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30/12/13

El teatro alternativo llama a su puerta


Fuente: Elsa Fernández-Santos (elpais.com)
Entre los célebres diálogos de Eva al desnudo, la película que mejor ha descrito las entretelas de la aristocracia del mundo del escenario, hay un breve y emocionante monólogo que podría servir para ilustrar la explosión creativa del teatro alternativo en la España de la crisis. Esa capacidad de este viejo arte para revivir y manifestar su naturaleza más profunda en cualquier acera. “¿Dónde pone que el teatro exista solo en los feos edificios apiñados en dos kilómetros cuadrados de Nueva York, Londres, París o Viena?”, se pregunta un encendido y coqueto Gary Merrill ante la joven y servil arpía Anne Baxter. “¿Quieres saber qué es el teatro? Un circo de pulgas, ópera, y rodeos, carnavales, ballets, danzas tribales indias, guiñol, un hombre orquesta... El Pato Donald, Ibsen, y el Llanero Solitario, Sarah Bernhardt y Poodles Hannefor, Lunt y Fontaine, Betty Grable, Rexel caballo salvaje, Eleonora Duse. Eso es teatro. No los entiendes todos. No te gustan todos. Así que no lo apruebes, ni desapruebes. Quizá no sea tu tipo de teatro, pero, en algún sitio, para alguien lo es”.
Esa cualidad libérrima, al servicio de los poderes de la imaginación, donde caben por igual reyes y vagabundos, un solo actor o un millar de ellos, está detrás de su eterna capacidad de supervivencia (ante la crisis de ahora y las de siempre) y de la eclosión en los últimos meses de espacios alternativos surgidos al albur de la caída del sector y de la consiguiente desesperación de muchos de sus creadores. Teatro off que ha conquistado porterías y peluquerías de Madrid, azoteas de Sevilla y salones de Málaga, miniespacios de Barcelona, rincones montados en cooperativa o en solitario, salas hasta hace poco marginales que por fin alcanzan el eco que merecen, microteatros, monólogos… Una efervescencia independiente, a pie de calle, que ha encontrado su público en una sociedad sedienta de una historia que se quiere abrir paso al margen de la oficial.
En Barcelona, concentradas en el barrio de El Raval y dedicadas en exclusiva al teatro emergente, abrieron en primavera tres propuestas cuyos espacios se mueven entre los 9 y los 90 metros cuadrados, informa Jacinto Antón. Àtic 22 (sala alternativa nacida, a su vez, de una sala alternativa consolidada, Teatre Tantarantana) ha logrado en apenas seis meses programar ocho obras para 2.000 espectadores. Mini Teatros ofrece obras de 15 minutos en salas para 16 personas y la sala Fènix Teatre, montada por un colectivo capaz de arreglar las luces y salir a escena, está dedicada al cabaré, las marionetas y las máscaras. En enero lanzan Los jueves de la Fènix, un cabaré revista basado en la literatura fantástica del siglo XIX.
En Madrid, las propuestas se multiplican: del Teatro de la Ciudad, proyecto de creación viva —y política— impulsado por tres nombres indiscutibles de la nueva escena nacional, Alfredo Sanzol, Miguel del Arco y Andrés Lima, a otros hervideros como la sala Mirador que programa Juan Diego Botto o el recién nacido Teatro del Barrio, que pretende aunar la cuestión política con la experiencia lúdica. “La eclosión de nuevos espacios teatrales es como la eclosión de nuevos medios de comunicación o de cooperativas alimentarias”, explica Alberto San Juan, uno de los gestores del Teatro del Barrio. “En la medida en la que el sistema vigente se hunde, los ciudadanos comienzan a construir otra forma de organizarse para convivir. Este proceso pasa por conseguir que los propios ciudadanos sean en medida suficiente propietarios y gestores de los medios de producción”.
Lejos de propuestas asamblearias y echando mano de una cita de Victor Hugo propuesta por el colectivo del Barrio (“No hay nada más poderoso que una idea a la que le ha llegado su momento”) muchos otros simplemente han encontrado eso, su momento: la manera de canalizar sus ideas lejos del escenario italiano tradicional. Olga Induran lanzó con su socia Susana Pérez Bermejo este año su proyecto Teatro Efímero en una peluquería del barrio de Chamberí, “algo así como unpop up teatro, ya que está tan de moda”, bromea ella. Garret Salón de Belleza albergó la obra Tú no, princesa, tragicomedia en tres actos sobre el fracaso de tres mujeres en tres décadas diferentes: los ochenta, los noventa y los 2000. Escritora de webseries y teatro alternativo, la autora se curtió en la hoy popularMicroteatro por dinero. “Todo es posible cuando dan igual los medios, la materia prima es la imaginación. Como cuando de pequeña juegas a indios y vaqueros con tapones de champú y dos barriguitas tuertas. Tú sacas una barra de labios y le dices al espectador que se haga a la idea de que es un cohete, y el espectador y tú hacéis ese pacto y ves a la barra de labios echando humo”.
Pero de todos esos pactos espactador-espacio uno de los fenómeno indiscutibles fue el de La Casa de la Portera, peculiar espacio madrileño nacido hace casi dos años para 25 espectadores y creado en la casa donde vivió la portera de un viejo edificio. El director y dramaturgo José Martret y el director de arte y escenógrafo Alberto Puraenvidia abrieron las puertas con Ivan-Off, versión alternativa del Ivanov, de Chéjov, y en pocos meses se convirtieron en todo un fenómeno. En el reducido aforo empezaron a verse caras conocidas, actores famosos y algún premio Nobel, atraídos por una experiencia —como poco— distinta. El éxito de la propuesta ha sido tal que hace unos meses el mismo equipo abrió La pensión de las pulgas, un salón en un piso de Huertas con ese aire pop sofisticado de finales de los años cincuenta que, con un aforo de 35 personas, se atrevió con un Macbeth (MBIG) interpretado por 10 actores como primer estreno. “Nosotros llenamos siempre, pero el teatro alternativo, ni ahora ni antes, da para vivir. Es solo una manera de estar activo y de darte a conocer. Para poder vivir mejor espera a que llamen del María Guerrero”, explica Martret, quien al preguntarle por el futuro de este tipo de espacios suelta una carcajada. “¿El futuro? Solo me preocupa el mañana”.
¿Qué quedará en limpio de toda esta innegable avalancha de propuestas y estrenos? Daniel Martínez, responsable de la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza (Faeteda), delimita esta erupción de espacios off a las grandes núcleos urbanos y la califica de “espejismos” y “subterfugios” que esconden la realidad del futuro: “No solucionan la viabilidad del sector solo la de los creadores, que lógicamente no se conforman con quedarse en casa. En realidad no es una salida, sino una forma más de protestar ante la situación”.
“El bombazo de la escena off es fascinante pero, finalmente, falta industria y se trabaja con mínimos laborales”, apunta el actor Jorge Suquet (La mula, Crematorio), que ha encontrado en el teatro alternativo una fuente de nuevos estímulos que muchas veces se quedan en nada. Según su experiencia, la financiación solo llega cuando el éxito está garantizado y esa dependencia de la taquilla hace caer la balanza en favor de las propuestas más comerciales. “Así que el off en realidad funciona como mero muestrario, muchas veces más interesante que otras propuestas de grandes salas, pero finalmente condenado por la falta de una estructura profesional y laboral”.
“Cuando hay una pulsión creativa poderosa tiene que salir por cualquier lado, como esas hierbas que nacen por las grietas del asfalto”, asegura Ernesto Caballero, director del CDN. “La gente tiene ganas de escuchar un relato de la realidad distinto a las unívocas explicaciones oficiales. Los profesionales y la sociedad se están organizando y está demostrando que son capaces de ir a cualquier agujero con tal de escuchar otra historia. Y la implicación de los artistas en ese nuevo discurso es total. ¿Pero en que acabará todo esto? Yo creo que tiene que ir acompañado de reflexión y de autocrítica para construir, reconstruir o reformar una nueva estructura profesional sólida que permita sobrevivir a este sector”, afirma Caballero, que apunta el peligro de las modas. “Todo este movimiento no debe ser providencialista, ya no es el tiempo de la inocencia. Somos piezas de un entramado que para poder ser requiere una determinada estructura. Para todo esto necesitamos ciertas facilidades del Estado, que ayude a un nuevo desarrollo sin dirigirlo ni diseñarlo. En el tejado del Estado debe estar poner en valor el teatro, saber que es un patrimonio único, eso que llaman Marca España, somos una entre las cuatro o cinco naciones que pueden presumir de poseer un Everest teatral”.
Un Everest que, hoy día, escalan decenas de cómicos, autores, directores y técnicos dejados a su suerte aunque cargados como sherpascon sus ideas para el teatro del futuro, o del mañana.

