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25/2/11

Funció a mitjanit


El teatre a Barcelona es regeix per horari europeu les últimes temporades. El principal exemple d'aquesta tendència d'avançar l'oferta ha estat el TNC que programa, per exemple, la Sala Gran a les vuit del vespre. Fent un símil futboler, l'objectiu és que els espectadors de comarques puguin tornar a casa d'hora com passa, tot i que no sempre, amb les penyes del Barça en els partits del Camp Nou. Però aquesta tendència comença a trobar el seu oposat amb la irrupció de sessions golfes destinades a un públic més jove i no tan habitual a les platees.

Un teatre tan rellevant com el Poliorama ha estat l'últim a sumar-se a una moda que ja han seguit la Muntaner, amb una segona funció, la inquietafactoria Teatreneu a les seves sales de Gràcia i de l'Alexandra (on avui aterra Toni Albà), i el Club Capitol, amb els monòlegs del Zoo Comedy impulsats per la productora Zoopa, que capitaneja Santi Millán. «Hem aconseguit una ocupació del cent per cent un dijous a les onze de la nit», recorda Juanjo Sánchez, coordinador teatral de Zoopa, en al·lusió al recent monòleg de Goyo Jiménez que va esgotar les seves quatre funcions, tres en sessió golfa.

La productora fa ara un pas més amb The Guarry Men show, una proposta d'inequívoc signe irreverent. «Falta gamberrisme teatral a Barcelona». Ho diu Pau Roca, un actor que aquesta vegada també escriu i dirigeix un espectacle amb 11 escenes independents i dos fils conductors: la figura d'un detectiu i el fons musical de The Guarry Men. Aquest trio, una versió dels Luthiers passada pel barri de Gràcia, es defineix per cançons políticament incorrectes (amb lletres nodrides de teta, cul i altres paraules per l'estil, o pitjors) que han cultivat des dels seus temps d'institut, fa gairebé una dècada. «Són l'esquadró de la felicitat», diu Roca d'Alberto Noel, Albert Casanova i Nacho Albert, un trio amb fans a les places i en alguns bars de Gràcia.

Les 11 històries, d'escriptura accelerada i poc convencional, poden incorporar en una mateixa escena una al·lusió a les festes dels Nasty Mondays de la sala Apolo i a l'Espanyol. A més a més dels Guarry Men, interpreten l'obra el mateix Roca, Dafnis Balduz, Patricia Bargalló i Ruth Díaz. Tots són còmplices d'una aventura que, si finalment obté el favor del públic i va més enllà d'aquelles tres o quatre setmanes previstes pel Poliorama, pot obligar Balduz a fer doblet el mateix dia quan es reposi Pel davant i pel darrere al Teatre Borràs. O que ja ha provocat que Ruth Díaz s'hagi desplaçat a Barcelona, «des de Madrid amb la seva filla i amb el seu nòvio», apunta Roca, que llança el repte: «Ens hem de començar a plantejar anar al teatre tard com ja passa a ciutats com Berlín, Nova York, Londres o Madrid».

Font: José Carlos Sorribes (www.elperiodico.cat)

24/2/11

PEDRA DE TARTERA


TEXT: MARIA BARBAL
ADAPTACIÓ: MARC ROSICH
DIRECCIÓ: LURDES BARBA
INTÈRPRETS: ÀUREA MÁRQUEZ, ROSA CADAFALCH, EDUARD MUNTADA, ROGER CASAMAJOR, ANNABEL CASTAN, MARINA BARBERÀ, JÚLIA PEDRA/MARTA VIDAL/CARLA VIVES i MAX FIGUERES/MAX MEGIAS/MAX ROCA.
PRODUCCIÓ: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA i CELLER D'ESPECTACLES DE LLEIDA
SALA PETITA (TNC)


Meravellosa adaptació de Marc Rosich de la novel·la Pedra de Tartera de Maria Barbal. Tenint en compte que la protagonista de la novel·la només té pensaments amb ella mateixa i no expressa cap d'ells en veu alta, la feina de Marc Rosich ha estat brillant. Conxa comparteix amb el públic un viatge per tota la seva vida.

