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31/10/11

"La majoria d'actors són tímids davant la càmera"




El seu pare era poeta i escriptor; el seu oncle, un prestigiós restaurador que durant la Guerra Civil va amagar molts quadres a casa seva. "Vaig néixer a Barcelona als anys quaranta, com el meu bon amic Raimon", em diu sense voler confessar l'edat. Gens supersticiós, el seu color preferit és el groc. Per a directors d'escena com Lluís Pasqual, Patrice Chérau, Mario Gas, Georges Lavaudant i Gerardo Vera, Ros Ribas és una figura imprescindible.
Amb aquesta exposició tornes a casa.
Quan es va fundar el Lliure vaig tenir la sort de ser-hi. Vaig començar al Grup d'Estudis Teatrals d'Horta, amb el Muntanyès, que dirigia; el Pasqual, que feia d'actor, i el Xavi Clot, que il·luminava. Jo encara pintava, i pensava: no seré mai actor perquè no serveixo. Què puc fer per estar amb ells i no ser un intrús?
I vas decidir fer fotos?
Sí, per poder ser als assaigs i veure com un actor es va convertint en un personatge, com va avançant i creixent el muntatge. Fer fotos és saber mirar i emportar-te la imatge no a la càmera sinó al cap.
Així que vas abandonar la pintura?
A Sant Gervasi hi tenia una botiga de fotografia amb el meu germà. No vaig estudiar fotografia, sinó belles arts. Però em vaig adonar que el teatre era l'art total. Entre un teatre i la Sala Parés vaig triar el teatre. No hi pot haver cap quadre millor que un escenari.
Què busques quan fas una foto?
Sempre fotografio la persona, la figura, l'expressió, el sentiment, el que et comunica. De fet, no fotografio persones sinó personatges, així t'hi pots apropar sense violentar-los perquè no són reals.
I quan es desvesteixen del seu personatge, tenen pudor davant la càmera?
Tots, tots! Molt pocs saben posar quan fan d'ells. Potser Antonio Banderas ho sap fer, un noi supersimpàtic i entranyable, amb aquella gràcia andalusa. Un actor ho té molt difícil per saber com és ell. La majoria d'actors són tímids davant la càmera.
Quin és el procés ideal per fotografiar un muntatge?
Que a la primera lectura el fotògraf ja hi sigui, com hi és l'escenògraf o l'il·luminador. Allà el director explica per què ha triat aquest text i què vol potenciar. Amb el Patrice Chérau o amb el Pasqual hi sóc des del principi, és bàsic. El que m'agrada del teatre és que formem una família en què parlem molt, en què s'expliquen les coses. Els actors s'acostumen a veure't des del començament, no ets un estrany. El Lluís Pasqual diu que sóc invisible, i no és que ho sigui, és que la companyia ja em té incorporat. No els faig nosa, hi sóc sempre. Ara això es va perdent perquè no hi ha temps i no hi ha pressupost.
Què han de saber els fotògrafs d'escena?
És important que tinguin en compte que les seves fotos després les veurà molta gent, i que, amb els anys, hi haurà més gent que veurà les fotos que no pas el muntatge. I que són una colla de professionals que han treballat una obra durant dos mesos. No pot ser que un fotògraf hi vagi i en mitja hora pretengui copsar l'esperit del muntatge: no podrà. S'ha d'anar amb molt de compte amb el que ensenyaràs després.
Quina exposició t'agradaria fer?
Un dia m'agradaria fer una exposició sobre fotos d'assaig, escenes que després s'han eliminat o que han estat una altra cosa. El director, quan té fotos d'assaigs, sovint va ensenyant als actors el gest, l'actitud que vol aconseguir, com un storyboard. Per exemple, tinc fotos del Fabià Puigserver provant la passarel·la de Terra baixa.
A favor de la digitalització?
Estic a favor del digital però en contra de la rapidesa. Amb el digital he pogut fer fotos que abans no podia fer. Hi ha la foto retocada de Camí de nit, que eren tres fotos, i també he retocat digitalment la d'El Público.
Tot són avantatges?
Tenim una pega amb la digitalització. Els que no viuen el muntatge des de dins et diuen: vull la foto demà per enviar-la al Japó. I això no pot ser! La foto s'ha de treballar, també s'ha d'assajar. Cap foto meva és com surt de la càmera: es mira, es retoca, se li dóna el color, se li dóna relleu, se li dóna el clima.
Mai has volgut dedicar-te al mestratge?
Jo no he fet mai de mestre de ningú, però sí que tinc dos mestres que m'han ensenyat a veure el teatre i fins i tot a fer fotos de teatre: el Fabià Puigserver i el Lluís Pasqual. El Pasqual té més paciència. El Fabià t'ho deia tot amb quatre paraules, no en necessitava més. El Pasqual és el mestre més pròxim perquè em va deixar que el seguís al CDN, a Madrid i després a l'Odéon de París.
La nissaga continua?
Tinc tres fills, el Pau, el Joan i la Nora. El Pau és fotògraf i la Nora, que té onze anys, encara no sap què vol ser quan sigui gran ni jo vull que ho sàpiga. Però ja fa fotos, vam fer una exposició junts.
Quin fotògraf admires?
Admiro Cartier-Bresson. La gent no posava per a ell, estaven vius!
Font: Elisenda Roca (www.ara.cat)

"Dudo si soy un idiota por meterme en este desafío"



Antes de estrenar su tercera película con David Cronenberg, Water for Elephants, en la que Viggo Mortensen interpreta a Freud, la estrella de Hollywood pasará seis semanas y media en Madrid, como gran reclamo de la cartelera teatral. La incorporación del actor a Purgatorio, obra que se estrena el próximo viernes en las Naves del Matadero, tiene mucho de gran acontecimiento pues supone su vuelta a los escenarios después de 24 años de ausencia. Lo hace en compañía de la actriz barcelonesa Carme Elías y con un texto de Ariel Dorfman de gran actualidad, pues habla de víctimas y verdudos, de perdón y arrepentimiento. Mortensen, que no resiste un paseo callejero sin que la gente le reconozca por su papel de Aragon en El señor de los anillos o de Diego Alatriste en la versión cinematográfica de la obra de Pérez Reverte, es un hombre con muchas otras inquietudes culturales. En esta entrevista las cuenta. 