Mapa para un vuelco dramático

Un referente. La experiencia de la compañía argentina Timbre 4, situada desde hace una década en el 640 de la avenida de Boedo de Buenos Aires, e impulsada por el dramaturgo Claudio Tolcachir, ha estado muy presente para muchos creadores españoles. Timbre 4, una casa abierta a nuevos lenguajes teatrales, funcionó como revulsivo en plena crisis argentina. El proyecto acabó en compañía estable de éxito internacional.
Una sala. Juan Diego Botto ha sabido canalizar en la sala Mirador la explosión creativa del momento. Programador desde el verano del espacio de Lavapiés, atrae a sus 170 butacas el espíritu rebelde y político de muchos creadores que están encontrando cobijo en este espacio alternativo. “El espíritu de la programación será un teatro a pie de calle”, señaló el actor el día de la presentación. “Un teatro que abra las puertas para mostrar y mostrarnos esos rincones que se escapan a las versiones oficiales, que se atreva a desvelarnos secretos del corazón humano o miradas sobre la crudeza de una crisis que está devorando a una generación entera”.
Un dramaturgo. José Padilla (Tenerife, 1976), premio Ojo Crítico de Radio Nacional 2013, impactó en La Casa de la Portera con Sagrado Corazón 45. La obra, escrita por él y codirigida con Eduardo Mayo, colapsó la sala, y su lista de espera. Estrenará en el María Guerrero Haz clic aquí, dentro de un proyecto de creación auspiciado por el Centro Dramático Nacional.

Unos veteranos. Estrenada en la sala Nasa de Santiago de Compostela,Citizen se programó tan solo unos días en Madrid dentro del Festival Escena Contemporánea. Para algunos críticos se trata de la gran obra del año. A cargo de la veterana compañía gallega de vanguardia Chévere, Citizen lleva la historia de Amancio Ortega, fundador de Zara, al terreno de Shakespeare. Drama, globalización, economía: la construcción de un imperio económico desde la periferia. La cara no oficial de la historia.


Un nombre. Es el hombre orquesta. Actor, director, dramaturgo, Pablo Mesiezz (Buenos Aires, 1974) se trasladó a Madrid en 2010. Daniel Veronese lo califica de “rara avis” del teatro argentino: “Encantador de espectadores, abre mundos, los arma oscuros, pero a la vez luminosos. Es muy particular, no copia, no sigue modas”. Ensaya La palabra verde, obra sobre algunos de los textos que Federico García Lorca escribiera en su viaje a Nueva York.

Un refugio. Los grandes también ayudan a los pequeños. El Teatro Lliure ha acondicionado un espacio, Aixopluc, para dar refugio a todos los que no encuentran una sala en Barcelona para estrenar. Este centro destinado a los desheredados de la crisis ha generado mucha vida y, además, está reportando buenos resultados creativos para la institución.


Un musical. Al principio se programó un solo día de la semana en el hall del teatro Lara de Madrid. Pero el éxito de La llamada convirtió este pequeño musical situado en un decadente campamento de monjas en uno de los fenómenos off de la temporada, que ha acabado conquistando la sala grande, con patrocinio, publicidad, mucho eco mediático y plenos de taquilla.

26/12/13

Rodrigo García: “Me contratan para transmitir el mismo espíritu de los años 90 en Madrid”


