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30/5/11

VOLEM ANAR AL TIBIDABO



TEXT i DIRECCIÓ: CRISTINA CLEMENTE
INTÈRPRETS: ROSER BLANCH, CLARA COLS i ALÍCIA PUERTAS
PRODUCCIÓ: FLYHARD PRODUCCIONS S.L
SALA FLYHARD


Volem anar al Tibidabo és un bon exemple de com convertir una situació, aparentment, dramàtica en una comèdia. Dues germanes de vint i pocs anys reben la notícia de que la seva mare pateix Alzheimer. Amb l'objectiu de que la seva mare i el seu pare siguin feliços, els amaguen la trista notícia. Amb un punt important d'immaduresa començaran a solucionar tots els inconvenients que trobaran en el seu camí.

Meravellós joc amb el públic el que estableix el text de la Cristina Clemente, ben tramat, en cap cas sotmet a l'espectador a un nombre encadenat d'escenes, aquí tot té un perquè que es comença a entendre segons avança el ritme de l'obra. No hi ha gaire temps entre escenes, l'obra t'atrapa de tal manera que quan arriba l'escena final sembla que faci cinc minuts que es van apagar els llums.

Clara Cols, Roser Blanch i Alícia Puertas estan a l'alçada interpretativament, la naturalitat amb la que actuen domina per complert a l'espectador, que en cap cas deixa de seguir el fil de la història i es crea una excel·lent complicitat entre actrius i públic.

Volem anar al Tibidabo segueix el segell que van deixar Un home amb les ulleres de pasta o Els últims dies de Clark K, una nova dramatúrgia que fuig de la convencionalitat de sales més comercials i que aposta per un llenguatge urbà i apte per a tots els públics, que busquen una alternativa de qualitat als estrenes de la cartellera convencional. La propera proposta a finals de juny amb Candela, signada i dirigida per la mateixa Cristina Clemente, ja l'estem esperant amb candeletes.

LA AVERÍA




TEXTO: FRIEDRICH DÜRRENMATT
ADAPTACIÓN Y DRAMATÚRGIA: FERNANDO SANSEGUNDO
DIRECCIÓN: BLANCA PORTILLO
INTÉRPRETS: DANIEL GRAO, EMMA SUÁREZ, FERNANDO SUÁREZ, JOSÉ LUIS GARCÍA PÉREZ, ASIER ETXEANDÍA y JOSÉ LUIS TORRIJO
PRODUCCIÓN: AVANCE PRODUCCIONES y ENTRECAJAS P.T
TEATRO ROMEA


Reconozco que desconocía la existencia de Dürrenmatt antes de ver esta representación, y que se me han despertado unas ganas increíbles por devorar su obra. Siempre que acudo a ver una representación Made in Madrid la cautela se apodera de mí, pero al salí más que satisfecha del Romea. La Avería cuenta con un buen texto, indispensable para cualquier representación, la dirección de Blanca Portillo pone su acento en el entretenimiento más que en proporcionar al espectador cualquier moraleja, él ya se la buscará por su cuenta. El gran pero de la obra se encuentra en sus intérpretes, no es que el casting haya sido erróneo, sino en la puesta en escena de los actores.

La avería narra la historia del macabro juego al que se es sometido un viajante que sufre una avería y se ve obligado a pasar la noche en una casa de un pueblo con unos desconocidos. Estas personas, ancianas, no han asumido el papel que les ha tocado ejercer tras la jubilación y siguen, en privado, ejerciendo sus antiguas profesiones: un fiscal, un abogado defensor, un juez y un ejecutante de la pena capital. Toda la noche es un viaje vital sobre la culpabilidad que asumimos ante nuestros actos. Una tragicomedia de principio a fin.

Pero Blanca Portillo ha decidido que estos ancianos fueran interpretados por jóvenes, y en vez de hacer uso de modernas técnicas de maquillaje para lograr tal fin, ha optado por máscaras de latex, con lo cual la función gestual de los actores queda reducida a cero, se deja de reconocer al intérprete que esconde la careta y para colmo éstos proyectan sus voces en un ejercicio monstruoso de pedantería y engolamiento totalmente innecesarios.

Y me pregunto, ¿no habrá actores de más de 60/65 años que hubiesen sido capaces de interpretar los personajes? Con la absoluta seguridad de que hay una respuesta afirmativa a esta pregunta, igual que con la misma seguridad que otra puesta en escena más correcta la obra ganaría y no le restaría puntos de un conjunto global de buenas decisiones.

