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30/9/11

ELS BOJOS DEL BISTURÍ


TEXT: RAY COONEY
TRADUCCIÓ: JORDI PRAT
DIRECCIÓ i DRAMATÚRGIA: ÀNGEL LLÀCER
INTÈRPRETS: JOAN NEGRIÉ, DAVID VERDAGUER, CRISTINA SOLÀ, MARIA RIBERA, SUSANNA GARACHANA, PAU FERRAN, ÒSCAR MUÑOZ i ENRIC BOIXADERA
PRODUCCIÓ: FOCUS
TEATRE CONDAL

Volia riure i he rigut. I molt amb una de les parelles còmiques més potents de la nova temporada teatral de Barcelona, Joan Negrié i David Verdaguer. Els bojos dels bisturí és una comèdia d'embolics, un vodevil, fet única i exclusivament perquè el públic gaudeix. Segons el seu director, l'Àngel Llàcer, a la vida ja tenim prous maldecaps com que a l'asseure'ns a una butaca ens facin veure més. De tant en tant està bé riure, encara que les situacions que se'ns presentin sigui del més absurd.

La història gira sobre la conferència que ha de pronunciar el doctor Guillem Salgado i que només en té una hora per acabar d'enllestir. Evidentment, un munt de personatges estranys se li creuran pel camí per evitar que ho faci posant-lo en les situacions més absurdes del món. Entre ells, el Robert Bonet (David Verdaguer) un altre metge de l'hospital i el millor amic del Guillem. La Joana Melón (Cristina Solà), una antiga infermera del centre, amb qui el doctor Salgado compartirà una de les escenes més còmiques de l'espectacle. L'Amanda (Maria Ribera), la dona del Salgado o la infermera -cap (Susanna Garachana), que pateix episodis de narcolèpsia en els moments més inoportuns.

Com defineix l'estil del vodevil, a Els Bojos del bisturí les portes s'obren i es tanquen a gran velocitat, els embolics per ocultar una infidelitat portaran a les situacions còmiques més absurdes, però algunes, fins i tot, molt forçades. Llàcer ha optat per adaptar l'obra i fer-la totalment catalana. El centre hospitalari és l'Hospital del Mar de la Barceloneta, el personal assaja una obra per Sant Jordi, amb senyera i drac, quan s'obren les persianes apareix l'skyline de Barcelona, fins i tot s'adaptat els acudits per fer-los aptes a casa nostra.

La comèdia funciona, el públic riu, s'oblida durant dues hores que portes fora no hi queden gaires coses de les que riure. L'objectiu que es proposava l'Àngel Llàcer s'ha complert. Venia a riure i he rigut, no es pot demanar més.

La Villarroel exorcitza la crisi amb 'L'any que ve serà millor'


Carol López ha reunit un nou equip de dramaturgues per escriure a quatre veus L'any que ve serà millor, un espectacle fet de retalls de vida quotidiana amb el segell de la mala baba i la ironia que a ella li va donar l'èxit de Germanes. "Això no és una obra de teatre, és un espectacle", diu López de l'obra que es comença a representar a La Villarroel des d'aquest divendres. "No té recorregut narratiu no és com una història", explica Sàrrias. "És un patchwork, molt fragmentari, fet d'improvisacions, que connecta amb el que passa ara i amb el món que ens envolta: el desig, la dona, les persones en general". Buchaca reivindica que no és una obra sobre les dones, ni de temes femenins, malgrat que les autores i actrius siguin dones. "Són quatre persones que passen per situacions en les quals tots ens podem sentir identificats", diu Mercè Vila, la directora, debutant en una sala comercial de mitjà format. La comparació amb les primeres obres de les T de Teatre té sentit, sobretot referint-se a la proximitat dels temes que tracten, tot i que l'estètica i l'estil n'estiguin allunyats.    
Quatre intèrprets pràcticament desconegudes (Neus Bernausm, Alba Florejachs, Mireia Pàmies i Vanessa Segura), escollides per càsting, han estat les seves maniquís que han ajudat a confegir un espectacle viu, modern, quotidià. Essencialment divertit i jove. "El mercat està molt tancat i hi ha poques oportunitats per treballar si no ets mediàtic. Està bé que la gent vingui al teatre a sentir històries i no a veure cares conegudes", ha dit a la presentació. 
Font: Laura Serra (www.ara.cat)

