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29/8/14

El Círcol Maldà apuesta por todos y tiene todas las cartas para ganar la partida de la temporada 14-15



Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Exultantes y felices comenzaban la rueda de prensa de presentación de la temporada 2014-15 del Círcol Maldà, los miembros de la compañía Els Pirates Teatre. No es para menos, después de una primera temporada prometedora, llena de emoción y dudas, el público les ha dado la razón y ha ocupado sus asientos. Una media del 70% de ocupación en el teatro-danza-cabaret y música, en el que si sólo contamos el cabaret sube hasta el 90% es una excelente noticia para esta sala off que presenta su temporada de consolidación con grandes nombres y con más ganas que nunca.

El Círcol Maldà es una de las salas más multidisciplinares de Barcelona y en esta multitudinaria rueda de prensa ha presentado sobre todo teatro-danza, aunque también ha dejado entrever algunos de los espectáculos de la temporada de cabaret, aún no cerrada, dos espectáculos infantiles y la parte de conciertos, se está acabando de cerrar se presentará en otra rueda de prensa de cara al otoño.

Muchas caras conocidas han llenado a rebosar las Galerias Maldà, como ya habrá tiempo para profundizar en cada uno de sus espectáculos os daré nombres y claves para que vayamos abriendo boca, en una temporada donde más de uno convertirá esta pequeña sala en una de sus predilectas. Pasen y vean.

LA NORMA DE L'EXTICIÓ. A partir del 17 de septiembre la Cia Ignífuga reinventa Planotov de Anton Chéjov. Ocho actores en escena darán vida a una obra llena de las clásicas negaciones de Chejov y que lleva a sus protagonistas a vivir en la imprudencia. Su dialéctica se centra entre la diversión y la responsabilidad. ¿Tienen los jóvenes derecho a divertirse en este contexto de crisis?

LA NIT JUST ABANS DELS BOSCOS. A partir del 18 de septiembre. Vuelve uno de los grandes éxitos del Off del Romea, donde está vez cambiará las calles del Raval por las del Gótico, lo cuál para su director Roberto Romei es una incógnita como los vecinos reaccionarán ante la singular propuesta.

QUIETUD SALVATGE. Del 22 de octubre al 2 de noviembre. Una de las grandes compañías del circuito alternativo estará muy presente esta temporada en el Maldà con dos monólogos. El primero protagonizado por Júlia Barceló, Quietud Salavatge es una adaptación de Terra Baixa que se centra en el personaje de Marta, que está a punto de ser libre y que se dirige a aquellos que la retienen para acusarlos de ser espectadores pasivos de una tragedia permitida durante los últimos años.

ACLUCA ELS ULLS. A partir del 5 de octubre. Primera propuesta de Teatro Familiar, donde la Compañía Parpelles nos presenta un cuento en forma de teatro teatralizado. 

CANÇONS D'AMOR I DE GUERRES. Del 5 al 11 de noviembre. Una obra que relata en primera persona historias reales de lucha y resistencia, de prisiones y torturas, de hambre y pobreza, de pérdida y dolor. Nanas de la cebolla de Miguel Hernández es una de las canciones que pondrá música a las penas de un espectáculo que sirve de homenaje a las víctimas de guerras y genocidios.

EL LLARG DINAR DE NADAL. A partir del 12 de novembre. La Companyia La Ruta 40 rescata una obra de un dramaturgo norteamericano no excesivamente representado, Thornton Wilder, de 1931. En un sólo acto, el montaje revivirá las 90 cenas familiares en el comedor de la casa de los Bayard, lo cual será todo un viaje a través de la vida del campo y los cambios en las costumbres y hábitos de una parte de la sociedad  americana del cambio del siglo pasado.

MARES I FILLES. A partir del 13 de noviembre. Musical de creación de Clara Peya y David Pintó, interpretado por Mariona Castillo y Nina. Una madre y una hija necesitan separarse para poder vivir su vida, el problema surge cuando ninguna de las dos quiere perder lo que tiene.