28/5/11

Deures amb nota


Àlex Rigola ultima la seva direcció la setmana vinent presentant The end, un “divertimento”, en què volia que hi participessin el major nombre d'actors possible que han col·laborat amb ell durant els seus vuit anys de direcció del Teatre Lliure. Rigola, ara, recupera la seva plena capacitat de director artístic, una faceta que, en alguns moments, s'ha vist limitada per la seva labor de gestió. L'últim any de Rigola, en què ha reinaugurat el Lliure de Gràcia, ha aconseguit el millor balanç econòmic de la seva etapa: ha superat per primer cop el milió d'euros en recaptació (quan encara s'han de comptabilitzar els ingressos de Carta blanca i de The end). També té un notable en ocupació: en espera d'aquests dos espectacles, el percentatge és del 75,4% (77.290 espectadors).

Rigola s'imposa, a partir del seu comiat, un silenci respectuós sobre el futur del Lliure. Sí que aportarà la seva visió dins del patronat. Té clar que “la pitjor persona per jutjar la nova direcció és la vella direcció”. Se'n va satisfet del treball i d'haver viscut una època irrepetible (la construcció del Lliure com a segon teatre públic va permetre que aquest projecte es construís amb un equip que no fregava els 35 anys), però “de la mateixa manera” que li passa “amb els espectacles” amb la idea que es podria haver fet més en cada faceta. Fer de director del Lliure no té descans. Sempre hi ha reptes sobre la taula.

No es pot imaginar el futur que li espera al teatre a Catalunya. Tampoc a Europa. Es perceben que hi ha dos sistemes dominants: el mecenatge americà i el fort suport centreeuropeu. Rigola prefereix el sistema europeu (“prefereixo que esculli un que han votat que una multinacional”), però capta que la tendència és la del mecenatge. L'anhelada llei del mecenatge no significarà doblar recursos per a cultura, sinó que, en quedar desgravat dels impostos, baixarà l'aportació pública. Perversos vasos comunicants.

Rigola va voler construir una companyia sòlida. Al cap d'uns anys, s'ha anat desmembrant, perquè els primers actors “no aguanten un any fent un paper secundari, encara que els paguis”. L'alternativa van ser projectes anuals. Un bon exemple és Gata sobre teulada de zinc calenta, que aquest diumenge tanca la gira a Canàries: unes 150 funcions en tot l'any. La fórmula de companyia només funciona en teatres en què es treballa amb teatre de repertori que es va variant cada tres dies. Amb el temps, ha constatat que les complicitats artístiques impliquen retrobades en els viatges passionals individuals.

Quatre dies finals amb Ennio Morricone

Una de les banderes de les produccions de Rigola són la seva banda musical. A The end sonarà Ennio Morricone. Des de dijous fins diumenge, els actors més pròxims al director (i que no estan en altres espectacles de la cartellera) participen en aquesta festa. Rigola ha escrit aquesta peça, un joc experimental, que va tancar fa cosa d'un mes. Amb molts pocs assaigs, reciclatge escenogràfic i vestuari i una estètica informal, Rigola imagina l'escena a Mèxic, a la frontera amb els Estats Units: uns narcotraficants esperen fer un intercanvi de drogues. Mentre no arriba, un dels capos explica la seva dissortada experiència teatral. La nit anterior hi ha anat amb la companya, i l'actor se l'ha apropiada en una trobada fortuïta al bar. Ell planteja una venjança. En aquesta escena, el director entra (al revés de Sis personatges en busca d'autor, de Pirandello, on uns personatges orfes d'autor imploren existir) i revoluciona l'acció. Els personatges cobre vida pròpia. Marc Rodríguez fa d'Àlex Rigola, tot de negre i amb ulleres de pasta. Rigola reconeix que és poc usual “obrir-se en canal”, de manera festiva, per acomiadar-se. En el fons hi ha una homenatge al treball d'actor, un ofici molt passional de qui cada quatre mesos torna a estar a l'atur. Ell se sent un privilegiat.