Frontera humana


Fa una dècada que el centre de creació i investigació del cos i el moviment, l'Animal a l'Esquena, situat al Mas Espolla de Celrà, gestionat per la companyia de dansa Mal Pelo, es mostra com un dels agents culturals més actius de la demarcació. Una dècada després, l'Animal a l'Esquena, que ha estat la seu de nombroses residències de creació i experiències relacionades amb el pensament contemporani, també és un centre de referència pel que fa a les arts escèniques. Durant aquests deu anys, la direcció del centre ha anat a càrrec de Maria Muñoz, Pep Ramis i Toni Cots. El 2011, però, aquest equip, a causa de “la necessitat de diversificar projectes amb inquietuds i perfils diferents”, s'ha separat, de manera que Muñoz i Ramis compartiran la direcció del centre en el futur, amb la voluntat de treballar per “preservar la continuïtat i el desenvolupament dels diferents eixos temàtics”.
Un dels interessos de la direcció artística del centre és “crear un diàleg entre ciència, hàbitat i creació”, una línia que recorda a la que havia emprès ja fa uns anys el festival Panorama d'Olot, que també vinculava el fet creatiu amb l'hàbitat. És en el marc d'aquesta directriu que s'ha d'emmarcar el Bhum! (Human Boundary Manifesto / Manifest Frontera Humana), el primer cicle de la nova etapa –que se celebrarà des d'avui fins al 8 d'octubre– que inclou el concert de Laboratorio Funk, les accions artístiques Entre cel i terra (Jordi Galí) i Refugis, cabanes i altres construccions efímeres; un recorregut per instal·lacions i actuacions de diferents creadors vinculats al centre pels voltants del Mas Espolla de Celrà, i un sopar a càrrec de Menjador Solidari de Celrà. També s'emmarca en aquest cicle, inclòs en el Festival Temporada Alta, el seminari Creació, natura, cos i escriptura (del 3 al 8 d'octubre), que serà una trobada de creadors, científics i editors per compartir el seu interès per la relació existent entre els quatre ítems de l'enunciat del seminari.
Avui (18h) es presentaran els laboratoris Entre cel i terra, a càrrec de Jordi Galí, en col·laboració amb Pep Aymerich, Pep Ramis i Xavier Bobés, un procés de construcció en un entorn natural, en què “el cos i l'objecte són l'eix físic i poètic”. També es presentarà el projecte Refugis, cabanes i altres construccions efímeres, per tancar (23.30h) amb el concert de Laboratorio Funk, una formació que combina la música instrumental amb els audiovisuals i que presentarà la proposta Sunk in LB FUNK. Dissabte 1 d'octubre (18h) es donarà continuïtat als laboratoris de construcció, a més del sopar (tiquets exhaurits) i la festa Bhum!, amb instal·lacions i actuacions de diversos artistes com Andrés Corchero, Los Dos Los, Jordi Casanovas, Maria Muñoz, Loscorderos o Baró d'Evel, i la música del Dj's Malicia de Luxe. Diumenge es clouran les activitats amb la continuïtat de la proposta Refugis, cabanes i altres construccions efímeres, per donar pas l'endemà al seminari, en què els participants proposaran una acció performativa en l'entorn del Mas Espolla. Totes les activitats (menys el sopar) són obertes i gratuïtes, i el seminari s'obrirà tota la jornada del dissabte 8 d'octubre.
Font: Dani Chicano (www.elpuntavui.cat)

Oriol Broggi dirigeix un altre 'Hamlet' especial


El Teatre l'Atlàntida de Vic estrena la temporada 2011-2012 aquest divendres amb l'obra de teatre Hamlet, en una nit d'estiu, dirigida per Oriol Broggi. Es tracta d'una experiència de teatre social que vol integrar i promoure la participació de persones usuàries dels serveis de salut mental del Centre Mèdic i Psicopedagògic d'Osona i ho combina amb actors de primer nivell com Clara Segura, Xavier Boadaella, Ramon Vila, Màrcia Cisteró i el músic Jaume Sisa.
Shakespeare "posa els seus personatges al límit de la realitat i la ficció, com alguns dels actors amateurs, cosa que et fa replantejar la vida d'una manera poètica i especial", explica Broggi. L'obra parteix de textos del dramaturg William Shakespeare, seleccionats per Oriol Broggi, que parlen principalment de teatre i d'equívocs.
Catorze actors amateurs amb problemes de salut mental, set actors professionals, terapeutes i fins i tot el mateix director participen en l'obra. Broggi ha explicat que des d'un principi no havia de participar a l'espectacle, "però durant els assajos hi he anat participant i acabo essent una espècie de director que sempre té el paper a la mà i va donant voltes per l'escenari". El director ha assenyalat que això "a ells els fa gràcia i a mi m'ajuda a tenir organitzada l'escena".
L'obra, que es va començar a gestar a principis de febrer, s'estrena aquest divendres coincidint amb l'inici dels actes de la programació al voltant del Dia Mundial de la Salut Mental, que se celebra el 10 d'octubre.
Font: www.ara.cat

El gest, a escena

La catorzena edició del Festival Internacional de Moviment i Teatre Gestual de Reus, el Cos, es desenvoluparà del 14 al 23 d'octubre amb la participació de 19 companyies (sis menys que l'any passat) i un 14% menys de pressupost (112.500 euros). Tot i la tisorada en el pressupost, el certamen, que organitza el Centre d'Arts Escèniques de Reus (CAER), manté els eixos que l'han consolidat al país com un certamen de referència en el teatre de gest: el foment de la creació local, l'aposta per joves companyies i la formació. 