Fuente: Pablo Caruana (elpais.com)
Rodrigo García (Buenos Aires, 1964), comenzará a dirigir el Centro Dramático Nacional de Montpellier-Languedoc-Rosellón la semana que viene. Es la primera vez que se elige para este cargo a un creador no francés. El mandato es de cuatro años. La elección se hizo en un proceso complicado con luz y taquígrafos: sobre una lista de 70 creadores que se postularon la ciudad de Montpellier, la Región de Languedoc-Rosellón y el Ministerio de Cultura eligieron a cuatro creadores para que preparasen un proyecto. Y este mismo mes de diciembre saltó la sorpresa: después de las exposiciones exhaustivas de los cuatro creadores y de deliberaciones la Ministra de Cultura francesa, la socialista Aurélie Filippetti, ratificaba a García, creador reputado, producido y exhibido en los grandes teatros de Francia y Europa y una de las figuras más controvertidas en el teatro francés.
La sorpresa era doble. Por un lado, se nombraba a un “no francés” con un proyecto de creación muy lejano al teatro de repertorio galo instaurado en la mayoría de los treinta y tres centros nacionales. Por otro, se nombraba a un verdadero renovador de la escena europea, poseedor de un teatro formal y literariamente avasallador, pero también poseedor de uno de los teatros más frontales contra los valores mercantiles y más conservadores de nuestra sociedad. Hace exactamente un año, por ejemplo, en el teatro Rond-Point de París, García sufrió acosos, manifestaciones y agresiones durante la representación de su piezaGólgota Picnic. El ala más fanática del catolicismo francés tildaba de blasfema esta pieza que además fue coproducida y estrenada por el Centro Dramático Nacional en el Teatro María Guerrero. La función acabó por hacerse entre grandes medidas de seguridad.
García tiene entre manos el proyecto de un centro de creación sólido, ambicioso y que apunta lejos, pero sabe que los escollos tampoco serán nulos en una Francia que vive uno de sus momentos políticos más tirantes y delicados de los últimos decenios. A menos de una semana de que comience su mandato hablamos con él de esta aventura, un viaje que comenzaba en las salas madrileñas de finales de los años ochenta.
¿En qué momento, como creador ha llegado este nombramiento? Aunque la dirección de un centro dramático nacional es complicada y exige mucho trabajo ¿en qué medida puede impulsar su trabajo como creador? ¿es un revulsivo?
Justo hoy pensaba en eso, mientras conducía camino del supermercado: que por fin voy a dormir ocho horas. Cuando me meto en una nueva creación dormir es una entelequia, sencillamente no existe. Hay menos tiempo para leer, hay que rascar horas para los libros, porque si uno quiere escribir, no puede dejar de leer.
Ahora que voy a dirigir un CDN y apoyar a los artistas que considero valiosos -por frágiles, por erráticos, por tozudos, por idealistas-, sé que voy a dormir a pata ancha, y que padezcan insomnio ellos. Yo tendré de 7 a 9 de la mañana para leer, antes de ir al trabajo. Aunque resulte prematuro valorar qué pasará con mi obra futura infectada de mis tareas de gestión de un CDN, quiero creer que será un contagio positivo, productivo. Son empeños hermosos, un privilegio.
La inexperiencia en el cargo puede que sea mi comodín. Tengo un sueño preciso, impreso y fotocopiado en las casi cien páginas del dossier que presenté al Ministerio de Cultura francés y me da por pensar que cumplirlo no será tan absorbente como para abandonar mis creaciones. Dirigir un Centro Dramático Nacional significa un revulsivo en tu vida solo si eres tonto. A mi me contratan para seguir siendo quien soy. Los que tenemos la necesidad de crear, lo hacemos desde cualquier condición, ¡cuéntemelo a mi! Casi treinta obras teatrales estrenadas en veinte años en Madrid desde 1989, con el INAEM y la Comunidad de Madrid más la prensa y la prensa especializada en teatro como compañeros inseparables: dándome por culo todos -y las contadas excepciones lo confirman-.
Luego me fui por ahí a hacer mis piezas en mejores condiciones. Pero el resultado artístico no cambia y las piezas que hice en el teatro Pradillo y en la sala Carta Pared en los años 90 con dos duros las considero esenciales, más que las de Avigñón o Berlín o Viena o París, que llegaron más tarde. Me contratan en Montpellier para transmitir ese espíritu, el mismo de los años 90 en Madrid.
Es un asunto de ciudadano a ciudadano. Yo digo que la ciudad no necesita del repertorio clásico y que precisa la urgencia de los artistas de hoy en día. Puedo estar equivocado. Es la gracia del asunto, el riesgo y la posibilidad de fracasar. Tengo un problema: hay demasiadas personas usurpando el nombre de “artista de la escena”, tal vez yo sea uno de esos. Por lo general, no hay artistas, el artista es un perro excepcional. Y ahora yo tengo que encontrarlos. Es una faena. Antes me traía sin cuidado, yo me ocupaba de mi obra y adiós. Ahora tengo que ir a buscar voces auténticas en una época horrible… un enorme porcentaje es simulacro o copia. Borges decía: “Ahora al plagio le llaman reminiscencia…” Perdone que me ría… Con la que me espera, mejor mantener el buen humor.
¿Cuáles son las principales líneas de acción que quieres desarrollar en el Centro Dramático Nacional de Montpellier?
La programación no va a distinguir danza de teatro, ni teatro de performance, ni performance de… lo próximo por inventar. Quien tenga una idea singular, quien proponga un debate inteligente, quien traiga misterios y zonas oscuras, quien nos ofrezca poesía, será bienvenido. Sobre todo si en el aspecto formal se nota un esfuerzo auténtico. Mire usted: los temas son los de siempre, el asunto crucial es la forma. Uno piensa en Céline, en Pynchon, en David Markson, en Peter Handke, en William Gaddis… uno piensa en Morton Feldman, en Giacinto Scelsi, en Stockhausen… Estamos hablando del poder de la forma.
Toda forma en exceso frecuentada, qué quiere que le diga, a no ser que se trate de Melville o de Musil, a mí me decepciona. En cambio cuando un artista está inventándose ahora mismo un universo con leyes y reglas secretas y puede que fracase, ese despierta mi curiosidad.
Si pago dieciocho, veinticinco euros, que es muchísimo, que no sea para que un gandul que ahora sale en la tele me recite un texto como en el siglo XIX aunque venga de la pluma (el ipad) de un falso nuevo dramaturgo.
Se dice que quiere crear un verdadero centro de convergencia de la creación contemporánea europea. Me imagino que ya está trabajando en ello, ¿podría adelantarnos alguno de los creadores que están involucrándose con el proyecto?
Pensé en algunos directores de teatros nacionales y directores de festivales que he conocido, todos pagados de sí mismos, tomando decisiones desde el altar: “fulanito es el futuro del teatro, menganita está en su peor momento creativo, etc.”. Y me dije: son ignorantes y yo también. Debo evitar que se me note. Por eso, apunté en mi proyecto: “crear una mesa de curadores”, gente en quienes confío, para hablar de artistas valiosos que tal vez desconozco. Serán cinco personas, vendrán de Marsella, Bolonia, Madrid, Lisboa y París. Y hablaremos de obras, de ética. Claro que tengo una línea de pensamiento, pero necesito ampliarla, crecer, aprender. Mire, cuando fui grosero al principio de la entrevista, cuando dije aquello de “me dio por culo toda mi vida el INAEM, etc.”, sé por qué necesito recurrir al lenguaje soez y al tono malhumorado: a un creador joven (lo fui) se le quitan las ganas cuando no recibe más que desprecio, y si puedo ayudar a los jóvenes ninguneados por la ceguera nacional, me sentiré útil. Si el CDN de Montpellier acaba siendo una perrera, me sentiré orgulloso de apadrinar a esos animales abandonados por la Institución, que son siempre los artistas más interesantes.
La Ministra de cultura francesa, Aurélie Filippetti, está llevando a cabo una renovación en la dirección de los centros dramáticos nacionales. Renovación en la que estarían enmarcados su nombramiento y el de Philippe Quesne en Nanterre, por ejemplo. Una renovación que el Ministerio defiende diciendo que es necesario un "rejuvenecimiento" de los cargos directivos¿ Cómo valora esta política arriesgada de la ministra que le está trayendo no pocas criticas y enfrentamientos?
Con la Ministra tuvimos un lindo diálogo de besugos. Me llama y me pregunta: “¿Cómo estás?” Yo solté una carcajada, le dije: imagínate como estoy, contento que voy a Montpellier a sacar adelante este proyecto para que disfrute la ciudad. Su honesto apoyo a mi proyecto y el de los jefes de la Región de Languedoc-Rosellón es finalmente un arma de doble filo. No sabemos cómo va a responder el público ante una propuesta así. Yo soy un conejillo de indias, tengo total libertad para moverme, pero no pierdo de vista que me encuentro en un laboratorio de pruebas. Si el experimento sale mal, me vuelvo a mi aldea en Asturias, donde estaba estupendamente. Si la cosa sale como pienso, entonces seremos un modelo diferente, otra opción.
Voz a los artistas de hoy

Fuente: P. C. (elpais.com)