A la mateixa alçada està la feina interpretativa de Àurea Márquez acostumada a lidiar amb papers complicats, aquí arriba al límit de la dificultat i ens regala una Conxa meravellosa durant tot el viatge per la seva vida i les dues hores de duració de l'obra. La història de Conxa és la de moltes dones d'aquella època i de la majoria de les actuals. Comença quan es veu obligada a anar-se'n a viure amb els seus oncles per la falta de recursos dels seus pares. A partir d'aquí comença un viatge per una vida plena d'alegries i de penes i marcada per la república, la guerra civil i la posterior repressió franquista. Un viatge humà i històric a la vegada, sense importar gaire qui són els vencedors o els vençuts perquè tots som d'alguna manera vençuts i vencedors al mateix temps.

Max Graenzel i Estel Cristià signen una escenografia realista, la cuina de la casa dels oncles de la Conxa que serà una protagonista més de la funció. A Àurea Márquez li acompanyen un excel·lent Roger Casamajor, una brillant Rosa Cadafalch i magnífic Eduard Muntada. L'altra dificultat de la peça és que està escrita en pallarès, però els seus protagonistes han sabut superar-la amb gran èxit.

Intel·ligent i sàvia direcció de Lurdes Barba que aconsegueix unir totes les peces i crear una història única i meravellosament narrada. Una obra imprescindible i que suposa d'una vegada per totes la consagració d'Àurea Márquez com una de les millors actrius de Catalunya.

El món és l'escenari


Un muntatge d'El rei Lear dirigit per David Farr, és el primer espectacle íntegre amb què la Royal Shakespeare Company va obrir, ahir, els remodelats locals tradicionals de la companyia a la seu de Stratford-upon-Avon, el Royal Shakespeare Theatre i el Swan Theatre.

Quatre anys de treballs i una inversió de 125 milions d'euros han fet possible l'adaptació d'un edifici de característiques victorianes i art deco, amb un auditori que recordava un vell cinema i un arc del prosceni que establia una clara barrera entre actors i espectadors, a les necessitats del segle XXI. En paraules del director de la companyia, Michael Boyd, els treballs han aconseguit un “miraculós matrimoni entre l'èpica [que vindria suggerida per l'exterior, de totxo vermell] i la intimitat interior del nou espai.” La nova instal·lació, que oficialment serà inaugurada per la reina d'Anglaterra el 4 de març, vol realçar el 50è aniversari de la Royal Shakespeare Company, que s'acompleix a l'abril.

El gran teatre original comptava amb 1.500 butaques i estava unit amb el Swan Theatre –l'altra sala de la companyia, més petita, per a 400 espectadors–, per darrere de tots dos escenaris, connexió que s'ha respectat. Ara, el teatre principal compta, només, amb 1003 seients.

El més significatiu del nou teatre, però, és el disseny interior, d'un sol espai, que afavoreix el que Boy anomena “intimitat interior”. Els espectadors i actors comparteixen el mateix ambient, una manera de presentar els espectacles que facilita la presentació dels muntatges en la forma original en què van ser concebuts per Shakespeare en el moment de presentar-los davant del públic.

Més que mai, en una de les frases més citades de Shakespeare, “tot el món és un escenari i els homes i les dones només són actors, amb les seves entrades i sortides” es pot afegir que “l'auditori és també un escenari i el públic forma definitivament part de l'espectacle”.

Des del passat novembre, les dues noves instal·lacions han estat en període de rodatge, amb la presentació d'espectacles parcials.