En creació local, destaquen espectacles com M'agraden les fruites tropicals, de La Gata Borda, i Projecte gent, una proposta d'Helena Escuté en què participen actors amateurs i gent gran de Reus. L'aposta per la joventut quedarà reflectida sobretot pels espectacles del projecte eMix, que implica quatre festivals de teatre d'Europa i que vol promoure el mim i el teatre visual. Els muntatges que es presentaran a Reus seran els de les companyies L'Optimiste et Paolino&Co (França), Spettatori (Suïssa) i La Passionata Svironi (França-Israel). Pel que fa a formació, el Cos ofereix un taller de dansa que imparteix Mar Gómez i Xavier Martínez i un curs de formació en màscares i titelles de Luca Ronga. 

Les companyies catalanes Clownic (Tricicle), Raül Grau, Pere Hosta, La Nevera, Moveo i la producció del CAER Perdiendo el tiempo, de Mar Gómez i Ignasi Gil, conviuran en aquesta edició amb grups de diversos països europeus. En destaca el muntatge La carta, un clàssic de la comèdia creat el 1992 per Paolo Nani, i la proposta Room 17B dels nord-americans Parallel Exit, que fa dos anys van triomfar al Cos amb l'espectacle de claqué Time step.

Font: Natàlia Borbonès (www.elpuntavui.cat)

El FIBA internacionaliza la rica escena teatral porteña


Buenos Aires se jacta de ser una de las ciudades con más teatros del mundo. Tiene 187 salas, más o casi tantas como Nueva York, Londres, París o Madrid. El debate que está detrás de esa cifra es si la calidad acompaña la cantidad. Es una discusión que ha reverdecido en la nueva edición del Festival Internacional de Buenos Aires (FIBA), la bienal de la dramaturgia que se celebra en una de las capitales más reconocidas de la materia.

El Gobierno porteño, conservador, ha puesto mucha energía en este festival, pese a que la comunidad teatral en general critica que durante el resto del año apoya poco la actividad. El FIBA nació en 1997 y desde entonces pasaron alcaldes de diversas ideologías, pero siempre se celebró. El director artístico de la octava edición, que comenzó el pasado sábado y finalizará el 8 de octubre, es Darío Lopérfido, el mismo que lo creó y lo dirigió en 1997 y 1999.

"Buenos Aires no tenía en aquel tiempo un festival como tienen Bogotá o Caracas", recuerda Lopérfido. "Extrañamente no tenía, pese a ser una ciudad con una impactante y permanente cartelera teatral. ¿Pero entonces qué papel podía tener un festival en una ciudad así? Sirve para no correr el riesgo de que el público no confronte con otras estéticas del resto del mundo, de que nos quedemos en lo autorreferencial. El FIBA se ha convertido en un lugar de discusión mundial de estéticas. Hay riqueza por los que vienen y por lo que ven aquí", cuenta el director del festival.

El FIBA siempre se ha distinguido por permitirle al ávido público teatral de Buenos Aires el acceso con entradas baratas a espectáculos de categoría internacional. Por ejemplo, en 1997 Berliner Ensemble presentó allí La resistible ascensión de Arturo Ui, de Bertolt Brecht. En 1999 el alemán Christoph Mathaler dirigió Murx, una velada patriótica, y en 2007 el francés Théâtre du Soleil trajo Les Éphémères. "Asombrar al público porteño es difícil porque cada fin de semana tiene 80 espectáculos para ver en salas y hasta en casas", cuenta Lopérfido. "Es un público que investiga y averigua. Por eso el FIBA tiene que empeñarse más en impactar", cuenta el director de este festival, uno de los más importantes de Latinoamérica, junto con los de Bogotá, Santiago de Chile y Porto Alegre.