Rodrigo García explica que el punto de partida de su proyecto es es cambiar el concepto de los CDN franceses. "Hay que abolir el repertorio, que sobrevive por sí solo cómodamente. Hay que dar voz a los artistas de hoy. Hay que potenciar la creación interdisciplinar. Todo lo que no se sabe si es teatro o qué demonios es, eso es el futuro del teatro. Y para conseguirlo, yo no puedo aterrizar solo. Soy quien soy porque me he juntado, a lo largo de 25 años de trabajo, con determinadas personas. Entonces quiero llegar al CDN con ellas. El teatro se hace en equipo. Y la energía la producen los actores, no los oficinistas. Voy a llevar a cuatro de mi compañía que se encargarán de hacer unas audiciones internacionales para fichar a seis u ocho más. Con ese elenco estable trabajarán directores invitados. Y además esos actores tendrán tareas añadidas: darán talleres, se encargarán de ciclos de lecturas, etc. Un CDN es un organismo vivo en una ciudad, en una región. Tenemos mucho trabajo social por hacer. También quiero decirle que este proyecto, de momento, es deficitario. Tenemos que vender las obras para pagar los sueldos. Más presión todavía".
En su proyecto está el crear un departamento de creación digital, ¿podría explicar cómo funcionaría?
Es una preocupación en Francia: ¿qué pasa con lo digital?, se preguntan. Y noté que lo decían en abstracto, que nadie sabía en realidad qué quería expresar con la idea de arte digital aplicado a la escena. Entonces pensé en concretarlo y crear un departamento fijo en el teatro. Ya bastante tengo con aguantar el taller de construcción de decorados, que realiza los de la Ópera de Montpellier, y que se lleva demasiado presupuesto en algo que yo detesto, los malditos, anacrónicos, estúpidos decorados. El departamento de nuevas tecnologías lo llevará Daniel Romero (Tape). Tape es un colaborador mío desde hace años, trabajó como músico, como actor, como inventor. Contar con él, saber que está en la sala de al lado, puede que transforme mi manera de hacer obras. Hay robots, hay programas de sonido desconocidos para mí, hay posibilidades de video que se renuevan cada semana y no me entero…
Además, se habla de un laboratorio de investigación que tenga una relación especial con la Universidad de Montpellier, ¿podría explicarnos mejor este punto de su proyecto?
Lo llevará Laurent Berger, profesor de la Universidad de Montpellier ( licenciado en teatro e ingeniero en matemáticas y física teórica). La idea es que ese departamento trabaje en varias direcciones. Va a encargarse de los talleres, de los workshops. Eso pondrá en contacto a los profesionales de la región con los artistas que invitaremos. Por ejemplo, podrán trabajar o recibir clases de Jan Lauwers, Jan Fabre, Romeo Castellucci, Constanza Macras, Jérôme Bel, Steven Cohen, Oskar Gómez… No tenemos mucho dinero, pero muchos son mis amigos y aceptan venir aún ganando poco, supongo que eso lo han valorado a la hora de nombrarme desde el Ministerio de Cultura francés.
Crearemos un master. Y haremos lecturas de autores por descubrir. No hice demasiados talleres pero sin embargo el número de alumnos que encontré que podría decir eran sobresalientes es elevado. Con ellos, más los que se sumen, impulsaremos nuevas dramaturgias. Todo el que escriba “mal” será bienvenido. El Laboratorio también trabajará con los niños. No se trata de estúpidas obras teatrales para niños, vamos a invitar a los niños a crear arquitecturas efímeras en los jardines que rodean el CDN en primavera y haremos talleres de nuevas tecnologías para ellos; y vamos a jugar también al escondite, no todo será “digital”.

28/11/13

2.000 empresas culturales cerraron en España en 2012

El número de trabajadores dedicados a la cultura ha pasado de los 481.700 del año 2011 a los 457.600 de 2012, lo que supone un descenso de 24.100 empleados, según se desprende delAnuario de Estadísticas Culturales 2013, publicado por el Ministerio de Educación, Cultura y Deportes.
Según el informe, el total de empresas cuya actividad económica principal es la cultura ha pasado de 103.320 a 101.342 en el mismo periodo, lo que supone que se han perdido 1.978 empresas. También desciende la financiación y gasto público en cultura, que pasa de 1.051 millones de euros a 957 millones. En las comunidades autónomas, el descenso del gasto cultural pasa de los 1.769 millones de euros de 2011 a los 1.483 millones de 2012, mientras que en los ayuntamientos decrece de 4.043 millones a 3.397 millones.
Las familias españolas también han disminuido el dinero que dedican a la cultura. Así, pasan de los 14.364 millones a 13.371 millones. El gasto medio por hogar en bienes y servicios culturales es de 738 euros anuales y el gasto medio por persona, 288,7 euros. Los porcentajes más significativos son: Equipos audiovisuales e Internet (44,7%),Servicios culturales (31,3%)  y Libros y publicaciones periódicas(16,5%). El gasto medio por hogar disminuye al descender el tamaño del municipio y toma su valor máximo en los municipios con más de 100.000 habitantes. Es superior a la media en las comunidades autónomas de Aragón, Islas Baleares, Cataluña, Madrid, Navarra y País Vasco.
El Ministerio ve como un dato positivo que los datos recogidos en el informe reflejan “el valor de la cultura como fuente generadora de riqueza y desarrollo económico en la sociedad española”. Destaca que el sector cultural supone un 3,5% del Producto Interior Bruto y genera un 2,6 del empleo total en España. La aportación del sector cultural al Producto Interior Bruto en 2011 se ha situado en el 2,7%, alcanzando el 3,5%, precisa el anuario, "si se considera el conjunto de actividades económicas vinculadas a la propiedad intelectual". Estos resultados resaltan "el significativo peso de las actividades culturales dentro de la economía española", señala el documento, y destaca su importancia en la comparativa con otros sectores:  Agricultura, Ganadería y Pesca (2,5%), la industria química (1,1%) o las telecomunicaciones (1,8%) ese mismo año.
Asimismo, el Anuario señala el aumento del consumo de lectura entre los españoles en los últimos años y el incremento del número de alumnos matriculados a enseñanzas relacionadas con el ámbito cultural.
Escuchar música, leer e ir al cine son las actividades culturales realizadas con mayor frecuencia por la población. El cine sigue siendo el espectáculo con más demanda, seguido por la asistencia de la población a espectáculos en directo, según resalta el Anuario de Estadísticas Culturales 2013 ,dado a conocer hoy. En cuanto a los bienes culturales que más se exportan, son los libros y la prensa.
Esta novena edición del Anuario de Estadísticas Culturales recoge una selección de los resultados más relevantes del ámbito cultural y abarca el quinquenio 2008-2012. Se incluyen los resultados que afectan a empleo y empresas, financiación pública y privada, propiedad intelectual, comercio exterior, turismo, enseñanza y hábitos culturales, así como patrimonio, museos, archivos, bibliotecas, libro, artes escénicas, música, cine y vídeo.

Thomas Ostermeier: “Llevo toda la vida intentando entender a las mujeres”