Font: Jordi Bordes (www.avui.cat)

27/5/11

"Hacer reír a la gente desde el escenario es una medicina"


En la alocada estirpe de los Marx, los Chaplin, los Keaton, los Tati, los De Funès y en general los geniales trasgos del humor que hicieron y hacen la sucesión de los días y de las noches un poco menos urticante, este señor alto y calvoso que atiende al nombre de Patrice Thibaud (aunque, como ya se dijo por aquí hace tiempo, debería llamarse Fantomimo, Cucurruplás o Pumpurrumpum) ha vuelto por donde suele: regalarnos, durante cosa de hora y media, la mentirosa/impagable sensación de que, mientras dura su guateque, la vida se detiene ahí afuera. Es la impronta del gran espectáculo. Luego vuelves a recorrer las aceras y a hacerte las grandes preguntas: ¿de dónde venimos? ¿a dónde vamos? ¿cuándo demonios vencía el plazo de la letra?

Vuelve Thibaud al Festival de Otoño de Madrid (dejémoslo escrito así aunque no sea del todo exacto, así dejamos de lado el inexplicable nombre inventado por el (o la) político/a de turno: Festival de Otoño en Primavera: sin palabras). Lo hace con Jungles ("Junglas"), una pieza de hora y cuarto en la que el bufón despliega todo su arsenal de gesto y mueca, sin texto o casi sin texto, esta vez al servicio de una misión concreta: explicar la relación de animalidad entre los seres humanos, su manía por ocultarla aunque acaba saliendo a flote siempre, y la perenne certidumbre del animal racional de que es el principio y el fin de todo y siempre.

Y todo, sobrevolando referencias como Rómulo y Remo, Tarzán de los monos, el Mowgli de El libro de la selva o el roussoniano mito del buen salvaje. Se trata de una obra (hasta el sábado en los madrileños Teatros del Canal) de más calado y ambición que su anterior montaje, Cocoricó. Si aquel era un puro divertimento a dos manos entre él y su amigo el actor y músico Philippe Leygnac, aquí hay cierta vocación de mensaje.

Nieto de españoles, Patrice Thibaud aprendió con su abuelo, que era de Cáceres y escapó de la Guerra Civil, a cazar becadas y conejos, actividad que alternaba con la siempre fascinante de partir rabos de lagartija. En resumen: aprendió a amar a los animalitos. Aquellos efluvios adolescentes en medio del reino animal deben de estar en la base de Jungles, un texto (es un decir) definitivamente ecologista.

Los zambombazos del mimo se dirigen contra una situación que le resulta insostenible: "Con el pretexto de que somos civilizados, usamos la violencia y vamos a las guerras; luego, como somos civilizados, pedimos perdón. No entiendo nada, corremos hacia el desastre... pero siempre fue así, no es nuevo".

¿Cree usted, con perdón, que Jungles es la obra de teatro que los animales salvajes hubieran escrito sobre el ser humano?

¡Sí, ja, ja, ja... sí, puede que sí, vaya. Y desde luego, serían mucho más amables con nosotros que nosotros con ellos cuando hacemos documentales de animales en la televisión...

Como sus ilustres ancestros del escenario, él lo tiene claro: no solo reír sana, también sana hacer reír. Y a la interrogante tonta pero tan obesiva de cómo es posible que los cómicos salgan a escena cada noche para alegrar la vida al respetable aunque a ellos les hayan robado en casa, les hayan quitado la novia o se les haya muerto el jilguero, él responde: "Ah, ya, pero también ocurre que hacer reír desde el escenario es una medicina; no puedo hablar por boca de todos mis colegas, pero a mí, cuando estoy actuando, se me borra todo. Total, ¿la alternativa cuál sería?: ¡quedarte a llorar en tu hotel!".

Bestia de la televisión francesa, donde se convirtió hace años en un showman adorado por la audiencia, y bestia escénica a bordo de situaciones e ideas desternillantes que buscan el resorte primario de la risotada pero también hacer pensar, que ya es vocación en estos tiempos que corren, Patrice Thibaud mira siempre a la infancia. "Los niños no tienen filtros, no tienen límites, no se paran a pensar en lo conveniente o no, son el estado puro". No por casualidad, por la noche, en casita, este mimo que no quiere ni oír hablar del gran Marcel Marceau busca en su hijo de ocho años el consejo.

¿Lo he hecho bien hoy, hijo?

Pschhh... tendrías que haberlo hecho así, en vez de asá.

Vaya por Dios.

¿Para qué buscar las musas en otro lado si están en el salón de casa?