Desde la comunidad teatral de Buenos Aires se criticó que este año se había reducido el número de espectáculos extranjeros que habían venido (son 14 en total), pero también que se privilegiaba demasiado a estos en detrimento de la producción local, tanto en el apoyo económico como en la disposición de las salas. En paralelo al FIBA, la asociación Espacios Escénicos Autónomos organiza el festival Escena en teatros más pequeños. Lopérfido, sin embargo, destaca que el FIBA presenta 34 obras argentinas y, sobre todo, la posibilidad de que sean vistas por programadores internacionales que acuden al FIBA a la caza de buenos espectáculos para llevárselos a otros países.

Agustín Mendilaharzu es el coautor y director de una de las piezas más destacadas de la actual cartelera del teatro independiente de Buenos Aires, Los talentos, y califica al FIBA, en el que participa por primera vez, como el principal festival teatral de Argentina, pero no deja de quejarse por las arduas negociaciones que tuvieron que hacer todos los artistas para que el Gobierno porteño les mejorara la paga y les permitiera hacer más de una función. "Yo nunca había asistido al FIBA ni como espectador porque es una fatiga conseguir entradas, pero es importante participar, porque permite el acceso popular al teatro argentino y a espectáculos prestigiosos de los países centrales, como los de Peter Brook. Además, es importante estar, porque los programadores internacionales vienen con mucho interés", añade Mendilaharzu.

En Argentina existe mucho teatro independiente, pero con mucho esfuerzo. "Aquí el teatro independiente no da buenos dividendos, sino que se gana para el pancho [perrito caliente] y la Coca-Cola", reconoce Mendilaharzu, que forma parte de una cooperativa teatral y que en una buena semana puede cobrar no más de 34 euros. "En cambio, si conseguimos viajar al exterior, ahí sí se consigue mejor dinero", añade el dramaturgo y también cineasta. De ahí la relevancia de espacios como el FIBA.

"El FIBA es importante por las visitas extranjeras, que siempre dinamizan la creación local, esperado como vidriera a otros mercados teatrales e importante en tanto puede sintetizar una actividad arrolladora como la que se lleva a cabo en esta ciudad tan teatrera", opina Juan Pablo Gómez, coautor y director de El hueco, que también se presenta en el FIBA. Pero este dramaturgo también critica la política cultural del alcalde de Buenos Aires, Mauricio Macri: "Eventos de alto impacto mediático regados con resonantes figuras internacionales en detrimento de un verdadero plan de fomento a la actividad, recortes presupuestarios y utilización espuria de los teatros pertenecientes a la ciudad".

El público arrasó con las entradas a los pocos días de ponerse a la venta. Antes de abrirse las taquillas había colas de 200 metros para comprar tiques, que cuestan desde 1,37 euros para las obras argentinas hasta 16,50 para el espectáculo más caro de origen extranjero.

De aquí i de allá

La programación de la edición 2011 del FIBA incluye 14 compañías de Alemania, Brasil, Chile, España, Francia, Reino Unido, México, Suiza y Uruguay. Con un gran éxito de público, ya han actuado las dos representantes españolas: la cantaora flamenca Estrella Morente y Angélica Liddell, con su monólogo Yo no soy bonita, sobre la violencia de género, que despertó mucha curiosidad no solo de los espectadores, sino también de los profesionales del teatro y psicólogos que la escucharon disertar fuera del escenario.

El FIBA comenzó con el Hamlet del alemán Thomas Ostermeier. También se presentarán ¡Te estoy mirando a los ojos, contexto social de ofuscación!, que escribió y dirige el alemán René Pollesch; la versión del británico Peter Brook de Una flauta mágica, y el monólogo del francés Patrice Chéreau El gran inquisidor. Entre las obras argentinas se destacan Ala de criados, de Mauricio Kartun; La familia argentina, de Alberto Ure y dirigida por Cristina Banegas; El secuestro de Isabelita, de Daniel Dalmaroni; Los talentos, de Agustín Mendilaharzu y Walter Jakob, y El hueco, de Juan Pablo Gómez.

Fuente: Alejandro Rebossio (www.elpais.com)