Hacía casi tres años que no sabíamos nada de Thomas Ostermeier(Soltau, 1968), el director alemán que revolucionó el establishment berlinés al frente de la pequeña sala Baracke del Deutsches Theater en los noventa y que desde 1999 es director residente y miembro de la dirección artística de la Schaubühne de Berlín. Lo último que le vimos en Barcelona fue Othello en diciembre de 2010, espectáculo programado por su amigo Àlex Rigola en su postrera temporada al frente del Teatre Lliure; en Madrid estuvo ese otoño con Dämonen (Demonios) del dramaturgo sueco Lars Norén. Ahora este “Officier des Arts et des Lettres” según el ministerio de cultura francés, que así lo nombró en 2009, vuelve a Cataluña gracias al festival Temporada Alta, una de las pocas puertas que quedan abiertas a la escena internacional, con la adaptación de Susn de Herbert Achternbusch.
Achternbusch (Munich, 1938), a pesar de su naturaleza polifacética (cineasta, escritor, pintor) no es muy famoso en nuestro país; en Alemania lo fue en la década de los ochenta a partir del guión deCorazón de cristal, la película de Werner Herzog. En Susn, una pieza que publicó en 1998, narra la vida de una mujer desde su adolescencia y hasta su madurez en cuatro actos pensados para ser representados por cuatro actrices. “Fue un autor importante durante mi infancia”, explica Ostermeier por teléfono. “Los dos somos de Baviera, un paisaje muy específico, por rural y provinciano, que marca mucho”. En esta producción de Münchner Kammperspiele de 2009, el director ha querido contar con una única actriz para las cuatro etapas de la protagonista:Brigitte Hobmeier, natural también Munich, que ya había trabajado con Ostermeier en 2009 en Die Ehe der Maria Braun (El matrimonio de Maria Braun) de Fassbinder, y cuyo trabajo en Susn ha acaparado las mejores críticas. “Consigue plasmar cada etapa de Susn -los 14, los 24, los 34 y los 44 años- y su evolución emocional a través de los años con muy pocos recursos teatrales.”
Susn, Susana en el dialecto bávaro, es el viaje personal de una joven pelirroja de origen judío que, fiel a sus principios, decide huir de la opresión de la iglesia de su pueblo natal. En el segundo acto ya vive en otra ciudad más grande y se convierte en escritora; en el tercero, mantiene una relación con un escritor que no la satisface; en el último, decepcionada con la vida y alcoholizada, vuelve a Dios como último recurso. Si la protagonista es el alter ego femenino del autor, lo es también del director alemán que afirma que siempre se ha sentido un marginado. “Aun no me doy por acabado, como le pasa a Susn, pero el resto de mi vida guarda un gran paralelismo con la suya. Por eso este montaje es tan especial para mí, porque tiene mucho de personal e íntimo”.
Le recuerdo que cuando vino con Othello comentó que no se sentía nada satisfecho con el montaje por razones personales; estaba demasiado ligado a una relación fallida. ¿No estará intentando descifrar la complejidad de las mujeres con Susn? “Sí, es la historia de mi vida”, concede, “pero no lo he conseguido nunca”.
Es difícil decir si a nivel personal está donde desea, pero lo que está claro es que profesionalmente no se puede quejar. Ocupa el cargo de presidente del Deutsch-Franzosischer Kulturrat (DKFR), el consorcio cultural franco-alemán, desde 2009; Susn, que puede verse en el Teatre Municipal de Girona en función única este sábado, está girando más de lo que había imaginado; ha alargado su contrato con la Schaubühne, que expiraba en 2015, hasta 2018 y ya quisieran nuestros teatros tener los problemas que tienen allí. “Estamos teniendo mucho éxito con las producciones y un montón espectadores”, comenta.

La madurez de Ibérica


Una de las compañías más sólidas y constantes del panorama español, Ibérica de Danza, cumple 20 años de trabajo y creaciones. Especializada en la recreación de la danza tradicional y en la estilización de los bailes vernáculos, con un rigor y gusto que los ha caracterizado hasta sellar una personalidad distintiva, Ibérica se embarcó desde el principio en un trabajo cultural complejo donde aúna estudio y talento coreográfico. Su director, Manuel Segovia, que ganó el premio Nacional de Danza por su labor, contesta a EL PAÍS por los aspectos fundamentales de la situación local y a las motivaciones de su trabajo artístico.
Ibérica de Danza estará en el Teatro Fernán Gómez de la Plaza de Colón de Madrid del 28 al 30 de noviembre con un nuevo programa prismático y variado, una decena de bailarines en escena y acompañado por músicos en directo, entre los que están sus colaboradores más habituales: Eliseo Parra, Eduardo Laguillo, Javier Paxariño y Fernando Egozcue, además de con contribuciones coreográficas de Carlos Chamorro, Gemma Morado y Antonio Najarro, actual director del Ballet Nacional de España.
¿Cómo ve la conservación y transmisión del folclore español?
En mi opinión, no goza de buena salud. Sería justo reivindicar una formación equivalente a otras áreas y disciplinas del mundo de la cultura y la enseñanza, además debería ser sustentada por instituciones oficiales. El tremendo esfuerzo individual y de algún colectivo, apenas se reconoce y debería tenerse más en cuenta. Y en lo que se refiere a los grupos de danzas, que luchan por mantener un patrimonio inmaterial identitario, tendrían que estar más presentes para obtener el lugar que merecen en la cultura española.
¿Cómo maneja los conceptos de “estilización” y “clásico-español”?
Nuestros grandes compositores, dejaron un camino abierto a la inspiración. Para mi “clásico español” es conceptualmente ser capaz coreográficamente de obtener una pieza de la misma altura artística con la que Granados o Albéniz trataban la música española, para lo que se requiere dedicación, respeto, disciplina y método. La estilización puede también aplicarse al folklore, a la escuela bolera, incluso a todas aquellas danzas que son “contaminadas” por un trabajo de estilización del movimiento para conseguir un determinado orden coréutico.
¿Define el concepto de folk la naturaleza de su trabajo escénico?
Folk para mí es estar en la frontera de lo rural y lo urbano, admitir que muchas de nuestras tradiciones se quedaron en esos maravillosos pueblos de España. Folk es sentir devoción por lo nuestro, danzas, músicas y tradiciones y ponerlo en valor sin miedos y con respeto. Folkes entender que una arada también se puede cantar en la ciudad y puede sonar igual de hermosa. Mi trabajo escénico trata de ajustarse a estos criterios, es lo que intento.
¿Cómo responde a la utilización de la tradición en las nuevas músicas?
Creo que si se hace bien y con el criterio suficiente, es positivo. Sin perder la perspectiva y valorando cada paso que se da, y por supuesto, se tiene que hacer desde el respeto y acercándose con la voluntad de sentir lo esencial del material con el que se trabaja.
¿Cómo se articula la preparación de un bailarín para ‘Ibérica’?
En Ibérica de Danza se manejan diferentes géneros de danza española. También, estilos de diversos coreógrafos colaboradores o danza de autor. El bailarín, por lo tanto, tiene que atender a un abanico de disciplinas que no es fácil obtener si no es con una fuerte preparación en escuela bolera, estilización, folklore, flamenco, y clásico. Todos son fundamentales para estar en Ibérica.
Intente definir brevemente el estilo de su trabajo y compañía.
Explorar movimientos a través de la investigación de nuestro folklore, atendiendo al paradigma de que la tradición siempre está viva, tratar de transmitir esta pasión por mis danzas y poner alma en cada instante.
¿De quién o quienes reconoce influencias en su trabajo coreográfico?
He tenido grandes profesores, Juanjo Linares, Pedro Azorín, Juanita Taff, María Magdalena, Aurora Bosh, Goyo Montero, Alberto Lorca, y como referentes Bejart, Kylian o Pina Bausch, entre otros, para mí, genios de la danza de hoy.
¿Se ha roto la cadena de aprendizaje entre los viejos maestros y el futuro?
Se ha roto la transmisión de la cultura popular y su sistema conocido por “tradición oral”. Ésta se ha ido transformando poco a poco y todo aquello que conservaba y trasmitía por la fórmula del trasvase generacional de elementos distintos, laborales, festivos, económicos, o religiosos. Desde mi punto de vista No hay interés político, ni de Estado, por conservar y transmitir todo aquello de tiempos pasados, y es hoy más que nunca una necesidad que se debería cubrir con criterios pedagógicos, desde un punto de vista general.
¿Cuál es su criterio sobre usos estéticos y la plástica en sus espectáculos?
Nos movemos en la frontera, nos gusta arriesgar y explorar nuevos conceptos, aplicarlos a nuestra puesta en escena, buscamos una estética de reconciliación entre modernidad y tradición a través de la abstracción y de las nuevas técnicas, intentamos emocionar también con nuestras propuestas plásticas, alagar nuestros movimientos hacia la verticalidad del ciclorama, es cierto que no siempre se consigue, pero siento que en esa búsqueda hay verdad y compromiso.