Hace cuanto tiempo que no hacía teatro?
Hace unos 24 años, cuando hice Bent, de Martin Sherman, en Los Angeles. 

¿Y por qué ahora y en Madrid?
A los responsables de la programación del Teatro Español les interesó la propuesta y también le gustó la idea al autor, Ariel Dorfman. Estoy un poco ansioso ahora que falta poco para el estreno, algo normal en cualquier actor, supongo. Sé también que tengo muchísima suerte. Trabajar con Carmen Elías y Josep Maria Mestres en Purgatorio y hacerla por primera vez en castellano es un gran honor. Y la sala 2 del Matadero es un espacio muy bueno, ideal para esta obra. Un lugar bastante austero, con una escenografía de Clara Notari perfectamente adaptada a la sala. 

¿Es que pasa ahora temporadas en Madrid? ¿Qué le gusta y qué le extraña de la forma de vida de los madrileños?
Vine por primera vez a Madrid a finales de los años 70, así que ya tengo mucha historia con esta ciudad. Siempre me ha gustado estar en Madrid y me gusta que sea precisamente aquí que yo vuelva al teatro después de tantos años. 

¿Se acerca usted a un personaje teatral de la misma manera que si lo fuera a interpretar en cine? 
Sí, siempre con cierto miedo y preparándome lo mejor que puedo, prestando mucha atención. Yo no creo que haya tanta diferencia entre la buena actuación en cine y la buena actuación en teatro. En general, y según el tamaño de la sala, es verdad que hay que tener en cuenta una adecuada proyección de la voz en el teatro, pero al final lo que cuenta es si el espectador se cree los que hace el actor o no se lo cree. 

¿Por qué aceptó hacer esta obra? ¿Qué le gustó? 
Me interesó el desafío del cuento: es posible perdonar y pedir perdón sin poner ninguna condición. Muy difícil a veces, pero posible. También me atraía el desafío de hacer una obra en la cual solamente figuran dos personajes que siempre están en el escenario, sin descanso. A veces, durante los ensayos, he pensado que he sido un idiota por meterme en este desafío teatral, pero luego se me pasa la duda, la inseguridad, y sigo gozando con lo que voy aprendiendo de mi compañera de trabajo, Carme Elias, y de nuestro director, Josep Maria Mestres. El guión de Ariel Dorfman es exigente, pero está lleno de regalitos que te van llegando en la medida que vas descifrando el texto y metiéndotelo en el cuerpo. 

La obra aborda un tema obsesivo en el teatro de Dorfman: la venganza y el perdón. ¿Hay alguna intencionalidad por parte del autor?
Para ser justos lo mejor sería preguntárselo a él, pero supongo que sí tiene que ver con esta obra la opción personal de elegir entre la venganza y el perdón en un momento dado, mucho que ver. Él ha hablado de esto en lo que ha escrito para la prensa últimamente, y nos ha comentado estas cosas en algunos momentos. También ha dicho que quería, con esta obra, abordar el tema de la colonización, las consecuencias para los que conquistan y los que son conquistados. 

Este es un tema de absoluta actualidad en España, cuando se está discutiendo si podemos perdonar a los terroristas de ETA y dejarles entrar en las instituciones políticas para que gobiernen a sus víctimas. ¿Usted qué piensa? 
No hay nada que no pueda perdonarse, no hay nadie totalmente incapaz de dar y pedir el perdón sin condiciones. Es difícil, pero no imposible. Es la mejor y la más valiente opción. El perdón sincero compensa, aclara las cosas, nos limpia y nos tranquiliza. A partir de ahí podemos avanzar de una manera sana, crecer.

En realidad, la pieza es una extrapolación del mito de Medea y Jasón. ¿no es así? 
Sí. En términos generales esta obra de Dorfman nos recuerda la versión de la saga de Medea y Jasón creada por Eurípides, la versión más conocida de la trágica relación entre estos seres legendarios. Pero Purgatorio contiene elementos de otras versiones de Medea, y también referencias a otros personajes y otras fuentes mitológicas. 

La obra iba a ser estrenada en diciembre de 2009 y con Ariadna Gil. ¿Por qué se pospuso y por qué no se ha mantenido el elenco inicial? 
No pudo ser en ese momento por problemas de agenda. Tampoco estaba Ariadna disponible cuando retomamos la obra. Tuvimos mucha suerte con Carme Elías, suerte en el sentido de que a ella le gustó la obra. Es una actriz extraordinaria, muy poderosa. Creo que será una Medea inolvidable. 

La felicidad de otros artistas

Además de la interpretación, usted tiene otros intereses artísticos, por ejemplo, ha fundado una editorial. ¿Qué textos publica? 
Fundé la editorial Perceval Press porque quería publicar a autores y artistas que me parecían interesantes y que, en muchos casos, no tienen muchas posibilidades de ser publicados, o de ver su trabajo presentado como quisieran. También presento mis libros y grabaciones con Perceval Press. Eso suele compensarnos económicamente y nos ayuda a seguir adelante con proyectos de otros artistas menos conocidos. El verdadero placer que me produce ser editor es ver satisfechos a estos artistas, ayudarles en lo que pueda para que lo publicado cumpla con sus esperanzas creativas. 