NIT DE REIS. A partir del 10 de diciembre. A partir del clásico de William Shakespeare, Els Pirates Teatre hacen su particular versión. Una de las propuesta que más despertarán tu curiosidad si conoces un poco de la trayectoria de esta compañía. 

O. En Febrero. La compañía mallorquina Corcada Teatre realizará una versión libre del clásico de Shakespeare, Othelo, con la manipulación, el ejercicio arbitrario del poder y los celos como ejes principales de la trama.

LES SUPERTIETES. Del 1 al 22 de febrero. El segundo espectáculo de Teatro Familiar de la temporada basado en Contes Infantils contra tot pronòstic de Empar Moliner. Cuentos de tres tías que no tienen hijos ni sobrinos a quien explicárselos y el público será su cómplice.

KABARETT PROTOKOLL. Marzo. Helena Tornero explicaba la idea loca del proceso de inicio de este espectáculo que según su autora será un ensayo noche tras noche y que sólo el último día se estrenará. La acompañan en la aventura Oriol Genís o Ester Nadal, entre otros.

LA CIUTAT NO ÉS VOSTRA. Març. El segundo monólogo de la temporada del Maldà a cargo de la Compañía Solitària. En esta ocasión, Pau Vinyals nos hablará de la situación actual de Barcelona, entre derribos de edificios emblemáticos, el Barça y volver a ser la Capital del Mediterráneo. Seguro que te suena de algo...

AQUELLOS DÍAS AZULES. Abril. El gran éxito de la temporada pasada del Maldà fue esta obra escrita y dirigida por Marc Artigau i Queralt y que a muchos, una servidora incluida, nos divirtió y nos emocionó a partes iguales. Un recuerdo a los niños que fuimos y que siempre vivirán en nosotros. No te la pierdas.

WOYZECK CADUCAT. Abril. Roger Torns realiza una versión libre del clásico de Büchner.

EL CLUB DELS PESSIMISTES ACTIUS DE BARCELONA. Junio. La excepción será máxima hasta que conozcamos más detalles de la nueva propuesta de la Compañía Sixto Paz, pero el título ya lo dice todo, no apta para optimistas. Tenemos hasta junio para cambiar de bando.

ENDEVINA QUI VE A SOPAR. Julio. Adapación teatral de la película de Stanley Kramer con guión de William Rose y protagonizada por Spencer Tracy, Katherine Hepburne y Sidney Portier. Está vez será Oriol Ferrer quien dirija a Lina Lambert y Blai Llopis en una obra que se enfrenta con el tema del rascismo, aquel que no mostramos por ser políticamente incorrecto, pero cuando nos toca cerca, dejamos entrever y no siempre de la manera más civilizada.

PEGGY PICKIT. Julio. De Roland Schimmelpfenning bajo la batuta de Moisès Maicas y con un reparto de lujo con nombres como Anna Alarcón, Mireia Aixalà o Jacob Torres, entre otros. La obra es una reflexión lúcida, irónica y cáustica sobre la envidia y el sentimiento de culpabilidad del mundo occidental.

Una de las novedades de esta temporada la protagonizan los dos espectáculos dedicados a la palabra y a la poesía, en concreto de Joan Vinyoli (poeta al cual la compañía Els Pirates Teatre se siente muy afín y del que este año se celebra el centenario de su nacimiento). EL LLAC DE LA MEMÒRIA, el 12 de septiembre, dibujará un recorrido por los miedos, los anhelos y los recuerdos de Vinyoli. CREMADES D'ÚLTIM GRAU, el 13 de septiembre un espectáculo poético musical donde la palabra se sentirá pura y totalmente despullada de artificios.

Después de una primera edición exitosa de "Maldà en Dansa", esta temporada la danza también estará presente. De momento sólo nos han avanzado que mantendrá el espíritu de mezcla de géneros y estilos como la temporada pasada, con espectáculos más clásicos y otras más arriesgados.