Carta blanca a tres ballarines d'elit

Viuen cadascuna en una ciutat: Barcelona, Frankfurt i Lucerna. Tenen llargues trajectòries com a ballarines de dansa contemporània. Han passat per companyies de tot el món. Han treballat amb els millors. I tot i que han coreografiat algunes peces per a gales i altres artistes, poques vegades han tingut l'oportunitat i el temps de crear un espectacle des de zero a partir del diàleg amb altres ballarines. El Mercat de les Flors els ha ofert carta blanca.
Iratxe Ansa, formada a Sant Sebastià, amb un recorregut que passa per la Compañía Nacional de Danza, l'Òpera de Lió i la Netherlands Dance Theater i finalment freelance amb casa quarter a Barcelona, va ser qui va rebre la proposta del teatre català i va reclutar dues ballarines amb una trajectòria paral·lela a la seva però amb una personalitat amb "més diferències que similituds".
Van ser escollides la barcelonina Sandra Marín i la basca Jone San Martín, totes dues formades a l'Institut del Teatre i membres en actiu de ballets internacionals; la primera va deixar la Netherlands per entrar a la companyia Kidd Pivot i la segona forma part de l'equip de William Forsythe, primer al Frankfurt Ballett i ara a la seva companyia.
La trobada a l'escenari va trobar ressò en l'escultura de Jorge Orteiza i, abans de començar a treballar, ja van titular l'obra Esculpiendo el vacío, com una premissa oberta per jugar amb els seus cossos a escena. "Compartim el nostre bagatge. Es tracta d'una creació a partir de la nostra experiència com a ballarines. Amb el temps t'adones que com a intèrpret tens molta responsabilitat, i adquireixes un coneixement. Aquí es tracta d'unir la nostra experiència i veure fins on ens porta", reflexiona San Martín.
Des del Mercat de les Flors, on l'experiment es podrà veure des d'avui fins diumenge, consideren que el procés de treball i l'oportunitat cedida a aquests talents expatriats és tan important com el resultat final presentat a escena.
Esculpiendo el vacío consta de dues parts. La primera, formada per tres solos de tres grans coreògrafs internacionals, serveix de presentació de les ballarines. La segona havia de ser la peça de creació pròpia que les ajuntés. Una lesió d'última hora de Sandra Marín, ahir mateix, mentre assajava el solo A picture of you falling, de la coreògrafa Crystal Pite, obligarà a canviar els plans. Olga Cobos, una altra ballarina que va treballar a Frankfurt (Rui Horta), Lisboa (Ballet Gulbenkian) i Londres (Russell Maliphant Company) fins a crear la seva pròpia companyia, Cobosmika, resident a Palamós, serà qui la substituirà amb un solo de la peça Choice de Russell Maliphant, un dels grans de la dansa a Anglaterra.
En aquesta primera part, San Martín ballarà Legítimo/Rezo, un solo que li ha esbossat William Forsythe perquè ella el completi. "Per mi és un vot de confiança de Forsythe, després de vint anys de feina en comú. El material que desencadena la peça és l'àudio", explica San Martín.
Un solo amb música de Bach
Iratxe Ansa, en canvi, no remuntarà cap peça anterior sinó que el coreògraf barceloní de la Sidney Dance Company, Rafael Bonachela, li ha creat un nou solo per ella. La força i fisicalitat són la base de Guts (coratge), una peça que va acompanyada de música de Bach interpretada en directe pel violinista Sergi Alpiste.
La segona part la ballaran només Ansa i San Martín. Aquesta última diu que la peça està "marcada per la mirada" de dos artistes que hi han intervingut, un com a director i l'altre com a inspirador: el coreògraf Jacopo Godani i l'artista visual i fotògraf Rahi Rezvani, de qui es projecta una animació de 5.000 fotos que marca l'inici d' Esculpiendo el vacío.

27/11/13

El regreso del Valle-Inclán más salvaje

Rey Lear galaico, Juan Manuel Montenegro pasea su poder y su culpa por un monumento del teatro contemporáneo, las Comedias bárbaras de Ramón María del Valle-Inclán. Ernesto Caballero, director del Centro Dramático Nacional, estrena el viernes su versión de la trilogía, rara vez representada en España de forma conjunta. En 1991 la dirigió José Carlos Plaza, y en 2003 la llevó a escena Bigas Luna. Montenegro. Comedias bárbaras anuncia los desmanes de una era iracunda y salvaje. En la piel del despótico caballero, Ramón Barea, que ayer recibió zambullido en los intensos ensayos la noticia de la concesión del Premio Nacional de Teatro por una trayectoria (actor, director, dramaturgo, productor…) “integral”.
Y de fondo, el gran mosaico de un país sepultado por la bestialidad. Paisaje desolador que se cierra con una fatal frase final —“¡Malditos estamos! Y metidos en un pleito para veinte años”— cuya resonancia en el presente es tan inevitable como estremecedora. “La analogía está ahí, aunque yo ni la buscaba ni hemos hecho un montaje en torno a eso. Solo es que Valle-Inclán habla de un mundo bárbaro y nosotros también estamos sumidos en un proceso de descivilización, en nuestro caso heredado de un capitalismo salvaje que nos ha empujado a ser lobos y depredadores”, explica Caballero. “Vivimos un derrumbe y las Comedias bárbaras es precisamente la historia de un derrumbe. Pero lo más importante es que Valle-Inclán no juzga y, con todos sus excesos, crea un personaje en el que confluyen grandeza y miserias. Todavía no está sometido a la estética del esperpento, mira desde muchas perspectivas, y ahí reside la esperanza de esta obra: nos permite contemplar con distancia, nos regala lucidez. Valle no alecciona, admite que la realidad es compleja y contradictoria y él, de manera sobrecogedora, contempla esa realidad desde diferentes ópticas. Es eso lo que más estimula nuestras cabezas”.
Valle-Inclán escribió las Comedias bárbaras después de leer el Rey LearFuenteovejuna. “Descubre con estas lecturas que el teatro puede tener un componente mítico, una grandeza trágica, y por eso crea uno de los personajes más complejos y de mayor fuerza dramática de nuestra literatura”. Para Caballero lo más importante es la confrontación de una lectura simbólica (“de la Galicia de fuerzas ocultas…”) con un retrato crudo y profundo de la realidad. Pisa tierra a la vez que toca una realidad paralela esotérica en la que profecías, perros, locos, demonios y brujas entran y salen de escena. Años después de cerrar con Cara de Plata (1922) la trilogía que había arrancado con Águila de Blasón (1907) y Romance de lobos (1908), Valle-Inclán cambió el final. En principio, el telón caía con un “¡Era nuestro padre!” proclamado por los mendigos ante el fantasma de Montenegro, pero el autor decidió poner un nuevo punto final en boca de los hijos y alejado de cualquier tentación épica. “¡Malditos estamos!... ya estaba inmerso en el siglo XX, le basta esa sola frase para introducirnos de golpe todo el esperpento”.
Pero hablar de Valle-Inclán es también hablar de la imposibilidad de representarlo, ese eterno y ardiente debate que siempre ha rodeado al autor de Luces de bohemia. Caballero enuncia su propia fórmula: “Valle-Inclán era consciente de que su teatro era imposible en la realidad de su tiempo. Por eso se refugió en la literatura. Él sabe que sus acotaciones son irrepresentables, maravillosas e imposibles. Además, la obra transita por cuarenta espacios diferentes. Algo que hoy, por su fragmentación, es muy cinematográfico: las escenas parecen más secuencias. Pero sus diálogos son teatro puro, y Valle nos incita a encontrar nuestro propio lenguaje, escribe para estimular nuestra imaginación. Si lo que se quiere es ilustrar la obra uno está absolutamente perdido, por eso solo queda una salida: crear un lenguaje escénico autónomo, traducir su poética teatral con toda la libertad que nos permite”.