El espectáculo de la danza integradora


Lo llaman danza integradora o inclusiva y sirve para normalizar la presencia de personas con discapacidades sobre el escenario. "Superada la sorpresa inicial, al rato se te olvida que, por ejemplo, el actor necesita una silla de ruedas para moverse. Y esa persona pasa a ser un bailarín más", explica Jordi Cortés, coreógrafo responsable de Black out, un montaje que llega a la madrileña sala Cuarta Pared, tras su paso por Barcelona, y en el que participa una persona con silla de ruedas.
"Es una manera de normalizar el hecho de que puedes trabajar con bailarines o actores que también tienen sus particularidades. Y se pueden potenciar esas capacidades y jugarl a nuestro favor, de una forma creativa, algo que siempre ha sido visto como una minusvalía o invalidez", indica Cortés.
"Nosotros corremos o caminamos. Ellos ruedan. Es una integración que ha ocurrido de forma natural", afirma el coreógrafo, que empezó a trabajar con personas con "diversidad funcional" en 2001, a través de un amigo bailarín, Adolfo Colmenares, que había quedado ciego seis años antes.
Black out, estrenada en Barcelona hace un año, es una obra sobre dualidades en la que toman protagonismo el enfrentamiento y la complementariedad de la luz y la sombra. "Buscamos mostrar la cara amable, divertida y tierna de la sombra, que no lo sombrío es siempre algo negativo, y también la cara dura, terrible o tenebrosa de la luz", señala Cortés. De ahí también que se juegue en este montaje a romper las reglas del teatro: oscuridad para los actores, luz para el público que les observa.
El coreógrafo apuesta así por romper las supuestas limitaciones del cuerpo humano Mercedes Recacha, Maxime Iannarelli, Raül Perales y Maria José Moya 'La Jose', responsable en este caso de llevar a escena la silla de ruedas que le acompaña en su vida habitual.
Fuente: Lucía González (www.elmundo.es) 

Barcelona se vuelca con 'Los Miserables'


La noche comenzó con un montaje en vivo de música y color en la Font Màgica de Montjuïc y siguió con la llegada del público y de los numerosos invitados. Al fin y al cabo, Barcelona estaba viviendo el estreno de uno de los acontecimientos más significativos de esta temporada teatral y de unas cuantas más. Sin duda. No todos los días se levanta el telón –es un decir– a una producción tan espectacular y poderosa como Los miserables, una de las producciones más memorables del pasado cuarto de siglo.
El Barcelona Teatre Musical (BTM) presentaba un aspecto bien aseado y con una redistribución de sus accesos internos más racionales. Como toda sesión de estreno, el arranque de la función se retrasó levemente –era incesante el goteo de celebrities de todo ámbito y escalafón que tenían anunciada su asistencia: Rafael Amargo, Ricky Rubio, Jordi Sánchez, Àlex Batllori, Nausicaa Bonin, Laia Ferrer, Jordi Bosch, Roger Pera, Francesc Orella, Toni Albà, Elena Gadel, Santi Millán, Mònica López, Alejandra Prat, Ferran Rañé o Mireia Ros–, aunque la expectación ya se percibía desde mucho antes. Por cierto, la clase política, grande o pequeña, hizo un clamoroso mutis por el foro.
Seguramente desde poco después de estrenarse originariamente en Londres, en 1985, y muchos años más tarde, con esa producción que nos llega renovada de arriba abajo, al poco de finalizar su visita a Madrid. De hecho, el mismo plantel local que dio vida a la superproducción en Madrid hasta hace unos tres meses permanece en el reparto de la obra, es decir, los actores Gerónimo Rauch, Ignasi Vidal y Daniel Diges; el director del nuevo montaje, James Powell, y el llamado director residente, Víctor Conde. Además de Powell –personaje fundamental en esta relectura escénica que hace unos días aseguró que "el BTM ayuda a presentar la historia de forma épica al tratarse de un espacio muy amplio, que facilita que el show tome cuerpo del mismo modo en que fue concebido originalmente"–, a la función de ayer también se pudo ver al mítico productor Cameron Mackintosh, auténtico padre de esta criatura musical así como de Miss SaigónEl fantasma de la óperaMary PoppinsMy fair lady... Y, en fin, junto a éste, se pudo distinguir a Claude-Michel Schönberg, responsable del libreto y la música (interpretada anoche en directo por una muy competente formación orquestal), que subió al escenario y prorrumpió en un espectacular "¡que empiece la fiesta!".
Los miserables gustó ayer y ha gustado durante, ya, 26 años porque tiene tras de sí una historia excitante y novelesca de primer orden firmada por Víctor Hugo: una narración de épica y de redención, la historia de un hombre, Jean Valjean, que huye de la implacable ley, que no justicia, en la Francia post revolucionaria y cuyo destino a lo largo de los años le llevará a encontrarse con el amor y el coraje de unos pocos y la miseria de muchos. Lo más importante: más de 130 años después, los temas tratados en la obra aún siguen vigentes y cercanos para el público, como la lucha por la libertad, la valentía, el coraje y la paz. Según confesó Mackintosh a este diario hace unos días, "una temática que en los tiempos actuales se encuentra con un público especialmente sensibilizado".
La escenografía es relativamente nueva y le dota de un aire actual, moderno y eficaz a lo que transcurre en el amplio escenario: proyecciones de los dibujos realizados en su día por Víctor Hugo junto a fotografías francesas del siglo XIX, todo unido a telones pintados basados en la abstracción y lo paisajístico.
Fuente: Esteban Linés (www.lavanguardia.es)