Font: Quim Aranda (www.avui.cat)

Blanca Marsillach homenajea su padre


Al más puro estilo de Natalie Cole, junto a su padre Nat King Cole,poniendo la tecnología al servicio de la emotividad sobre el escenario, la actriz Blanca Marsillach 'revive' al gran dramaturgo en la obra que ofrece este fin de semana del 26 y 27 de febrero en el Teatro Principal de Castellón, Una noche Blanca con los clásicos, distribución de Varela Producciones y la compañía que lleva su mismo nombre.

En la representación, en la que confluyen sensualidad, complicidad, poesía y sobre todo arte, la actriz actúa junto a su padre, Adolfo Marsillach (Barcelona 1928-Madrid 2002), gracias a los vídeos que se proyectan en una pantalla, al tiempo que recupera la obra que estrenó el patriarca en 1997 'Una noche con los clásicos' con la participación de Amparo Rivelles y María Jesús Valdés.

En esta ocasión sobre el escenario aparece Blanca junto a la actriz Mónica Buiza y una pantalla electrónica donde se proyectan escenas en las que aparece el dramaturgo para reproducir un diálogo poético entre ambos, incluso entre tres, además de un encuentro virtual en el que padre e hija interpretan algunos de los personajes más importantes del teatro clásico español.

"Ésta es indudablemente una experiencia muy emotiva para mí. Ojalá durante mi carrera hubiese tenido la oportunidad de subir con él a escena cuando estaba aún entre nosotros", expresa emocionada la actriz, que 'aterriza' en Castellón este sábado.

La sensualidad, la complicidad, la relación padre-hija, hombre-mujer, director-actor, queda absolutamente reflejada en este trabajo, al tiempo que el montaje y la tecnología aportan la modernidad a unos versos que, por grandes clásicos que son, nunca trasnochan. Versos divertidos, irónicos y 'modernos', que convierten a Una noche Blanca con los clásicos en una función elegante, pero con la picardía y la emoción de Adolfo Marsillach.

Y es que el dramaturgo hizo una selección de textos de los mejores versos de los siglos XVI y XVII, los escritos por poetas como Garcilaso de la Vega, Gutierre de Cetina, Fray Luis de León, Francisco de Quevedo, Luis de Góngora, Lope de Vega, Gil Vicente o San Juan de la Cruz, entre otros. Esta revisión de la obra de Marsillach padre, que dura alrededor de una hora, está dirigida por Ángel Ojea y es "es una gran ocasión para conocer a los clásicos españoles a través de Adolfo y Blanca Marsillach", según expone la protagonista.

La actriz garantiza diversión y sorpresa, la magia se apodera del escenario y es que Blanca está "absolutamente convencida de que a mi padre le llega esta obra, que el duende aparece y nosotras le sentimos y esperamos que también el público". "Hay momentos -dice- en los que noto su presencia y, como actriz, escucho al director y actúo".

Marsillacha recuerda cómo su padre le decía "sorpréndete siempre en escena, Blanca, y he llegado a entender lo que significaba, tomar cada representación como si se tratase de mi primera y última vez", reflexiona.

No es la primera vez, porque lleva con la obra año y medio de gira por España, y desde luego, a tenor del éxito cosechado hasta ahora, tampoco es la última vez. Pero sí es la oportunidad de Castellón de verdos generaciones de artistas 'sobre el escenario', deleitando con los clásicos.

Adolfo Marsillach, actor, dramaturgo y prolífico escritor, publicó no sólo teatro sino novela y sus memorias. Fue un gestor ejemplar, fundamental para la historia de la Cultura en España, ya que de su espíritu emprendedor nació, en 1978, el Centro Dramático Nacional y en 1985 creó la Compañía Nacional de Teatro Clásico.

Los primeros pasos de Blanca Marsillach en el teatro fueron precisamente de la mano de su padre en la obra Matahari. Continuó en el Teatro Clásico con José Luis Alonso en La Celestina y La Dama Boba, alternando su carrera (se formó en la Escuela de Drama en The University of Southern California) con el cine bajo directores de la categoría de Alberto Latiuada, Mario Monicelli y Javier Aguirre.