Fuente: Borja Hermoso (www.elpais.com)

Híbrido de Lorca y Shakespeare

Fusión entre Lorca y Shakespeare. A priori, el maridaje parece difícil, pero el británico inspiró al granadino en su inconclusa Comedia sin título -allá por 1936- y ahora la compañía Teatro del Estudio Juan Carlos Corazza profundiza en el experimento.

El elenco que dirige este maestro de actores argentino -preparador personal, entre otros, de Javier Bardem-, incorpora al Festival de Otoño en Primavera Comedia y sueño, una obra que parte del texto que nunca pudo terminar Lorca y da un paso más, añadiéndole escenas de Sueño de una noche de verano. Se trata de explotar la vieja fórmula de teatro dentro del teatro. A saber: un grupo de actores, los de la obra de Lorca, ensayan sobre las tablas números del clásico británico. Ficción dentro de la ficción, una estrategia que, a juicio de Corazza, siempre funciona: "Genera una cercanía y una conexión con el público que nos interesa mucho".

A pesar de lo dispar de los tiempos que les tocó vivir, Corazza ve en ambos autores una mirada común ante las dificultades de la vida: "Muestran los conflictos del hombre y de la sociedad, pero siempre con una visión positiva. No se trata de la oscuridad por la oscuridad sino de sacar de ella algo constructivo. Es lo que más me interesa de ellos, que aunque destapen ideas muy violentas, nunca pierden la compasión".

Elogia además el teatro de Lorca, base de la propuesta que estrena en Madrid: "Era un hombre en permanente búsqueda creativa y humana. El 90% de sus obras son obras maestras en el sentido del ritmo y con un planteamiento y desarrollo de conflictos y una construcción de caracteres excelentes".

La obra que presenta Corazza está ligada a la investigación y el estudio del arte dramático: recrea un ensayo general que, además, se ve salpicado por una revolución en las calles que permite a los actores explorar nuevos caminos. Ese trabajo actoral está íntimamente ligado a la esencia de Corazza, que en 1990 fundó una escuela en Madrid en la que se han formado muchos de los principales actores patrios, como Elena Anaya o el propio Bardem, quien todavía sigue acudiendo a sus clases para preparar papeles.

"Para mí, dirigir va ligado al proceso de investigación. Quiero que los actores y el director reflexionemos y descubramos juntos a los autores. Y más cuando se trata de clásicos. Además, el trabajo del grupo y la confianza en el equipo es fundamental. La vida se enriquece si nos olvidamos de nuestra individualidad", afirma horas antes de estrenar su propuesta en Madrid y con el cártel de 'No hay entradas' en las taquillas.

En Comedia y Sueño el grupo lo componen 12 actores que no bajan del escenario en ningún momento. Alicia Borrachero, Alba Flores, Rafa Castejón o Ana Gracia juegan a ser personajes de Lorca que deben interpretar a Shakespeare. Una responsabilidad que intentan salvar con entusiasmo. "Jugad más, divertíos más", les aconseja su director horas antes del estreno.

Fuente: Raquel Quílez (www.elmundo.es)

M. Ordóñez, la "irrealidad" del teatro en 'Telón de fondo'

El escritor, dramaturgo y, sobre todo, crítico teatral barcelonés Marcos Ordóñez mezcla la autobiografía con el canto de amor a las tablas de un escenario en Telón de fondo, un recorrido por la "irrealidad nítida" de lo que es para él el teatro, al que ha dedicado cincuenta años de su vida.

Telón de fondo (Aleph Editores) ha sido presentado hoy en la librería Blanquerna, en Madrid, por el propio Ordóñez, quien estuvo acompañado en la mesa por el escritor Eduardo Mendoza en la mesa, y también convocó entre el público a figuras del teatro español, como Charo López, Núria Espert o José Luis Gómez, que agradeció al autor su entusiasmo por el teatro.

"Una carrera es muy larga y un actor o director se da cuenta de que un crítico no le tiene una animadversión personal", ha dicho Ordóñez para explicar el afecto mutuo entre el crítico y sus "criticados", quienes han seguido con miradas encendidas cada anécdota rememorada por quien a veces no ha temido ser severo con su trabajo.

"Si una amistad se rompe por una mala crítica no era tan buena amistad", ha añadido, porque la primera ley del crítico es la de "no tener miedo a no estar en la corriente mayoritaria" y asumir que "si siempre estuviera todo el mundo de acuerdo, sería terrorífico".