29/9/11

DIES FELIÇOS


TEXT: SAMUEL BECKETT
DIRECCIÓ: LURDES BARBA
INTÈRPRETS: SÍLVIA SABATÉ i MINGO RÀFOLS
PRODUCCIÓ: WINNIE PRODUCIONS
ALMERIA TEATRE

Hi ha vegades que penso que hi ha textos teatrals que només estan escrits per ser llegits i no representats. Encara que això sembli una contradicció, un bon exemple ha arribat a les nostres cartelleres. Una peça del Samuel Beckett més pur, però on l'acció teatral brilla per la seva absència. 

A Dies Feliços, Beckett retrata com l'ésser humà es capaç d'adaptar-se a tot i sobreviure lluitant contra tot i contra l'avorriment i la mort. Un monòleg que la protagonista, Winnie (Sílvia Sabaté) recita des de darrera d'una muntanya d'escombraries i pedres amb interpel·lacions al públic i al seu home, Willie (Mingo Ràfols) que només emet gemecs de dolor i d'altres petits sorolls. Winnie interpel·la al seu marit perquè li parli, però com d'altres matrimonis la seva comunicació fa temps que s'han trencat.

Sílvia Sabaté aprofita l'oportunitat de lluïment que li concedeix el text com a única protagonista de l'obra, però per molta capacitat gestual que aporti, la profunditat del text i l'absència de moviment del cos, converteix l'exercici en un cúmul de repeticions innecessàries i, que a la llarga es fan pesades. El paper purament testimonial del Mingo Ràfols tampoc ajuda a sortir del sopor que produeix el conjunt del muntatge.

L'Almeria Teatre ha decidit celebrar el 50è aniversari de la seva estrena a Nova York portant-nos a la cartellera de nou una de les peces més conegudes de l'autor, la qüestió és que l'estatisme que demana l'obra fa que no només Winnie hagi de lluitar contra l'avorriment sinó que mitja platea s'ho estigui qüestionant durant l'hora i mitja que dura l'espectacle.

Spacey convierte a Ricardo III en un dictador del s. XX


El grito de muerte de Ricardo III ("un caballo, un caballo, mi reino por un caballo") se escuchó anoche en Avilés con la estremecedora fuerza del actor estadounidense Kevin Spacey, quien estrenó en el teatro Palacio Valdés de la localidad asturiana la versión de esta crónica histórica de William Shakespeare que él interpreta y Sam Mendes dirige. Con la camisa blanca ensangrentada y el rostro desencajado, el actor entregaba su piel a un público que saltó como un resorte de sus butacas para ponerse en pie y ovacionar las tres horas largas de traición y sangre de una obra sin tregua. Un Ricardo III que, en manos de Spacey, toma el uniforme de un dictador del siglo XX para ofrecernos su deformidad y su ambición no como un hecho histórico sino como un hecho del presente.

Con todas las entradas agotadas desde hace semanas y los hoteles de Avilés completos, Spacey (que durante la gira evita cualquier encuentro con periodistas) estará en cartel hasta el próximo sábado. Serán las cinco únicas representaciones que se verán en España. Actores como Lluís Homar, Gonzalo de Castro y Verónica Forqué o el cantante Joan Manuel Serrat acudieron anoche a la primera representación. Además, Spacey ofrecerá mañana por la mañana una clase magistral de interpretación a un grupo de estudiantes de teatro en el Centro Niemeyer, coproductores del montaje. Según el actor, se trata de algo que aprendió de su mentor y maestro, Jack Lemmon: desplegar generosidad con los que llegan.

El montaje (que se estrenó en junio en el Old Vic de Londres, teatro que dirige Spacey) sitúa la acción en una fecha indefinida de principios del siglo XX y en un escenario en el que un juego de 16 puertas marca los tiempos, las salidas y entradas de las situaciones. La acción, que acaba y empieza -como en muchas de las crónicas históricas de Shakespeare- con un rey muerto, se mueve por una corte de víctimas manejadas por su cruel verdugo. Una cadena de crímenes en la que no hay piedad ni para los niños. La sed de poder de Ricardo, duque de Gloucester, su astucia, su capacidad de manipulación, su falta de piedad, le convierten en uno de los personajes más malvados y más fascinantes de Shakespeare, y Spacey lo llena de una energía bipolar, saltando sin respiro del susurro al grito, de la caricia al puñetazo, del deseo a la muerte. Una demostración de fuerza técnica, física e imaginativa que le permite construir un personaje exagerado, de cuyos tentáculos es difícil escapar.