¿Qué poetas le gustan?
Recién estoy mirando un viejo libro, una collección de poemas de Leonard Cohen llamado Flower for Hitler, publicado en 1964. Hay un poema que me hizo pensar enPurgatorio. Como siempre, uno puede encontrar referencias, conexiones por todos lados a la hora de afinar la preparación de un proyecto. Esto es algo que miré hace 10 minutos y que me pareció que tenía un eco de nuestro cuento, o al revés.

Por qué la Experiencia no es un Maestro
No es mío -el cuerpo que te prometieron/
está enterrado en el corazón/
de una máquina inutilizable/
que nadie puede detener o iniciar./ 

¿Yacerás junto a ella? Podrás cavar profundo/
-escapar a una o dos Leyes- divisar un dardo/
de luz. No /
te acercarás al corazón./

He intentado -soy el mismo- ser el mismo./
Quería que mis sentidos desvariaran./
El dardo era una luz ordinaria. /
¿No hay nada que pueda retenerte aquí, mi amor, mi amor?

También es aficionado a la pintura y la fotografía. ¿Cómo definiría su estilo pictórico? 
No me siento cómodo dando definiciones de lo que hago como artista, calificando mi trabajo, ni como actor, fotógrafo, pintor, o escritor . Así que pido que me perdonen por seguir no queriendo hacerlo. 

¿Y qué suele fotografiar? ¿Cuál es su cámara preferida? 
Depende de la época, de donde he estado, de lo que ando buscando. He fotografiado paisajes, he hecho retratos, he trabajado con cámaras Eastman y Graflex de 8 x 10 pulgadas y de 4 x 5 que tienen más de cien años; con una Hasselblad de 2 1/4 x 2 1/4 que conseguí hace 30 años, una Leica 35 mm que tiene quince años, y también empecé a trabajar con una Canon digital de 35 mm hace tres años.

Su proyección internacional como actor fua a partir de El señor de los anillos ¿Calibró los efectos que la película tendría en su carrera? ¿Cómo fue trabajar con Peter Jackson en esa megaproducción? 
Nadie sabía que la trilogía de Jackson iba a tener el éxito económico y socio-cultural que tuvo. En mi opinión, el que dice ahora que lo sabía, miente. Lo que sí se creía mientras hacíamos las tres películas era que podrían gustar en Japón y en otros países asiáticos que no tenían conocimiento de la obra de Tolkien. En particular me parecía que el mundo de los elfos y su cultura guerrera, tanto como curandera, tenía mucho en común con la herencia samurai y la sensibilidad equilibrada del budismo. Para mí, como actor, fue un regalo importante el éxito de la trilogía. Hizo posible que Agustín Díaz Yanes me ofreciera después el papel de Diego Alatriste, y que David Cronenberg me eligiera para Una historia de violencia

Y hablando del director canadiense David Cronenberg ¿Cómo consigue exprimir lo mejor de usted en la pantalla? 
Cronenberg y yo somos, después de todo, muy buenos amigos. Nos entendemos y nos respetamos. Yo sé que siempre voy a aprender cosas nuevas con él, que me voy a divertir rodando con él, y que vamos a hacer una película que valdrá la pena presentar. Él también confía en mí. Sabe que voy a llegar preparado, y que nos vamos a meter a fondo para sacar el mejor provecho de cualquier cuento que nos toque rodar. Es un director muy especial, único, uno de los más grandes que hay en el mundo. Le encanta lo que hace, y eso se nota todos los días. Entiende el medio a fondo. Su entusiasmo es contagioso, da coraje, y su experiencia le ayuda a transmitir su pasión. Me siento muy afortunado por haber rodado tres películas tan buenas y diferentes con él. 

Fuente: Liz Perales (www.elcultural.es)

"Me he hecho un psicoanálisis con mi último espectáculo"




Asunción Balaguer nació en Manresa (Barcelona) en 1925. Esta noche la Unión de Actores ha decidido reconocer la trayectoria profesional de esta gran actriz, concediéndole el Premio Toda una Vida de la XX edición de sus premios.
Esta mujer, que tiene tres bisnietos y el día 8 cumplirá 86 años, ingresó en el Instituto de Teatro de Barcelona a los 13 años. Tras dar sus primeros pasos artísticos en escenarios barceloneses, pasó a formar parte de la madrileña compañía Lope de Vega, dirigida por José Tamayo. Allí conoció al actor Francisco Rabal, con quien se casó en 1951 y terminó formando compañía propia, aunque cuando nacieron sus dos hijos, Asunción decidió abrir un paréntesis en su carrera. No retomó su actividad artística hasta los años ochenta. Desde entonces, no ha parado.
En estos momentos Balaguer interpreta a Lady, una huésped permanente de la nueva serie de televisión Gran Hotel. Hasta hace unas semanas estuvo haciendo una larga gira por toda España, con El pisito, la adaptación del guión de Rafael Azcona que Pedro Olea ha llevado al teatro. Pero ahí no queda todo, la actriz es la absoluta y única protagonista de El tiempo es un sueño, un monólogo sobre su propia vida escrito por el actor Rafael Álvarez, El Brujo, con el que piensa recorrer toda la geografía española.
"Me he hecho un psicoanálisis. Estudiando la obra he llorado mucho, me ahogaban los recuerdos, pero he puesto por medio lo del distanciamiento brechtiano y ya está resuelto". Balaguer, no obstante, deja las cosas claras: "Hay cosas que guardo para mí y, ni Rafa, ni san Pedro, me las harán decir; no como Paco que era un niño y necesitaba contar. Pocas cosas se han quedado sin saber, y por eso todos sabemos que era muy bueno". Y añade: "Creo que lo más importante que transmito en el espectáculo es que nos hemos reído mucho juntos y que hay algo mucho más profundo en la relación de dos personas".
Balaguer solo espera seguir teniendo la gran energía que ahora posee para seguir subiendo a un escenario: "Para mí es una droga, no necesito más que esto, es como el pitillito de la risa". Por lo pronto el mes que viene actuará en su pueblo, Manresa. Será la primera función en catalán de este montaje que interpreta en dos lenguas.
Font: Rosana Torres (www.elpais.com)