Para finalizar tenemos un pequeño adelanto de por donde irán los tiros en el apartado de cabaret:

RADIOMAN. Del 22 de septiembre al 13 de octubre. De Joaquin Daniel donde el sentido del humor y el ambiente del público manda, en este monólogo musitado donde historias y canciones se entremezclan.

CUENTOS CRUENTOS. Del 22 de septiembre al 13 d'octubre. Vuelve a la cartelera esta visión irreverente y contemporánea de viejas historias.

ACÚSTIC BROADWAY. Del 15 de diciembre al 5 de enero. Un recorrido por las canciones de los musicales más conocidos de Broadway en formato acústico y con un peculiar toque de humor.

AL CEL MOS VEGEM TOTS PLEGATS. Febrero. Dentro del ciclo de rondalles mallorquinas, donde diferentes directores nos darán su particular versión con una compañía creada especialmente para la ocasión y coordinada por Catalina Florit.

EXPRESSIONS D'UNA ALEMANYA. Del 12 al 19 de enero. Un concierto íntimo de canciones de entreguerras con dirección y dramatúrgia de Laura López.

Tendremos que ir preparando nuestras agendas, porque el Círcol Maldà ha venido para quedarse y su segunda temporada tiene todos los elementos para ser una de las imperdibles de la oferta teatral barcelonesa. Nuevos aires, gente joven a la que la crisis simplemente les ha hecho tirar adelante un proyecto que ya es todo un éxito. Enhorabuena. Y por favor, ¡qué empiece la temporada ya!

28/8/14

Lo social, en venta al Versus-Gaudí



Fuente: Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Inicio de temporada para los teatros de la ciudad, como es el caso del Teatre Gaudí y del Versus Teatre. Después de una temporada 12-13 donde las cuentas han dado un balance negativo de más de 60.000€, y con la temporada 13-14 todavía no cerrada, porque son dos teatros que no cierran ni hacen vacaciones. El 2014-15 se presenta como un año de recuperación, pero por el contrario que otros escenarios de Barcelona, Gaudí y Versus optan por no abandonar la lucha y no venderse al teatro comercial.

De alguna manera u otra, ambos teatros siempre han apostado por una programación joven y social, pero quizás esta sea la temporada, donde los seis primeros meses estén casi exclusivamente dedicados al teatro de este tipo, donde el carácter social se note más. Según el propio Ever Blanchet: "El teatro social no sólo se basa en causas económicas, sino que también esconde otros intereses: revueltas urbanísticas, segregación por raza, sexo o condición sexual, maltrato físico. Las revoluciones en contra se tienen que convertir en revoluciones a favor".

Después de las premisas iniciales, los responsables de las tres obras que inaugurarán la temporada hicieron hincapié en la propuesta de teatro social en sus discursos. El Versus Teatre abrirá con VERSUS del dramaturgo y director José Pascual Abellán que ya conoce el escenario porque ha estado todo el mes de agosto con Las cosas que faltan sobre la adopción homosexual. Ahora, cambia de escenario social para adentrarse en el mundo de la libertad y de las prisiones. Versus explica la vida de dos hermanas, una de las cuales está en prisión por haber matado a un hombre. Pero quizás la que esté encerrada goce de más libertad que la que se supone vivir libre sin "ataduras". Versus estará en cartelera del 3 al 28 de septiembre (el día 11 no hay función).

El Teatre Gaudí iniciará la temporada con una adaptación de la novela, SUNSET PARK del célebre escritor norteamericano Paul Auster del 5 de septiembre al 12 de octubre (el 11 de septiembre no hay función). Ivan Padilla adapta y dirige el montaje que aborda alguna de las consecuencias de la crisis devastadora en la que todavía vivimos sumergidos. Cuatro jóvenes deciden ocupar una casa abandonada en Nueva York. Como bien explica el propio Padilla, lo de menos es donde sucede la acción, Nueva York o Barcelona todos habremos visto, vivido o escuchado situaciones muy similares a la de estos jóvenes. Sunset Park viene de la mano de la misma compañía que el año pasado presentó en Versus-Gaudí Oceà de Alessandro Baricco. Ambas muy separadas en cuanto a temática, pero que tienen una cosa en común, la música en directo.