Arropado por un elenco de actores-víctimas de su cruel espada, Spacey mantiene el pulso con cada uno de ellos, entre los que cabe destacar a su fiel esbirro Buckingham o a las reinas Isabel y la desquiciada y espectral Margarita ("Yo tenía un Eduardo, hasta que Ricardo lo mató. Yo tenía un esposo, hasta que Ricardo lo mató. Tú tenías un Eduardo, hasta que un Ricardo lo mató. Tú tenías un Ricardo, hasta que un Ricardo lo mató").

Pentámetro yámbico

A ritmo de pentámetro yámbico se suceden 14 años de la historia de Inglaterra, una historia que renació en manos de la imaginación de Shakespeare, cuya obsesión por los laberintos del poder ya quedaron escritos en esta obra temprana en la que, según declaró hace unos meses Spacey, se dibujó el perfil esperpéntico de dictadores de hoy como "Gadaffi o Mubarak".

La versión de Mendes y Spacey es uno de los montajes enmarcados dentro de esa revisión de los clásicos de manos de actores angloamericanos en la que se ha embarcado el director de American beauty con su The Bridge Project. "Desde que concebí la idea del Bridge Project siempre tuve la intención de que Kevin actuase el último año", declaró también en su día el director en Londres. "Siempre pensé, incluso antes de conocerlo y de ver películas como Seven o Sospechosos habituales, que era por su brillante técnica un actor nacido para interpretar Ricardo III".

Fuente: Elsa Fernández-Santos (www.elpais.com)

"Una historia potente hace un buen musical"


El reto era presentar un musical que tiene 25 años y adaptarlo a un público moderno, sin que ello signifique perder el impacto de la producción original", reflexiona Cameron Mackintosh ante el estreno de Los miserables esta noche en el Barcelona Teatre Musical (20.30 h). El montaje es el mismo que se pudo ver el pasado año en Madrid, es decir, con un presupuesto de 3,5 millones de euros, dirigido por Víctor Conde y protagonizado por Gerónimo Rauch, Ignasi Vidal y Daniel Diges. La versión que se verá en Barcelona la concibió el propio Mackintosh con motivo del veinticinco aniversario del estreno de la obra en el Barbican de Londres y se basa en el clásico de Víctor Hugo, de mediados del siglo XIX.
Usted ha seguido de cerca el montaje en Barcelona de Los miserables. como ya lo hizo hace un año en Madrid. ¿Es necesario hacerlo con una obra que prácticamente ya marcha sola?
Estoy muy orgulloso de mi nueva producción y es la primera vez que venimos a Barcelona. La razón principal por la que tengo éxito, de que gran parte de mis producciones sigan en cartel y de que las nuevas versiones se aguatan muy bien es que cuido mucho los detalles. Piense que en los próximos cinco años voy a tener cuarenta producciones diferentes repartidas por todo el mundo a partir de los siete musicales que ahora mismo gestiono: Los miserablesEl fantasma de la óperaCatsMiss SaigónOliver!My fair lady y Mary Poppins, lo que me obliga a racionalizar mucho mi tiempo. Y ahora, a punto de cumplir 65 años, me voy a estrenar como productor cinematográfico.
¿Por qué ha decidido meterse en el mundo del cine?
Desde que empecé con esta producción, siempre quise llevarla al cine. Vendí los derechos en 1987 a Sony pero nunca llegaron a hacerla. Y eso nos ha ido muy bien porque Los miserablesha continuado siendo un éxito y es la producción que ahora mismo triunfa más en Londres después de 26 años de su estreno. Lo que ha ocurrido allí en los últimas tres temporadas ha sido brutal. La película, pues, ha sido una consecuencia lógica y queremos que esté a la altura. Comenzamos a rodarla en marzo y la dirigirá Tom Hooper [el realizador de El discurso del rey], que contará con Hugh Jackman y Russell Crowe.
El éxito parece asegurado.
Todos son muy buenos profesionales. Por cierto, Russell me recordó no hace mucho que la primera audición que hizo en su vida fue para Miss Saigón en Australia y fui yo quien le dijo que no servía. Ya ve...
El tópico dice que el musical es un espectáculo de evasión, y especialmente en épocas de crisis. ¿Es sólo un tópico?
La verdad es que si lo piensa bien, lo que ahora conocemos como ópera antes era el teatro musical popular, y las óperas que se han acabado convirtiendo en clásicas son las que tenían una historia potente: La traviataRigolettoLa bohèmeCarmen. En mi carrera siempre he buscado un buen material de base. Víctor Hugo, Dickens... Verdi decía siempre que el secreto de una gran ópera era un gran libreto.
¿Una gran historia necesita una gran música?
Quizás, pero los diez mejores musicales de siempre invariablemente cuentan con una historia sólida, como West Side Story o My fair lady. Y no al revés.
¿Es una casualidad que las temporadas teatrales actuales en todo el mundo estén repletas de musicales?
En los años 30, triunfaban el cine popular y el teatro musical. pero en los últimos 10 o 15 años el público que asiste a los musicales ya no sólo es de clase media y de mediana edad, sino que es joven y lo considera algo cool. No es sólo la crisis, sino nuevos hábitos y el notable papel de internet.
¿Por qué cuesta tanto que se consoliden nuevos títulos de musicales?
He producido un musical enteramente nuevo que se llama Betty blue eyes. Se estrenó hace medio año en Londres, las críticas fueran unánimes y entusiastas, pero cierra en una semana. Por alguna razón no ha aguantado más de seis meses. Igual no funcionó el boca-oreja. Musicalmente es mucho mejor que Cats El fantasma..., pero no podemos prever cuál va a ser el veredicto del público. Él siempre decide.
Fuente: Esteban Linés (www.lavanguardia.es)