Ha colaborado en series de televisión como Segunda Enseñanza, y protagonizó Los Señores del Acero, junto a Rudger Hauer, dirigida por Paul Voerhoven. En Estados Unidos formó compañía para producir en inglés la obra Loco de Amor, de Sam Shepard y en esta etapa americana interpretó La Casandra de las Troyanas en el Mark Taper Hall de Los Angeles, California, y El Sueño de una Noche de Verano, de Shakespeare, ambas en inglés.

Hace tres años, Blanca inició en España su carrera como empresaria, llevando a cabo montajes como Las Entretenidas de Mihura, dirigida por Juan Pedro de Aguilar, La Noche al Desnudo de Michael Weller, dirigida por Pape Pérez, Con las Alas Cortadas de John Godber, dirigida por Ana Diosdado, y más recientemente, El Reino de la Tierra de Tennessee Williams, dirigida por Paco Vidal, en cuyo montaje, además participa como productora y adaptadora.

En 2008 inicia una nueva gira con Buscando a Hilary, cuyo guión marca el debut como escritora de su socia Elise Varela.


Fuente: Sandra Morales (www.elmundo.es)

23/2/11

Pere Arquillué, Premi Nacional de Teatre


El CoNCA ha anunciat aquest migdia quatre Premis Nacionals més. Els cineastes Judith Colell i Jordi Cadena reben el Premi Nacional de cultura en la categoria de cinema, "per l'autoria a quatre mans d'Elisa K (adaptació cinematogràfica del conte Elisa Kiseljak, de Lolita Bosch) tot conservant cadascú el seu estil, però sense perdre la coherència d'una història única, que ha merescut el reconeixement de la crítica nacional i internacional", ha dit el jurat.

El jurat distingeix el cantaor Miguel Poveda amb el Premi Nacional de cultura en la categoria de música "pel rigor i valentia de les seves propostes, sempre dotades d'un caràcter innovador. En el seu recent espectacle Historias de viva voz, estrenat a Sevilla, el cantaor badaloní va tornar a posar de manifest el seu talent inesgotable al servei del flamenc".

L'actor Pere Arquillué rep el Premi Nacional de cultura en la categoria de teatre "per la seva interpretació excel·lent de Primer amor de Samuel Beckett, en versió de Sanchis Sinisterra i traducció d'Anna Soler, en la qual l'actor aconsegueix agermanar uns registres de paraula i de gest excepcionals, realment innovadors". Arquillué ja ha obtingut enguany el premi Ciutat de Barcelona per aquest paper i el de Platonov.

Finalment, l'artista multimèdia i creadora audiovisual Mariona Omedes rep el Premi Nacional de cultura en la categoria d'audiovisual. En el seu veredicte, el jurat destaca "la seva capacitat de posar-se al servei de diversos projectes, traduint les intencions dels altres amb un llenguatge audiovisual propi, tal com s'ha demostrat en tres del seus treballs més recents: Barcelona visions de la primera metròpoli, a l'exposició sobre Ildefons Cerdà al Museu d'Història de Barcelona; l'audiovisual per l'obra de Tom Stoppard Realidad, i l'audiovisual del pavelló de Barcelona de l'Exposició Universal de Shanghai".

Font: www.ara.cat

Twittcol·loqui sobre 'Conte d'hivern'


Aquest dijous, després de la funció de Conte d’hivern, de William Shakespeare, una producció de la Factoria Escènica Internacional (FEI) dirigida per Carme Portaceli, tindrà lloc al teatre el que han batejat com a twittcol·loqui. La directora del muntatge i els actors establiran diàleg amb els espectadors de l’obra que es vulguin quedar i amb els twittaires que des de casa seva es connectin a la xarxa per formular preguntes a la companyia. Aquesta activitat arrenca amb voluntat de continuïtat amb la idea que es puguin fer twittcol·loquis a l’entorn de les obres que a partir d’ara es programin al teatre.