Y para que no nos deprimamos nada más comenzada la temporada, una comedia alocada bajo la batuta de Daniel J. Meyer. Juventud, ganas de pasárselo bien, la compañía "La Pepo Teatre" nos presentan TOTHOM DIU QUE ESTÀ BÉ, un texto de Dani Amor, en el cual tres amigos, deciden irse a vivir a Barcelona, donde se encontraran con tres amigas de su infancia. La obra narra los tres años posteriores y que hará a los espectadores que sean cómplices de sus ilusiones, y miedos sobre el amor, la amistad, el sexo, las dudas existenciales y las diferencias entre los puntos de vista masculinos y femeninos. Del 10 al 28 de septiembre (el día 11 no hay función).

Fuera de este inicio prometedor de temporada nos encontramos un buen número de interesantes propuesta hasta febrero:


ELS CÒMICS D'UNA NIT D'ESTIU. Hasta el 12 de octubre. Una adaptación cómica y alocada de "Sueño de una noche de verano" de William Shakespeare. 

HIVERN. Del 15 de octubre al 2 de noviembre. Un texto de unos de los autores contemporáneos más relevantes y al que se considera el Ibsen de nuestros tiempos, Jon Fosse. Un hombre, un banco de un parque, conoce a una mujer, se la lleva al hotel donde se aloja, pero todo queda olvidado. A partir de aquí el misterio, que el espectador resolverá durante la función.

OSOS EN EL AGUA. Del 17 de octubre al 9 de noviembre. Partiendo de la premisa de que para realizar un cambio de verdad, hay que tocar fondo, Labuena Compañía se reintenta a así misma a través del texto, la danza, la performance, el vídeo o la música en su nueva propuesta.

MAGGIE&MAGGIE. Del 12 de noviembre al 7 de diciembre. De la que sólo sabemos que estará dirigida por la multidisciplinar actriz, dramaturga y directora, Cristina Gàmiz.

NO ENS FA FALTA TENIR POR (Una historia de superheroínas). Del 19 de noviembre al 7 de diciembre. Teniendo en cuenta que todos somos superhéroes de nuestro día a día, pero un día nos quedamos encerrados en el ascensor y comenzamos a pensar todo aquello que hacemos por la sociedad cuando en esta hay tanto hijo de su madre. Entonces, algo está cambiando, ya no tenemos miedo.


ANPHITRION. Del 1 al 12 de octubre. Un montaje de Producciones Imperdibles, que está vez adapta el clásico de Plauto.

LA GENT MOLESTA (UN BARRI DIGNE). Del 15 de octubre al 9 de noviembre. La nueva dramaturgia y dirección de Carles Mallol. Un joven inocente decide comprarse un piso en una de las zonas acomodada de la ciudad, de esas donde la crisis ha llegado pero no se nota porque sus habitantes harían lo que fuera por mantener la apariencia de ello. El público, nada más entrar en la sala, se verá inmerso en una Asamblea Extraordinaria que se ha organizado en el barrio, y los espectadores serán los vecinos en esta peculiar asamblea.

CAMBÓ-COMPANYS. Del 5 al 23 de noviembre. Estrenado en 1988 en el Teatre Condal, vuelve a los escenarios bajo la dirección de su mismo autor, Frederic Roda, en un año y en un mes donde el futuro de Catalunya puede cambiar para siempre. Dos discursos de dos personajes históricos que empleaban la oratoria de manera excepcional.

PORTER PARADÍS. Del 3 de diciembre al 11 de enero. Recuperación de la obra de Ever Blanchet estrenada en 2003 en el Versus Teatre en la que se abordan los sentimientos y emociones universales a través de canciones de Cole Porter como Night and Day, Begin the Beguine o I've got you under my skin.