Integristes catòlics contra una obra de teatre a París




Envoltats per un important dispositiu policial, els fidels, joves i grans, amb crucifixs, rosaris i banderes del Sagrat Cor s'han reunit al costat del teatre, a la plaça del Châtelet, a primera hora de la tarda, en el moment en què els espectadors, després de ser escridassats, entraven al teatre.
"Senyors espectadors, aneu a veure avui una blasfèmia i nosaltres som aquí per reparar els pecats que cometreu", els ha etzibat el mossèn Xavier Beauvais, de l'església tradicionalista parisenca Saint-Nicolas-du-Chardonnet. "No som malvats fonamentalistes, integristes", "Som catòlics, fidels a la fe catòlica que venim a manifestar-nos en contra de la blasfèmia", ha afegit des del micro entre pregàries cantades pels creients agenollats.
El cardenal André Vingt-Trois, arquebisbe de París i president de la conferència episcopal francesa, va condemnar dissabte les actuacions d'"un grupúscul que diu representar l'Església catòlica sense cap mandat" i que "fa de la fe un argument de violència".
Des del 20 d'octubre, els fonamentalistes catòlics, alguns dels quals són membres de Civitas, pròxima a la Franternité de Sant Pius X fundada el 1970 per l'arquebisbe integrista francès Marcel Lefebvre -excomunicat al 1988 pel Vaticà- i de joves catòlics de Renovació Francesa, protesten cada dia davant del Théâtre de la Ville per perturbar l'espectacle de Romeo Castellucci Sobre el concepte de rostre en el fill de Déu. Dimarts, al centre de París, n'eren entre 1.500 i 5.000, segons les fonts.
Aquests fonamentalistes jutgen ofensiu els darrers minuts de la peça on un rostre gegant de Crist sembla tacat per excrements, eco del patiment dels dos personatges, un vell incontinent i el seu fill que el neteja i el canvia.
Font: www.ara.cat

"Mis experiencias como bailarín están aquí"

Si hay multitud de vivencias que, inevitablemente, hacen una muesca en nuestro recorrido, el ver la muerte de frente debe de marcar la más profunda. Al menos debe de ser capaz de cambiar la perspectiva con la que miramos. Para Víctor Ullate el resultado de varios infartos que le pusieron frente a frente con la 'parca' se concretó en Samsara, una coreografía de gran belleza que viaja hasta el Oriente para recordarnos que más allá del yo están los otros. La obra, estrenada en 2006, regresa a los escenarios (esta vez al de la Sala Roja de los Teatros del Canal, con el tercer elenco que la representa) para que, según la intención de su creador, los espectadores reflexionen en los demás: "Mis experiencias de tantos años como bailarín, están aquí".


Ullate recuerda cómo, en aquellos días, "tenía muchas cosas que decir porque vivía unos momentos complicados". Mientras esperaba su operación, imaginó los lugares lejanos como la India, Egipto o Nepal por los que había pasado poco antes y lo que sus gentes le habían enseñado. No quería perder la oportunidad de compartir esas vivencias, "antes de que me volviese a ocurrir algo similar". Y la reacción del público ha sido "siempre maravillosa", asegura."Si he de pasar momentos difíciles para hacer cosas así, me podían pasar más a menudo", bromea el coreógrafo y maestro, uno de los mayores defensores de la danza en nuestro país, un terreno bastante baldío para este arte.
Y aunque no se pueda comparar, estos días tampoco son para él de mucha celebración. La Comunidad de Madrid, que es la que sostiene su compañía, le ha informado de que tendrá que haber nuevos recortes. En los últimos dos años, el presupuesto se ha reducido en unos 500.000 euros y Ullate se pregunta cómo se puede mantener así a flote a 27 bailarines y al cuerpo técnico. La cultura no parece casar con los tiempos de crisis, un error de bulto según cree Ullate: "Me gustaría que los políticos se interesasen más. Están muy pendientes de cómo hacer para que todos bailemos al son de ellos. Si los que nos dirigen tuviesen una inclinación hacia la cultura, un país podría cambiar muy fácilmente".
Rememora cómo los grandes maestros siempre se interesaron en el folclore español pero nosotros hemos preferido dejarlo de lado ("Lo cedemos todo, somos muy generosos") y le apena que los bailarines de nuestro país tengan queviajar lejos para que se les reconozca su trabajo. Él también lo hizo, a Bruselas, con Maurice Béjart. Pero, después de tantos años de trabajo, le gustaría que la situación hubiese cambiado y que no hubiera ocurrido que otros de sus alumnos con tanto talento como los que se marcharon se hayan quedado sin el reconocimiento que alimenta a los artistas.
La base, como para casi todo en la vida, señala, está en la educación y si los niños se acostumbran a sentarse en una butaca será para ellos tan habitual como apretar con fuerza los botones de la consola. Por eso, 'Samsara' también tiene funciones matinales reducidas para que los más pequeños disfruten con los bailarines: "Ver un teatro lleno de niños es como la esperanza, da mucho placer. Pueden entrar en un mundo diferente que les ayude a ser mañana más felices y aburrirse menos, porque es mágico". Cómo mágicas son las frases que, en el escenario y a modo de mantra, a veces se mezclan con escenas difíciles de digerir pero desgraciadamente habituales. Un ejercicio con tantos desafíos como olvidarse del yo y pensar en los demás.
Fuente: Virginia Hernández (www.elmundo.es)