"Un crítico es muy útil en época de crisis, porque hay poco tiempo y poco dinero. Él puede alzar la voz y decir 'id a ver esta función' o, en la parte dura, decir 'esta función es un globo hinchado'", ha reivindicado quien reconoce sentir todavía un escalofrío cada vez que se apagan las luces de un teatro.

"Una película mala nunca resulta tan larga y tan insoportable como un mal espectáculo", ha dicho citando a Peter Brook, y ha reconocido que en esta relación de amor tan duradera que le une al teatro, sí hubo un momento, en la temporada teatral de 1979, que pensó en abandonar la profesión por la baja calidad de la cartelera. "Pero ha sido la única vez", ha dicho.

Autor también de la biografía de Ava Gardner Beberse la vida y otros libros como Detrás del hielo, ha hecho en la presentación de Telón de fondo referencias a grandes iconos del teatro, arte que John Gielgud definió como "el arte de conseguir que el público deje de toser".

Ha recordado, por ejemplo, cómo una vez se desmayó en el teatro Romea de Barcelona por la tensión que vivió al ver que una función de amigos suyos no había por dónde cogerla. "Para que veáis que soy buena gente", ha dicho. O ha reconocido haber sido injusto cuando hizo una crítica destructiva a Caricias, de Sergi Belbel, el día del estreno.

"Los críticos dependemos de nuestro gusto y nuestro humor, pero nuestra obligación es formar el gusto y controlar el humor", ha explicado, aunque también ha reconocido que lo que no ha podido controlar en alguna ocasión es el sueño.

"Mi mujer me da codazos para que no me duerma", ha confesado, aunque la excepción se produjo en el María Guerrero, cuando se acurrucó en las pieles del abrigo de una señora, quien le despertó y le dijo: "A mí no me importa, pero a ellos (los actores) les va a sentar muy mal", ha contado a los presentes.

De la misma manera, entre divertida y poética, en las casi doscientas páginas de Telón de fondo Ordoñez va desgranando cómo se abrió a ese "magnífico enfermo", que agoniza pero nunca muere, desde que veía las primeras obras cuando acompañaba a su padre, funcionario con pases gratis para el teatro, hasta que su vida se hila por las notas tomadas a oscuras en una libreta Moleskine.

"Procuro escribir sobre lo que me ha excitado, para bien y para mal", ha explicado, y siempre manteniendo la máxima de François Truffaut: entendiendo la diferencia entre el qué siente lástima porque el director o las actores se han equivocado y el qué piensa que bien que se han equivocado. Esperando siempre lo mejor y no disfrutando con lo peor.

Por último, Ordóñez ha entonado un humilde mea culpa para hablar de sus pinitos en la dramaturgia. "Todos hemos cometido algún pecado", ha dicho refiriéndose a su obra "La noche de El Dorado". "La obra no estaba ligada. Tenía trozos, pero en conjunto no funcionaba. Empezaba muy bien, pero se deshilachaba", ha concluido en sano ejercicio de autocrítica.

Fuente: www.lavanguardia.es

Kristin Scott-Thomas interpreta a Pinter en Londres


La actriz Kristin Scott Thomas (El paciente inglés, Gosford Park) vuelve a la escena londinense, donde interpretará Traición, una obra de Harold Pinter estrenada en 1978. Mañana viernes comenzarás las funciones previas de esta producción, que se estrenará oficialmente el 16 de junio y que estará en cartel hasta el 20 de agosto. Kristin Scot-Thomas compartirá escenario con Douglas Henshall y Ben Miles. El director es Ian Rickson, que ya dirigiera a la actriz en La gaviota, de Chéjov. El propio Pinter se puso en 2006 como actor bajo las órdenes de Rickson en la obra de Beckett Krapp’s Last Tape.

La obra cuenta la historia de un triángulo amoroso y cómo evoluciona hasta dar la vuelta a lo largo de nueve años. Pasión, dolor y deseo están presentes en esta pieza, que se supone que está basada en la relación que Pinter mantuvo con la locutora Joan Bakewell durante los años sesenta.

Kristin Scott-Thomas vuelve así al West End londinense, donde además de La gaviota interpretó la obra de Pirandello Así es (si así os parece).