A partir de les 22.45h el diàleg es podrà seguir presencialment a temps real des del mateix teatre i mitjançant el twitter del Romea:http://twitter.com/teatre_romea

A l’espectacle, que fa temporada al Teatre Romea després d’estrenar-se al Temporada Alta, hi intervenen els actors Nao Albet, David Bagés, Neus Bernaus, Gabriela Flores, Albert Pérez i Manel Sans acompanyats dels músics Dani Nel·lo i Jordi Prats.

Font: www.ara.cat

19/2/11

Cara a cara entre Rigola y Belbel

Sergi Belbel y Àlex Rigola tienen muchas cosas en común: son directores teatrales de prestigio, dirigen dos grandes teatros públicos, están en el tramo final de esta etapa –Rigola cederá el testigo al final de esta temporada a Lluís Pascual y a Belbel le quedan dos años– y además acaban de triunfar con sus últimos montajes: tanto Gata sobre teulada de zinc calenta, planteada por Rigola, como Agost, de Belbel, han arrasado en la cartelera reciente, con ocupaciones del cien por cien, si eso fuera posible: a última hora, un resfriado siempre deja una butaca huérfana. La Vanguardia los reúne en su sede pocas horas después de que el conseller de Cultura, Ferran Mascarell, anuncie recortes en las ayudas públicas a las infrastructuras culturales “de hasta el 20%”.

¿Cómo afrontarán este recorte?

Sergi Belbel. El conseller y el secretario general ya nos las anunciaron hace unos días y nos hablaron del 15%. A los que ya venimos de recortes previos y dependemos del todo de la Generalitat intentamos que no afecte a la actividad artística, pero será imposible mantener el volumen. Y eso sucede cuando la afluencia es mayor que nunca.

Àlex Rigola. Nosotros igual, y eso es fruto de la consolidación de la programación y porque la gente no se gasta 200 euros en un turismo rural pero sí 15 en una entrada de teatro, hoy se busca una actividad lúdica más cercana. En le Lliure de Gràcia rozamos el 100%. Es una ocupación que parece exagerada para estos tiempos. Pero estas noticias no es que sean malas, son desastrosas. Porque se suman a otros recortes.

¿Y entonces?

À.R. Trabajamos bajo mínimos, y lo peor es que el recorte afectará a los artistas, porque en un día no puedes cambiar la estructura de la casa.

S.B. Ese es el gran problema.

À.R. Al final sólo tendremos grandes equipamientos, con material y personal pero ningún actor. Al final pondremos una nuez en medio de la escena y la iluminaremos. Debe haber un planteamiento porque siempre acaba sufriendo el artista, y por tanto el espectador. Al final tendremos que ir a competir comercialmente con el teatro privado. Pero hay algo peor. La cultura no ocupa ni un 1% si no me equivoco. No entiendo que Mascarell defienda estos recortes.

S.B. Se ve obligado.

À.R. Sí, pero es un papel triste. Están pensando a corto plazo. Si no se considera la cultura como eje vertebral de la identidad de un pueblo y por tanto de su economía, si no creemos que la cultura nos hace más inteligentes y cultos y que eso también hace crecer la economía, porque genera ideas, si no creemos que la educaci no acaba en la universidad... A la gente hay que seguir cultivándola, de forma libre, dando herramientas. Las TV tienen que dar carnaza para que te salgan los números, aquí no lograrás rentabilidad directa pero sí indirecta.

¿No es contradictorio que los teatros llenen si hay crisis?

S.B. La gente renuncia al ocio más caro, el teatro es relativamente barato. Pero añado que el teatro es una plataforma de debate muy auténtica, que te saca de casa, te pone junto a otras personas a compartir una experiencia muy auténtica, que no se puede pisar de forma digital, a diferencia del cine. Y la gente tiene cada vez más nivel cultural. La prueba es la ocupación del teatro público y la fidelidad que logra. En estas circunstancias hay que apelar a la imaginación y a la calidad. Si la bajamos, el público no nos perdonará.