1 HORA Y 1/2 DE RETRASO. Del 14 de enero al 1 de febrero. Tras 30 años de convivencia, una pareja, a punto de salir a cenar, empieza a hablar del hecho de ser abuelos próximamente, de una inminente jubilación, de las ilusiones perdidas, de la sexualidad, de la infidelidad, de los hábitos de convivencia... Humor, ternura y proximidad con el espectador, son los elementos que promete tener esta comedia, donde nadie saldrá como entró.

1 2 TERESA. Del 16 de enero al 8 de febrero. De José Luis Alonso de Santo y producción del Teatre Gaudí.

LIMBO. Del 4 de febrero al 1 de marzo. Con dramaturgia de Marc Rosich y con la música de Clara Peya.  

El debut teatral de Rupert Grint recauda más de seis millones sin levantar el telón



Fuente: Julio Bravo (abc.es)
La comedia de Terrence McNally «It's only a play!» («Solo es una obra») ha recaudado más de seis millones de euros antes de levantar hoy el telón en Broadway. La razón para tanta expectación hay que buscarla en su reparto estelarRupert Grint, el pelirrojo de «Harry Potter», se une a Nathan Lane Matthew Broderick, una de las parejas artísticas de mayor tirón en la cartelera neoyorquina tras su éxito en «Los productores». Y completan el reparto F. Murray Abraham,Stockard ChanningMegan Mullally Micah Stock. Entre los siete reúnen un buen puñado de premios Tony de teatro, Emmy de televisión, e incluso un Oscar de Hollywood (el que consiguió Murray Abraham por «Amadeus»).
Con esta recaudación, los productores han duplicado con creces la inversión en el montaje, de cerca de 2,6 millones de euros«It's only a play» comienza hoy sus representaciones -aunque el estreno oficial será el 9 de octubre- en el Gerald Schoenfeld Theatre de Nueva York, donde estará en cartel hasta enero del próximo año.
Se trata, en realidad, de una nueva versión de la obra de Terrence McNally estrenada en 1986 en el Manhattan Theater Club. McNally, autor de «Master Class» o «Love! Amour! Compassion!», entre otras piezas, y ganador de cuatro premios Tony, ha dicho a playbill.com que «es una oportunidad para contar la misma historia veinticinco años después; Broadway, como industria y como comunidad, ha cambiado enormemente en todo este tiempo, y yo quería reflejar eso. No quería que fuera simplemente una reposición. He tenido la oportunidad de darle nueva vida, y me he lanzado a ello».
«It's only a play» es, según su autor, una carta de amor al teatro. Cuenta la historia de un autor, Peter Austin, (Matthew Broderick) en la noche del estreno de su nueva obra; está ansioso por saber si es un éxito. Es su primera gran noche, y comparte la velada con su mejor amigo, una estrella televisiva (Nathan Lane), su principiante productora (Megan Mullally), su algo colocada protagonista (Stockard Channing), el jovencísimo y genial director (Rupert Grint), un implacable crítico teatral (F. Murray Abraham) y el novato encargado del guardarropa (Micah Stock). Es una obra, según los productores, «es alternativamente estridente, ridícula y tierna, que demuestra que a menudo las grandes risas se producen fuera de escena».
Jack O'Brien, muy premiado en Broadway, dirige la función; en su equipo hay nombres ilustres del teatro neoyorquino, como Scott Pask(escenografía), Ann Roth (vestuario) y Philip S. Rosenberg(iluminación). Según ha contado el autor, todos los actores se sumaron al proyecto nada más recibir el libreto y la propuesta. «Rupert Grint tardó un poco más; se la enviamos por correo electrónico a un rodaje donde no tenía internet; por eso contestó que sí tres días más tarde».