30/10/11

EL COMTE ARNAU


TEXT: JOAN MARAGALL
DRAMATÚRGIA i DIRECCIÓ: HERMANN BONNÍN
MÚSICA ORIGINAL: LLUÍS VIDAL i MARIONA VILA
DIRECCIÓ MUSICAL: LLUÍS VIDAL
INTÈRPRETS: ERNEST VILLEGAS, JOAN CROSAS, ANNA YCOBALZETA, ÀNGELS BASSAS, VICENTA NDONGO, ENRIC ARQUIMBAU, MIRANDA GAS i EL COR DE CAMBRA DEL PALAU DE LA MÚSICA CATALANA
PRODUCCIÓ: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA GRAN (TNC)


És hora de clàssics i ningú millor que la posada en escena de la Sala Gran del TNC. Aquesta temporada l'ha començada amb un homenatge a Joan Maragall amb El comte Arnau. Hermann Bonnín ens presenta una versió molt carregada de misticisme on el mateix comte Arnau queda en algunes escenes exculpat i es converteix en la víctima del actes de tot heroi romàntic.

Jean-Pierre Vergier signa una escenografia simplista, una gran roca trencada com la mateixa terra/pàtria del Maragall i unes projeccions fantasmagòriques de genet en flames. La mateixa escenografia demanda un important component físic als actors que han de trepitjar-la amb força per fer notar la seva presència escènica. Tots ells perfectes, al seu lloc, tret d'algunes intervencions de l'Anna Ycobalzeta que converteix l'Adalaisa en una dona més dèbil i deixada a la seva sort del que hauria d'haver estat.

El cor de Cambra del Palau de la Música Catalana converteix el muntatge en un mig musical i ofereix un halo mitològic a tota la funció. El Comte Arnau és sobretot un exercici en vers pels actors, i malgrat la dificultat tots superen la prova amb nota.

Ja que al Joan Maragall li agradaba obrir interrogants, cal preguntar-se, fora d'aquest muntatge si és necessària l'excessiva revisió de clàssics que estem patint darrerament. Com sempre, el debat queda obert.

Las dos caras de la moneda




Dos personas, que emigran por motivos muy diferentes, comparten hogar, charlas comidas... pero no sus ideales. En esto se basa 'Los emigrados', una obra de teatro dirigida por Socorro Anadón y Jaroslaw Bielski, basada en la novela homónima que el polaco Slawomir Mrozek escribió en los años 70 y que toca un tema estando de rabiosa actualidad tres décadas después.
Bielski, que también ha adaptado el texto, protagoniza la obra junto a Frank Feys. Ambos encarnan a dos emigrantes del este de Europa que comparten sus vivencias en un sótano insalubre. AA, personaje al que encarna Bielski, es un exiliado político que, según el propio director, "huye porque han fracasado sus ideales y busca la libertad, aunque se pierda en ella". XX, por el contrario, es un emigrante económico cuyo sueño es hacerse rico y volver a su país como alguien con poder.
"En este sentido, son muy diferentes ya que AA pertenece al post-comunismo y busca una sociedad libre, mientras que XX busca una independencia económica", afirma Bielski. Sin embargo, "no son más que dos caras de la misma moneda del ser humano: AA encuentra otro tipo de esclavitud mientras busca la libertad y XX, caerá en un bucle infinito ya que, quien más tiene más quiere tener por lo que se volverá esclavo de la avaricia", comenta el actor y director.

'Esclavos de la globalización'

"El concepto de nueva esclavitud, de esclavo de la globalización es totalmente actual -añade- y en 'Los emigrados', se habla de esta actualidad, encarada con humor e ironía, algo que permite reírse del drama". Y agrega: "Es como la vida misma, utiliza un tono de distanciamiento cómico que permite acercarse a la realidad y profundizar en ella".
Jaroslaw Bielski, que nació en Polonia y ha viajado y vivido por diferentes países, también se siente emigrante. Esto, junto al hecho de haber adaptado la obra al español le ha permitido acercarse aún más a los personajes e, incluso, sentirse identificado con ellos. "Yo emigré por las dos razones por las que lo hacen los protagonistas de la obra, pero más que nada por una cuestión profesional", relata. "Sin embargo, me siento más cercano a AA porque durante años tuve que luchar por legalizar mi situación en España y poder volver a Polonia", ya que le denegaron el acceso a su país de origen.
Este actor, director y profesor de teatro -que ha participado en la serie 'Amar en tiempos revueltos' y ha estado al frente de montajes como'Hamlet''La dama boba' o 'El cartero siempre llama dos veces' con Réplika Teatro, compañía de la que es fundador- cree que "todos nos hemos sentido esclavos del dinero alguna vez". Ahora representa 'Los emigrados' en el teatro Replika, una tragicomedia de gran actualidad sobre el eterno problema del 'ser' o el 'tener' en la que se pone de manifiesto que "todos somos esclavos de la globalización".
Fuente: Aroa Morales (www.elmundo.es)