Fuente: J.B. (www.abc.es)

La adolescencia del soldado Manning


El Teatro Nacional de Gales estrenará el próximo mes de marzo una obra sobre la adolescencia del soldado Bradley Manning, acusado de filtrar miles de documentos confidenciales de EEUU al portal WikiLeaks.

El espectáculo, titulado La radicalización de Bradley Manning, escrito por el guionista televisivo Tim Price, será uno de los platos fuertes de la segunda temporada (de agosto de 2011 a septiembre de 2012) de este teatro galés fundado en 2009. En él se recreará el paso de Manning por un colegio de Gales cuando tenía 13 años, según ha informado el diario británico The Guardian.

"Tim Price me dijo que había echado en falta en la primera temporada del teatro alguna obra que tratara la política contemporánea, así que le pedí que escribiera algo", afirmó el director del Teatro Nacional de Gales, John McGrath.

Manning nació en Oklahoma (Estados Unidos) en el año 1987, y en 2001,tras el divorcio de sus padres, se trasladó a Gales, de donde es originaria su madre, y estudió en una escuela secundaria en la localidad de Haverfordwest.

El joven analista de inteligencia del Ejército de los Estados Unidos fue detenido en Irak en mayo de 2010 acusado de filtrar a la organización de Julian Assange documentos militares confidenciales.

En abril de 2011, Manning salió de la celda de aislamiento a la que había sido confinado en la prisión de Quantico (Virginia, EEUU) y fue trasladado a un centro en Fort Leavenworth (Kansas).

En su nuevo régimen el soldado, de 23 años, puede recibir visitas y disfruta de tres horas al día de recreo: una hora al aire libre, otra en el interior y una tercera en la biblioteca.

Fuente: www.elmundo.es

Les tortures a la presó d'Abu Ghraib, a escena


El Teatre Bartrina estrena aquest diumenge (18.00) La fada d'Abu Ghraib, un text de l'autora andalusa Antonia Jiménez Rodríguez que reflexiona sobre la tortura a partir dels maltractaments que soldats nord-americans van infringir l'any 2003 als presoners iraquians de la presó d'Abu Ghraib. Fotografies d'aquelles pràctiques van fer la volta al món amb el consegüent escàndol i van ser l'origen de l'obra, que ha traduït i que dirigeix Jordi Vall en aquesta producció de la companyia La Temporal i la productora JuanDesafinado, amb la col·laboració del Centre d'Arts Escèniques de Reus (CAER) i l'Institut de Drets Humans de Catalunya. L'obra es pregunta què empeny una persona en un moment determinat a convertir-se en torturador en un text que, en definitiva, parla de la guerra i les seves conseqüències més directes: “Es busca denunciar la tortura, sigui quin sigui el seu origen, els motius que la provoquen i el lloc del món on es produeixi”. El muntatge també proposa un final obert “perquè sigui l'espectador el qui finalment jutgi i debati sobre el tema”.

L'obra està protagonitzada per Carles Bigorra i Patrícia Bargalló, que donen vida a la soldat acusada de les tortures i l'advocat que la va defensar en el judici.


Font: N.B. (www.avui.cat)

26/5/11

Ruth Vilar presenta en l'Obrador 'L'espedaçament'



Una de les propostes de l'Obrador de la Beckett són les lectures dramatitzades. Aquest divendres, Ruth Vilar presenta L'espedaçament acompanyada per Teresa Urroz, Neus Umbert i Salva Artesero. L'espectacle produit per la Companyia Cos de Lletra és gratuit i es celebrarà el divendres 27 a les 21:00.

L'espedaçament es qüestiona si només som carn i sang, què ens dota de vida, què ens infon alè. Amb humor amarg, la història relata el periple mèdic d'una dona raonablement malalta que acaba trobant consol per al seu dolor en l'acte de dictar les seves macabres últimes voluntats.


"LA IMPACIENT: Compto les meves visites als metges i me’n surten mil. [...] Centenars d’ells m’han sotmès a anàlisis, proves i exploracions amb màquines diverses. Només una dotzena m’han mirat als ulls mentre em parlaven. I tan sols un, una vegada, em va dir pel meu nom. En realitat en van ser dos, però el segon no compta perquè em va confondre amb una altra pacient." (Ruth Vilar, L'espedaçament (despatx de carn humana), RE&MA 12, 2011.)


Font: Butaques i Somnis