Estem predestinats?


El projecte artístic de la sala La Planeta es va completant a poc a poc. En l'anterior edició de Temporada Alta ja va fer un pas important amb l'estrena de l'obra Ens hauríem d'haver quedat a casa, del gironí Llàtzer Garcia, que es veurà l'any vinent a la sala Muntaner de Barcelona, i aquest any es referma la línia amb l'estrena, demà (21h) –també dissabte (21h) i diumenge (18h)– de Dinou, del també gironí (Medinyà) Ferran Joanmiquel. La direcció de La Planeta deixa, doncs, patent el seu suport a la nova autoria catalana i gironina, ja que a les estrenes d'aquestes obres cal afegir l'organització del cicle anual Diàlegs a Quatre Bandes, que serveix per donar a conèixer nous textos i autors i, properament, gràcies a Temporada Alta, el singular i interessant Torneig de Dramatúrgia, que se celebrarà a la sala gironina, que enfronta autors catalans consolidats amb nous dramaturgs i que durà a Girona primeres figures de la interpretació. Pere Puig, director artístic de La Planeta, afirma que per tot això, “La Planeta es converteix en una sala dedicada als nous autors catalans, i això ens agrada i ens interessa”.
La Planeta, segons Salvador Sunyer, director del festival, és una sala “on passen coses tot l'any, no només durant tres mesos”, i té totes les virtuts de les “coses gironines i cap dels seus defectes”, això és: provincianisme. Que una producció tingui sabor local no és un requisit indispensable, és un valor afegit important si la producció manté uns nivells de qualitat equiparables a les millors produccions que es puguin fer a la capital catalana.
Primera aventura
Dinou és la primera aventura seriosa de Ferran Joanmiquel en l'àmbit professional. N'és l'autor, però també n'ha assumit l'ajudantia de direcció, que ostenta Carles Fernández Giua (El muntaplatsLa conquesta del Pol Sud, premi Quim Masó), un dels directors d'escena puixants del panorama teatral català. Joanmiquel va explicar ahir que l'obra tracta sobre la “recerca del pare absent”. Un jove, en Cesc, té un propòsit ferm, que és demostrar que la quimera que perseguia el seu pare, un enginyer aeroespacial mort en un accident que provava de fer possible viatjar a través del temps, és factible. A partir d'aquest plantejament, segons Joanmiquel, es tracta de mostrar com el pare, tot i que és absent, és sempre present, “com un forat negre que absorbeix la resta de personatges”, diu l'autor, que afegeix que el noi admira el seu pare, al qual ja en vida veia poc, i al mateix temps l'abomina per no haver-li dedicat més temps. En la recerca del pare, en Cesc haurà de descobrir-se ell mateix i constatarà com tendeix a repetir el model patern, de manera que entra amb força el tema del destí, de la predeterminació.
Per a Carles Fernández Giua, el que el va atreure del text va ser el protagonista com a model de “persona que creu que el somni és possible, i que té capacitat per arrossegar la resta.” Giua compta amb un repartiment molt jove, format per Albert Carbó (Els nois d'història), que és el protagonista, els banyolins Laura Pujolàs, (Ulls de bruixa), Pau Vinyals (Hikikomori) i Jasmina Garcia, i els gironins Nil Cardoner (a TV,Polseres vermellesInfidels i Zoo) i Cristina Cervià, actriu experimentada (LúcidTotAlaska i altres deserts).
Font: Dani Chicano (www.elpuntavui.cat)