conocimiento de lo que se conoce por carpintería teatral.

Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)