Rigola fa pujar a l'escenari catorze immigrants de Salt, en l'obra ‘Migranland'


Font: elpuntavui.cat

Catorze immigrants de diferents nacionalitats residents a Salt pujaran aquest cap de setmana a l'escenari per explicar les seves experiències aMigranland, un espectacle dirigit per Àlex Rigola que s'estrena dins del festival Temporada Alta, amb tres funcions a la Coma Cros: dissabte (17 i 20 h) i diumenge (17 h). Les entrades costen 10 euros.
L'espectacle, organitzat amb la col·laboració de l'Ajuntament de Salt, també forma part del programa Art per a la Millora Social de l'Obra Social La Caixa i del seu programa Interculturalitat i Cohesió Social, amb l'objectiu de contribuir al desenvolupament personal dels participants i d'afavorir la seva integració social.
Migranland és “un espectacle itinerant”, amb un circuit que comença i acaba a la Factoria Cultural Coma Cros de Salt: un viatge físic i virtual en el qual els espectadors seran alhora observadors i participants, i ensopegaran amb alguns dels obstacles amb què es troben els immigrants en el dia a dia.
Rigola va presentar l'espectacle ahir a Barcelona amb el director del festival, Salvador Sunyer; el director de l'àrea de cultura de l'Obra Social La Caixa, Ignasi Miró, i alguns intèrprets de l'obra, entre els quals hi ha cubans, marroquins, gambians, xilens i, sobretot, senegalesos. Són Wafae Zrakti, Fatoumatta Sinera, Ibrahima Ba, Josep Mbappe Koumatobo, Balla Moussa Dieng, Isatou Sanneh, Ibrahima Sabaly, Doris Pérez, Majda Banani, Guillermo Quijano, Ibra Sembene Gueye, Sira Kande Diamanka, Ahmed Achouih i Alassane Diop, junt amb els actors Xavier Valentí i Georgina Asin, i amb la col·laboració del Cor Àkan.
Paraula, fotos, vídeo

Els mateixos intèrprets han seleccionat quina part de la seva vida volen explicar al públic i ho faran utilitzant “la paraula, la fotografia, el vídeo, la gastronomia, la poesia i tots els mitjans al nostre abast”, segons Rigola. De fet, els immigrants són també els autors de bona part del material audiovisual de l'obra, que han preparat amb l'ajuda del fotoperiodista Jordi Ribot (Iconna) i de Pime-Nanouk Films.
Rigola va remarcar que Salt “és una zona tradicional d'integració, però els mitjans de comunicació solen centrar la seva atenció en els conflictes i en els membres més díscols de la comunitat, quan també hi ha moltes persones que viuen situacions molt difícils sense caure en la drogoaddicció ni la delinqüència, i que es mostren molt solidàries”.

26/11/13

Companyia de teatre jove busca menjador per actuar


L'etiqueta de bohemis, en el teatre, va a la baixa. Els "fills de la crisi", com en diu l'actriu i poeta Estel Solé, han de jugar la carta d'emprenedors si volen tenir oportunitat de treballar. A falta de propostes per actuar en un teatre, van decidir inventar-se el seu propi projecte. I a falta de teatre per presentar-lo, van optar per buscar cases particulars per testar l'obra entre amics. Aquest és el recorregut que enceta ara l'espectacle Animals de companyia , la primera dramatúrgia d'Estel Solé, dirigida per Marilia Samper (L'ombra al meu costat).
Després d'un primer cap de setmana d'èxit de representacions -al menjador de casa d'una amiga, interiorista, on van encabir unes trenta persones per funció- aquest cap de setmana és la periodista Elisenda Roca qui obre les portes de casa seva en tres sessions més -amb entrades ja exhaurides-. Del 12 al 15 de desembre faran parada a la Nau Ivanow. I, després, la companyia iniciarà gira per Catalunya, fent el salt de casa en casa, amb un nou circuit de programació alternatiu i underground que és, precisament, una de les singularitats de la proposta. Programadors i particulars ja s'han interessat a acollir l'obra, un teatre low cost que connecta amb un públic àvid de viure una experiència teatral no convencional.
L'origen de la proposta es remunta a un any i mig enrere. Estel Solé és autora de dos poemaris i una actriu que ha sovintejat la televisió (La Riera) i el cinema ( V.O.S. ), però pràcticament no ha tingut oportunitats al teatre. Ella i quatre actors més (Eduard Buch, Míriam Tortosa, Martina Tresserra, Juanma Falcón) van decidir arremangar-se i fabricar la seva obra. Van reunir-se per assajar i crear situacions, sense cap apunt previ, com un exercici actoral, seguint els sistemes de treball que proposen autors com Rafael Spregelburd i Alfredo Sanzol. Així van néixer els cinc personatges protagonistes, sobre els quals l'autora va escriure una història. Després de presentar el text a tres sales sense rebre resposta positiva, mig any després van optar per estrenar-la al marge, aprofitant una escenografia natural, i esperar el boca-orella.
Els racons de l'amistat
Animals de companyia quatre amics esperen, amb un sopar sorpresa, una altra amiga que torna a casa després d'un ingrés en un psiquiàtric. Just abans que arribi, un dels amics confessa un secret que ha tingut lloc durant aquest temps. L'obra reflexiona "sobre el valor de la sinceritat, de l'amistat, de què passa quan una persona propera té un problema, de com actuem davant de situacions que ens incomoden", diu Solé. "Quan algú es presenta amb un problema de veritat, greu, davant teu, la incomoditat et pot bloquejar i fer que siguis incapaç de preocupar-te realment per l'altre", opina l'autora. El retrat de personatges se suma al retrat generacional i social d'una època de crisi. Una reflexió quotidiana, un sopar que podria passar a casa vostra. Només necessiten cerveses fredes.

La companyia Els Pirates Teatre es fa càrrec del Círcol Maldà



La companyia Els Pirates Teatre gestionarà la singular el Círcol Maldà de Barcelona. La direcció artística anirà a càrrec de tota la companyia i serà l'Adrià Aubert, violinista, director de teatre i cofundador d'Els Pirates Teatre, l'encarregat de coordinar el departament. La sala obre amb la voluntat d'oferir espectacles de diverses disciplines en un espai únic i autèntic on el públic gaudirà d'una experiència propera i íntima.