À.R. La calidad viene dada porque el teatro siempre se está reconvirtiendo, no tiene nada que ver el que hacíamos hace 10 años. Estamos en continuo movimiento. En las salas grandes usamos el lenguaje que se experimenta en otras, el de gente que trabaja al borde del precipicio.

S.B. Para mí la rentabilidad no es parámetro para un teatro público.

À.R. Debe asegurar un equilibrio y una democracia cultural, ofrecer aquello que no ofrecen otros espacios, con los riesgos que ello supone. Si esto se tergiversa iremos a un espacio sin evolución y a la larga lo pagaremos. En teatro también hay i+d. Pero además es local, no nos sirve de mucho lo que estén investigando a 2.000 km.

¿Y se puede hacer más con menos o con menos sólo se puede hacer menos?

S.B. Se pueden suprimir escenografías, sustituir actores por robots... pero eso conlleva reducir los espectadores, así que estamos igual. En teatro no hay garantías de viabilidad. Desgraciadamente, lo que no se puede hacer más pequeño es el edificio, ese es un gasto fijo.

À.R. Yo envidio a las grandes sociedades culturales, como la francesa o la alemana. ¿Quién nos da lecciones? ¿Los americanos? ¡No! ¿Dónde se está haciendo mejor teatro? En Alemania, Francia, Bélgica… donde se tiene idea muy clara sobre cómo apoyar la cultura y donde todo se internacionaliza.. ¿Mecenazgo a la americana? ¿Que decida un empresario? ¿O alguien elegido democráticamentre? ¿Haremos lo mismo con la sanidad? Lo encuentro peligrosísimo.

¿Pero se puede hacer lo mismo con menos?

À.R. No. ¡Pobre Lluís Pascual! Acaba de entrar y no se como hará las próximas temporadas. ¿Por qué no hay una revolución de artistas? Porque no están fijos y no saben si has dejado de contratarlos. Nunca saben que has decidido hacer una obra de seis actores en lugar de una de doce.

¿Qué puede significar tangiblemente un recorte así?

S.B. Como teatro público me niego a hacer las obras en función del número de personajes. En el privado es lógico y lícito. Yo soy partidario de recudir el número de espectáculos pero no tocar calidad y número de actores. Si el TNC no actúa así no se quién lo hará.

À.R. En nuestro caso los parámetros son muchos. Un Shakespeare de 40 actores hay que ver cuánto lo reduces. No sólo por el espacio sino porque nuestra idea es que los espectáculos giren. Normalmente vamos de 12 actores hacia abajo. El Lliure ha llegado a estar muy bajo mínimos y ahora creo que entramos en problemas incluso de liquidez. Ya estamos en fase de pedir préstamos. La situación esta caldeada y complicada.

S.B. Hasta ahora sólo hemos hablado de crisis, cuando hay cosas que funcionan muy bien. Por ejemplo, el nivel de actores y espectadores ha crecido mucho. Y el teatro está en un momento dulce, pero si no encuentra herramientas puede acabar diluido y muerto.

Desde luego que hay signos positivos, por ejemplo están apareciendo nuevas salas pequeñas... ¿Cómo ven el ecosistema teatral local?

À.R. Hay buena complementariedad, tanto entre Lliure y TNC como con el Mercat y con otros espacios. Hemos trabajado en equipo bastante bien.

S.B. El funcionamiento ha sido modélico, sin pisarnos.

¿Qué papel tiene cada uno?

S.B. Suele atribuirse al TNC el teatro más clásico y al Lliure lo más contemporáneo. Yo creo que cada teatro se impregna de la personalidad de su director en tanto que creador.