29/10/11

Fallece Walter Vidarte




Walter Vidarte, uno de los hombres de escena y de cine más admirados de la profesión y gran secundario, ha fallecido esta mañana en la Clínica de la Concepción de Madrid a consecuencia de un cáncer de páncreas diagnosticado recientemente.
Nacido en Montevideo, Uruguay, un 18 de julio de 1931, siendo muy joven cursó estudios en la Escuela de Arte Dramático de Montevideo y formó parte de la Comedia Nacional Uruguaya, además de participar en numerosas producciones cinematográficas y teatrales en Uruguay y Argentina, país al que se traslada en 1958. Es precisamente en ese primer periodo de formación cuando Vidarte establece lazos afectivos con el teatro español, que nunca perdió hasta el punto de terminar siendo España la patria que elige y en la que ha muerto esta mañana.
Esas querencias con España le llegaron como discípulo de la gran Margarita Xirgu, que fue su maestra cuando ella, directora de la Comedia Nacional Uruguaya, se encontraba en el exilio político que vivió a lo largo de toda su vida. La Xirgu, como se la llama en el oficio, le inculcó un gran amor por la dramaturgia española y nuestros grandes clásicos.
Desde 1958 actuó en teatro y televisión en Argentina donde trabajó en la versión fílmica del cuento de Jorge Luis Borges Hombre de la esquina rosada y Alias Gardelito (de Lautaro Murua) y en televisión en Doña Disparate y Bambuco de Maria Elena Walsh junto a Perla Santalla.
Carrera como actor de cine, teatro y televisión
En 1974 llega exiliado a España, después de intervenir como actor en la famosa película de Sergio Renán, La tregua, pero el motivo fue que tras poner en escena la obra teatral Juan Palmieri de Antonio Larreta por la que obtuvo el Premio Moliere, fue amenazado por la Triple A, lo cual era grave ya que solían cumplir sus amenazas. A partir de ese momento desarrolla su carrera como actor de cine, teatro y televisión en España, donde su primer trabajo fue con José Luis García Sánchez, que conocía la prestigiada trayectoria de Vidarte, en Las truchas.
Desde entonces trabajó en cine con Jaime Chávarri, Antonio Betancor, Alfonso Ungría, Pedro Olea, Ernesto del Río, Julián Marcos, Félix Rotaeta, Carlos Saura, Mariano Barroso, Manuel Huerga, Mario Gas o Toni Abad. La noche de los girasoles, de Jorge Sánchez-Cabezudo, fue un trabajo por el que recibió en el año 2006 el Premio Goya al mejor actor revelación, lo cual provocó muchas chuflas y chirigotas entre sus compañeros, ya que el galardón se le dio cuando llevaba décadas siendo un grandísimo y reconocido actor dentro y fuera de España. También recibió en los Premios Cóndor de Plata el Premio Moliere 1973, como mejor director por Juan Palmieri, galardón que había recibido como mejor actor protagonista en 1970 por su trabajo en la película El dependiente.
En televisión participó en series de Antonio Mercero, Alfonso Ungría, Los gozos y las sombras, de Rafael Moreno Alba, Eugenio Martín, Eduardo Mallorquí, Félix Rotaeta y Cuéntame cómo pasó, de Tito Fernández.
En teatro Vidarte contaba con grandes seguidores que acudían a los espectáculos en los que trabajara este actor, al margen del título que fuera. Lluís Pasqual, siendo director del Centro Dramático Nacional, contó por primera vez con él en 1987 para El público, de Federico García Lorca. Luego vinieron, entre otros trabajos, su participación en Martes de carnaval, de Ramón María del Valle-Inclán, dirigida por Mario Gas; Luces de bohemia, de Valle-Inclán, dirigida por José Tamayo, Los vivos y los muertos, de Ignacio García May, dirigida por Eduardo Vasco, quien también llevó la batuta en El huésped se divierte, de Joe Orton, Hamlet y Don Juan. Participó en Manuscrito encontrado en Zaragoza, con texto y dirección de Francisco Nieva, Sigue la tormenta, de Enzo Cormann dirigido por Helena Pimenta.
Pasqual repitió con él en varias ocasiones, como en Roberto Zucco, de Bernard Marie Koltes. Fue antes de participar en Barcelona, mapa de sombras, dirigida por Laila Ripoll, y Un enemigo del pueblo, de Henrik Ibsen, dirigida por Gerardo Vera, trabajo por el que recibió el Premio de la Unión de Actores al mejor actor secundario.
Entre sus últimos trabajos, todos en el Centro Dramático Nacional (CDN), están Ante la jubilación, obra de Thomas Bernhardt, con dirección de Carme Portacelli, y dos montajes de Gerardo Vera, Madre Coraje y sus hijos de Bertolt Brech, y El Rey Lear, de Shakespeare. Precisamente Gerardo Vera fue una de las primeras personas en acudir ayer a la Clínica de la Concepción, donde había estado acompañado en los últimos días tan sólo por sus muy allegados entre los que se encontraban la gestora teatral y exdirectora del CDN, Isabel Navarro, persona con la que ha mantenido una gran amistad desde que Vidarte llegara a España en los años setenta del pasado siglo.
Fuente: Rosana Torres (www.elpais.com)

La muerte, meta final en 'Perséfone' de Comediants


El Sol, la noche, la luna, la soledad o la fiesta han sido algunos de los temas universales que Comediants han abordado a lo largo de sus 40 años de existencia, un círculo que la compañía cierra ahora hablando de la muerte en Perséfone, coproducida con el Teatro Lliure y el Centro Dramático Nacional.

Perséfone. Variaciones Mortales llega al Teatro María Guerrero de Madrid el próximo 1 de noviembre -fecha nada casual- tras su estreno en el Festival Internacional Chéjov de Moscú en julio pasado y se acerca en clave de "variedades" a la más universal y humana de las cuestiones, esa de la que nadie escapa.