Segons explica la companyia, la programació del Círcol Maldà tindrà tres línies diferents: teatre i dansa, concerts i cabaret. Al voltant d'aquesta programació hi haurà una sèrie d'activitats relacionades, com ara petites exposicions, conferències i debats. La temporada al petit teatre del carrer del Pi, al Barri Gòtic de Barcelona, començarà l'11 de desembre amb l'espectacle musical 'Sing Song Swing', interpretat per la mateixa companyia Els Pirates Teatre.

Ramón Barea, Premio nacional de teatre


Ramón Barea (Bilbao, 1949), ha estat guardonat avui amb el Premio Nacional de Teatre2013, per la seva faceta d'"home de teatre integral", com a actor, director, dramaturg i productor. El jurat també destaca que Barea "ha combinat projectes arriscats, com la salabilbaïna' Pabellón 6', amb una clara implicació en el seu entorn més proper, amb altres d'àmplia difusió nacional, com els seus últims treballs a la Companyia Nacional de TeatreClàssic, 'En la vida todo es verdad o todo es mentira', o 'Las comedias bárbaras', que estrena el Centro Dramático Nacional el dia 3 de desembre, en la qual Barea assumeix el paper principal de Montenegro".
L' actor, director, dramaturg i productor comença a treballar en els anys 70 formant part degrups de teatre independent professional del País Basc: Cómicos de la Legua i Karraka, dels quals fou fundador i intèrpret, per després passar a escriure els textos i exercir de director. En aquest temps destaquen espectacles com el musical 'Bilbao Bilbao', 'Oficio de Tinieblas 5', 'Okupado', 'Euskadifrenia', 'Ubú Emperatriz', 'La Palanca Gran Cabaré', y 'Hoy última función'.
Com a director teatral seus últims treballs han estat 'El hombre que confundió a su mujer con un sombrero', basat en l'assaig del neuròleg Oliver Sacks, 'El hombre de los dados'de Luke Rinhard, del que ha fet igualment la dramatúrgia, 'El buscón', ' Emma' , ' BilbaoBilbao', 'Ecografíasi ' Esencia patria'.
Ha participat com a actor en diverses sèries de televisió, mentre que al cinema ha treballatem més de 100 pel·lícules. Algunes de les més destacades son: 'La muerte de Mikel', d'Imanol Uribe; '27 horas', de Montxo Armendáriz; 'Todo por la pasta', d'Enrique Urbizu; 'Acción Mutante', d'Álex de la Iglesia; 'La madre muerta', de Juanma Bajo Ulloa; 'La buena estrella', de Ricardo Franco; 'La comunidad', d'Álex de la Iglesia; 'Obaba', de Montxo Armendáriz; i 'No controles', de Borja Cobeaga . Més recentment, ha participat en 'La herida', de Fernando Franco, que va ser premiada al darrer Festival de Sant Sebastià.

20/11/13

BOLXEVICS


DRAMATURGIA: ÀLEIX AGUILÀ
DIRECCIÓN: JÚLIA BARCELÓ
INTÉRPRETES: MARC RODRIGUEZ, PAU VINYALS, MAGDA PUIG i el COR BOLXEVIC
DURACIÓN: 1h 20min
PRODUCCIÓN: COMPANYIA SOLITÀRIA
BIBLIOTECA DE CATALUNYA

Estamos de enhorabuena, la Cia Solitària ha vuelto! Esta vez, el dramaturgo Aleix Aguilà ha dejado de lado los dramas personales y se ha atrevido con una tragicomedia con un marcado acento político y social. Los miembros de un movimiento antisistema que se reúnen o se encierran en una capilla para planear sus próximas acciones. A lo largo del montaje veremos como el grupo pasa por varias fases y como la relación de sus miembros va modificándose. 

Buscaban una capilla, un lugar no convencional, a poder ser no una sala de teatro. Un día, viendo una representación en la Biblioteca de Catalunya se les ocurrió que podían representarla en el bar. Pero Oriol Broggi creyó en el proyecto y han acabado en la sala grande. Eso sí, ahora tienen más espacio que en las terrazas por donde giró Nòmades, pero no han perdido nada de su espíritu experimental del principio. Si bien es cierto, sus textos han dejado aparcada la familia de momento y han tomado un cáliz más político.

Una mesa, sillas, Chewbacca y un texto lleno de continuas referencias a la realidad de nuevos movimientos sociales que buscan la justicia para todos y nos sólo para unos pocos, pero a los que le falta cohesión y objetivos comunes. Aleix Aguilà ha elaborado un tragicomedia cotidiana que toca muchos aspectos, se hace muchas preguntas pero ninguna tiene respuesta. El espectador ya se encargará a la salida de debatir consigo mismo o en grupo qué le han querido decir.

La solemnidad del espacio se ve reforzada en esta ocasión por un coro formado por alumnos del Institut del Teatre que son parte de este grupo en la sombra. Pau Vinyals nos deja absolutamente maravillados con su personaje, aportándole una gran cantidad de matices para que escena tras escena nos sorprenda. Cabe destacar también la gran interpretación de una, para mi, desconocida Magda Puig que me atrapó con su mirada y con su fuerza escénica.

Júlia Barceló firma la dirección de Bolxevics que tendrían que adecuar su tono de voz a la maravillosa sonoridad de la sala. El mensaje nos ha llegado, quizás demasiado alto. De momento sólo quedan dos funciones, el próximo sábado y domingo. Todavía no es demasiado tarde para recomendarles que vayan a deleitarse con un teatro necesario y que no les dejará indiferentes.

19/11/13

Los Monty Python se reúnen de nuevo


Los Monty Python, uno de los grupos humorísticos más relevantes de los últimos años, regresan a los escenarios, más de treinta años después de su último trabajo juntos. Así lo anunciarán dentro de unos días en una rueda de Prensa en Londres. John Cleese, Terry Gilliam, Terry Jones, Eric Idle y Michael Palin han desvelado en Londres que durante meses han estado en conversaciones para poner de nuevo en pie su Flying Circus. Durante años, ha habido varios intentos frustrados de reunión. Los cinco miembros supervivientes del grupo (Graham Chapman murió en 1989) dijeron que era «ahora o nunca».
John Cleese, de 74 años, Terry Gilliam, de 72, Eric Idle, de 70 años, Terry Jones, de 71, y Michael Palin, de 70, no han especificado si el grupo volverá a escena con una presentación en directo, un especial de televisión o una película. Eric Idle publicó ayer en su perfil de Twitter: «Sólo quedan tres días para la rueda de prensa de Python. Aseguraos de que los fans de Pyton estén en alerta ante la próxima gran noticia».
Este grupo de humor surrealista, fundado en Reino Unido a finales de la década de los 60, logró un gran éxito televisivo con la serie «El circo volador de Monty Python», emitida en la cadena británica BBC por primera vez el 5 de octubre de 1969 y que llevó a la banda a hacer giras, películas y musicales. Después de que la serie dejara de producirse en 1974, Monty Python se adentró en el cine con películas que lograron grandes taquillas y que hoy siguen arrastrando muchos seguidores, como «Los caballeros de la mesa cuadrada», de 1975, o «La vida de Brian», de 1979, un éxito que sigue emitiéndose cada Semana Santa.
Su última película, «El sentido de la vida», se estrenó en Estados Unidos en marzo de 1983 y fue el último proyecto en el que los cómicos de Monty Python trabajaron juntos a tiempo completo.
En 2005, Eric Iddle estrenó en Nueva York el musical «Spamalot», basao en varias películas y sketches del grupo.