¿Es mejor que un teatro lo dirija un creador o un gestor puro?

S.B. Yo creo que es mejor que las infrastructuras estén capitaneadas por un artista.

À.R. Aparte de estrategias artísticas, las casas deben tener personalidad propia, y esta se configura con el programa pero también con decisiones de la estética global y por eso debe estar relacionado con la creación. Eso sirve para la fidelización de artistas, coreógrafos... La continuidad da vida propia al teatro. Y por eso es importante que tenga un final y que los artistas no bloqueen los teatros.

¿Han tenido libertad?

À.R. Todos los partidos e instituciones que han pasado ante el Lliure nos han dado mucha libertad, Nos han permitido tener nuestros equipos y líneas. Y el que venga detrás decidirá qué continúa y qué no.

Han vivido muchos cambios políticos.

À.R. En mis ocho años he visto pasar cuatro consellers, con Mascarell que repite. Al menos él conoce los mecanismos. ¿En ocho años cinco consellers? ¿Qué pasa con la cultura? ¿No elegimos bien? No daré nombres, pero he visto pasar consellers que conocían el trabajo y el territorio y otros que estaban lejísimos de la profesion cultural.

¿Deberían tener los teatros públicos compañía estable?

S.B. Es un tema que colea desde la creación del TNC. Yo tímidamente he impulsado la T6, pero lo de una compañía estable será mi sucesor quien lo deba abordar. La compañía T6 podría ser un primer paso para la creación de una compañía estable para el TNC. Sólo puedo constatar cosas positivas. La complicidad que genera una compañía estable hace el trabajo mucho más fácil. Ahora tenemos un núcleo de cinco o seis fijos y un grupo que va cambiando, lo cual es la compañía estable ideal.

À.R. Yo lo veo totalmente inviable. Una compañía estable permite que con una mirada te lo digas todo, que te conozcas a la perfección. A mi me pasa con Joan Carreras. Es muy productivo para los espectáculos porque el tiempo que perderías en entrar en comunicación te lo ahorras.

¿Es caro el teatro?

S.B. En París las entradas del privado son mucho más caras que las del público. Llegan a 60-70 euros. Aquí eso no ocurre, no pagas 70 euros por un Ibsen.

À.R. Pero tiene que ver con el star system.

S.B. Claro, tienes reclamos como Jean Paul Belmondo...

À.R. ...o Kevin Spacey... S.B. ...o Kevin Spacey , claro.Aquí solo esta el caso de Sergi López, podría subsistir con el Non solum.

¿Hay vías verticales para que los jóvenes se abran paso? ¿Están contentos con sus laboratorios, el T6 y Radicals Lliure?

S.B. Una de las cosas que tengo claras es que me cargaré otras cosas antes que T6 en los dos años que me quedan. La gente joven tiene derecho a seguir trabajando y creando y entrar en el circuito. Yo tengo una lista de 40 creadores para el T6. No digo que todos sean buenos, pero creo que tienen derecho a una oportunidad. Como teatro nacional estoy moralmente obligado.

À.R. Radicals Lliure no se puede perder, pero por respeto al resto de artistas diré que debemos recortar de todos lados. Ni podemos abandonar el teatro internacional, porque es una fuente de aprendizaje y es un placer...

S.B. Qué dificil: ¿qué le pides al conseller? Sólo le podría pedir que sobreviva y que luche.

À.R. Hay un cargo en el que es muy difícil ponerse uno mismo. La complejidad de un cargo gerencial cultural es mucha.Sabiendo que es sensible al mundo cultural, le diría que sea más valiente y defendiera la cultura, y que sepa que nos tiene a su servicio, a su lado, para apoyarle.


Reportaje de video:

http://videos.lavanguardia.es/20110219/54116882829/belbel-y-rigola-debaten-el-futuro-del-teatro-publico.html


Fuente: Ignacio Orovio y Justo Barranco (www.lavanguardia.es)