Por eso, a la hora de ver el montaje, "influye mucho el estado de ánimo de cada espectador, porque es un tema que nos toca a todos", ha dicho hoy en rueda de prensa el director de Comediants, Joan Font.

Àngels Gonyalons, Jordi Llordella, Laia Oliveras, Laia Piró y Marc Pujol llevan a escena esta obra en la que la guía y maestra de ceremonias de un movido viaje por la fina línea que separa la vida de la muerte no puede ser otra que la mitológica Perséfone, señora del mundo de los muertos y esposa de Hades.

El espectáculo está inspirado en el modelo de "varietés" y se sucede en un "desorden lógico" de cinco partes que permite conocer a la hermosa Perséfone y abordar la "parca" desde distintas perspectivas.

Así, Comediants trata la muerte como rito pero también en relación con el hombre, el viaje del más allá, los mitos sobre la muerte y el hombre como amante de la muerte, tanto que incluso es él quien mata masivamente casi despojando de su trabajo a Perséfone, ha detallado Font.

La comedia, la ironía, lo sensible y lo poético, lo cruel y lo cáustico se suceden en esta obra "muy latina y mediterránea" en la que pequeños "dardos" nos sirven como recordatorios de nuestra mortalidad, ha explicado por su parte la actriz Àngels Gonyalons, que encarna a Perséfone.

Gonyalons ha destacado la variedad de lenguajes teatrales que conviven en la obra al más puro estilo de las variedades, del gran guiñol al cabaré, "una amalgama de lenguajes que da complejidad al trabajo de los actores pero a la vez nos enriquece", ha considerado.La escenografía, totalmente negra para ceder el protagonismo a los personajes, tiene como eje una gran pantalla de proyección que se va adaptando a los diferentes momentos del espectáculo, además de una escalera de caracol en un lateral del escenario "que permite visualizar el viaje cíclico y eterno que hacer Perséfone entre los dos mundos".

Ramón Calduch firma la música del montaje, interpretada en directo con ordenador e instrumentos como el violonchelo, saxo o guitarra eléctrica, y que varía de estilo según las escenas, desde el rock and roll al bolero.

Perséfone podrá verse en el María Guerrero hasta e próximo 4 de diciembre y está previsto que después viaje al Teatro Lliure para, a continuación, salir de gira por España.


Fuente: www.lavanguardia.es

Tenorio, per quart any al Romea

El director de la Fundació Romea, Carles Canut, és un gran defensor de la tradició de recitar Don Juan Tenorio pels volts de Tots Sants al Romea. Aquest any es repeteix per quart cop, i el dilluns següent es presenta al Centre Cultural Sant Cugat, com ja va fer l'any passat. Es tracta d'una lectura dramatitzada en què intervenen una vintena d'actors entre els quals destaquen Pere Arquillué (Tenorio), Anna Ycobalzeta (Inés), Lloll Bertran, Jordi Andújar, Antonio Calvo, Camilo García, Victòria Pagès, Jaume Pla i Mingo Ràfols.

Font: J.B. (www.elpuntavui.cat)

28/10/11

Ricky Martin serà el "Che" Guevara d' 'Evita'



Els productors del musical Evita, en què Ricky Martin donarà vida al "Che"Guevara i l'argentina Elena Roger a Eva Perón, han anunciat que l'obras'estrenarà el 5 d'abril de 2012 en el teatre Marquis de Nova York, amb funcions prèvies des el 12 de març. Evita marca el debut a la meca del teatre d'Elena Roger i el retorn de Ricky Martin, que ja va actuar en Els Miserables el 1995.

Les entrades per al musical de Tim Rice i Andrew Lloyd Webber, guanyadors de premis Oscar, Grammy i Tony, es començaran a vendre a partir d'aquest dissabte.

Aquesta peça, que es va estrenar a Broadway l'any 1979 amb Patti LuPone i Mandy Patinkin com a protagonistes, es va mantenir en cartellera durant tres anys i mig i va aconseguir set premis Tony.

El musical estarà dirigit pel premiat Michael Grandage i comptarà amb la coreografia del veterà Rob Ashford, guanyador del premi Tony, que s'atorga per reconèixer els èxits en el teatre nord-americà. El també guanyador del Tony i amb una llarga carrera en teatre, cinema i televisió, Michael Cerverís, donarà vida a Juan Domingo Perón.

Font: www.ara.cat

Ernesto Caballero, nuevo responsable del CDN



Ernesto Caballero es el nuevo director general del Centro Dramático Nacional. La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, le ha nombrado hoy en sustitución de Gerardo Vera, que ha ocupado este cargo desde mayo de 2004. Se incorporará al cargo a partir de enero de 2012, por un periodo de cinco años.

Caballero ha destacado por igual es su doble faceta de autor teatral y director de escena. Ha escrito más de 20 obras teatrales y ha sido durante muchos años profesor titular de Interpretación en la Real Escuela Superior de Arte Dramático. El dramaturgo ha dirigido algunos éxitos de las últimas temporadas teatrales en Madrid: El señor Ibrahim y las flores del Corán, de Eric'Enmanuel Schmitt, estrenada en el CDN en 2004 y por el que obtuvo el Premio Max al texto mejor adaptado; Sainetes, de Ramón de la Cruz, estrenado en 2006 por la Compañía Nacional de Teatro Clásico; y el clásico La comedia nueva, de Leandro Fernández de Moratín, (2008), de esta última compañía.

Con la compañía Teatro El Cruce, de la que es director artístico, ha puesto en escena, entre otros títulos, Auto, obra que obtuvo el premio de la Crítica, y La tortuga de Darwin, de Juan Mayorga, estrenada en el teatro de La Abadía. Según el ministerio, el proyecto de Caballero descansa en cuatro pilares: "impulso y desarrollo de la creación dramática contemporánea española, tanto en lengua castellana, como en otras lenguas oficiales del Estado"; desarrollar "la creación escénica en sus diversas vertientes: dirección, escenografía, figurinismo, iluminación, música, coreografía y tecnología de la escena". También, "fidelizar y ampliar el público teatral" y abogar por el teatro "como forma de compromiso ante la crisis en estos inicios del siglo XXI".

Proceso de elección

El nuevo responsable del CDN ha sido elegido entre los 14 candidatos -nueve hombres y cinco mujeres- que se presentaron al proceso de selección y que fueron valorados el pasado día 14 por el Consejo Artístico del Teatro, órgano de participación y asesoramiento del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), del Ministerio de Cultura. Según el nuevo estatuto del CDN, el proceso de selección de candidaturas se lleva a cabo mediante la valoración de méritos, en el marco general de la política de buenas prácticas. El comunicado del INAEM destaca que ha obtenido un "apoyo unánime" del Consejo Artístico del Teatro del Ministerio de Cultura.

Este ha sido el quinto proceso de selección iniciado por el INAEM tras el de la Compañía Nacional de Danza, el Ballet Nacional de España, la Compañía Nacional de Teatro Clásico y el Teatro de la Zarzuela, ya resueltos y con sus nuevas direcciones incorporadas a su puesto de gestión. Así, José Carlos Martínez ha sustituido en la CND a Nacho Duato; Antonio Najarro a José Antonio Ruiz en el BNE; Helena Pimenta a Eduardo Vasco en la CNTC y Paolo Pinamonti a Luis Olmos en la Zarzuela.

Font: Rosana Torres (www.elpais.com)

El Temporada Alta es mou amb circ i dansa d'avantguarda



"En un país que gasta el mateix en cultura que en antidepressius, volem presentar un espectacle de circ que cura", anunciava Salvador Sunyer, entre provocador i ocurrent. Com un venedor de remeis ambulant, el director del festival Temporada Alta presentava els espectacles que passaran pels escenaris gironins aquest cap de setmana. Els uneix el fet que són obres coreografiades en el sentit més ampli del terme i executades per noms internacionalment incontestables.
Els set dits de la mà de 'PSY'
La companyia de Mont-real Les 7 Doigts de la Main ja no són un grup d'artistes de circ underground. Potser van néixer així, a recer del Cirque du Soleil i amb exmembres d'aquesta macrofranquícia, però nou anys després d'unir-se, avui són una de les grans marques de circ al món: donen feina a més d'una cinquantena de persones, tenen diversos espectacles en gira alhora -un d'ells és Traces, que va triomfar a Barcelona el 2009- i han creat un segell estètic propi. "El Cirque du Soleil fa espectacles massa grans, que perden la personalitat de l'artista, són vestits bonics que es passegen per l'escenari i impacten a la vista. Nosaltres fem espectacles més íntims, personals, amb personatges reconeixibles i que apel·len a les emocions del públic", explicava ahir un dels integrants, Naël Jammal.
PSY (abreviació francesa de psicòleg) onze artistes interpreten personatges singulars amb malalties com agorafòbia, trastorn de personalitat, paranoia, drogoaddicció o al·lucinacions, que curiosament es curen gràcies a les tècniques de circ: trapezi, malabars, equilibris, corda penjant, roda, salt o perxa. "És un espectacle gens elitista i per a tots els públics, amb diferents capes de lectura. El repte era tractar la malaltia de manera sensible i humana, sense convertir-ho en una caricatura ni caure en una part massa fosca, perquè en el fons fem circ!", resumia Guillaume Biron.
La naturalitat és una de les claus de les produccions d'aquests quebequesos que actuaran avui i demà al Municipal de Girona, a banda de l'espectacularitat, l'emoció i la precisió. L'escenografia -senzilla, desplegable i amb projeccions-, la música i l'humor completen els set dits de la mà.
La 'Pretaratio mortis' de Fabre
El belga Jan Fabre és un artista que costa de definir: és coreògraf, performer, artista plàstic i dramaturg, com a mínim. Els seus muntatges -Temporada Alta l'ha convidat en diverses ocasions- són un compendi d'arts, tenen un impacte visual i emocional incomparable i sempre acosten l'espectador a l'experiència de la mort. Fabre ha passat per dos estats de coma clínic que han marcat la seva obra. Preparatio mortis n'és un exemple: un solo amb música d'orgue de Bernard Foccroulle que l'acosta al que és sagrat, com una metamorfosi cap a la mort.
Un altar de vidre -que tant pot ser un úter com una tomba-, flors que fan olor de cementiri i papallones, que són el vehicle de l'ànima, poblen l'escenografia. La ballarina australiana Lisa May -substituint la titular Annabelle Chambon, embarassada- farà aquesta nit al Teatre de Salt l'exercici de l'animal moribund: "És la lluita entre no voler morir i seguir vivint. Et porta a un trànsit en què sembla que et falti l'aire i t'arrapis a la vida amb les ungles", descriu Chambon.
Galván: cubista i flamenc
El multipremiat bailaor Israel Galván, cara visible de la renovació del llenguatge flamenc, homenatjarà a La curva (dilluns al Teatre Municipal) un antecessor seu, el bailaor Vicente Escudero que l'any 1924 va triomfar a París amb un espectacle flamenc de tocs cubistes. Galván aposta també per la transgressió sumant el seu talent al d'una pianista d'avantguarda, Sylvie Courvoisier, i al cante atonal d'Inés Bacán. Revolts experimentals que són possibles perquè les arrels del flamenc estan ben ancorades.
Font: Laura Serra (www.ara.cat)