Lope de Vega, en casa de Shakespeare


Fuente: Julio Bravo (abc.es)
Por primera vez, el Globe Theatre de Londres va a tener a un inquilino extranjero; concretamente, a Lope de Vega. Nunca, a lo largo de la historia del escenario en que vieron la luz varias de las obras de William Shakespeare, había entrado allí un autor no británico; no lo hizo en el siglo XVII ni tampoco en el actual Globe, un espacio abierto en 1997, que reproduce un teatro isabelino, que se encuentra a escasa distancia de donde se halló el original y que presenta una programación regular dominada, lógicamente, por la obra de Shakespeare.
Y en este espacio se colará a partir del lunes próximo Lope de Vega. La Fundación Siglo de Oro (Rakatá) presentará entre el 1 y el 6 de septiembre su producción de «El castigo sin venganza». La historia de estas representaciones arranca en 2010. Aquel año, Dominic Dromgoole, director del Globe Theatre, estaba preparando un ciclo que se iba a incluir en la Olimpiada Cultural paralela a los Juegos Olímpicos de Londres; la idea era presentar las 36 obras de Shakespeare por otras tantas compañías de distintos países. Droomgole visitó España, vio el trabajo de Rakatá y le encargó la puesta en escena de «Enrique VIII» para dicho ciclo.
«Ya en aquella visita -recuerda Rodrigo Arribas, actor y presidente de la fundación-, Dominic se quedó fascinado por el texto, que ha sido escasamente traducido en Gran Bretaña, y le gustó nuestra propuesta artística; por eso nos escogió para “Enrique VIII”. Hace año y medio se puso en contacto con nosotros para ver si podríamos presentarlo en el Globe».
Coincide este acontecimiento con la celebración del décimo aniversario de Rakatá, y Arribas dice sentirse a la par feliz y asustado. «En la compañía estamos, lógicamente, muy contentos e ilusionados, pero la responsabilidad es grande». «El castigo sin venganza» es una producción dirigida por Ernesto Arias, con un reparto integrado por Elena González, Rodrigo Arribas, Jesús Fuente, Alejandra Mayo, Alejandro Saá, Julio Hidalgo, Daniel Acebes, Alicia Garau, Andrés Bernal, Silvia Nieva, Pablo Cabrera y Diego Santos.
Ha habido, explica, que adaptar la puesta en escena a la singularidad del espacio londinense, que presenta un espacio vacío, con tres puertas y dos columnas, y que no posee iluminación artificial(las representaciones se llevan a cabo durante el día). «Ya cuando repusimos la obra hace unos meses la adecuamos a las características del Globe. Renunciamos a los efectos de iluminación y a los elementos escenográficos, pero es un montaje que está basado en el texto y la palabra. Como novedad vamos a contar con músicos en directo (un trío de cuerda), y también vamos a aprovechar el patio, donde la mayor parte del público, de pie, sigue la obra. Nos permite una interrelación con los espectadores muy peculiar».
«El castigo sin venganza» se ofrece en español. «Se proyectarán sobretítulos en inglés -dice Arribas-, pero no de los diálogos completos;se resumirá la acción, para que el público pueda seguir la trama».
Espera Arribas que éste sea «el comienzo de una buena amistad» entre el Globe y Rakatá. «Hay conversaciones para llevar nuestro trabajo a otro teatro de Londres, y estamos estudiando también la posibilidad de llevar a cabo una coproducción con el Globe». También, revela, la visita servirá para avanzar en las negociaciones para una futura visitade la compañía británica a España.

26/8/14

La feria del teatro transfonterizo



Fuente: Sara Prieto (elcultural.es)

Ciudad Rodrigo siempre ha sido un cruce de caminos entre Castilla, Extremadura y Portugal. Desde su floreciente Medievo la ciudad se ha convertido en un territorio transfronterizo en todos los ámbitos, desde el comercio a la política y las artes. Y el teatro, no han querido ser una excepción. Para ello se creó hace 17 años la Feria de Teatro de Ciudad Rodrigo, que poco a poco ha ido consolidándose hasta convertirse en la Feria de Teatro de Castilla y León, uno de los eventos más destacados de la región. 

Lo hizo de la mano de 9 jóvenes, entre los que se encontraba Manuel González su actual director, juntos crearon la asociación Cívitas para impulsar el evento, que año tras año ha ido sumando más patrocinadores y asistentes. “Se quiso aprovechar esa tradición de zona de paso para crear un mercado de artes escénicas y hacerlo aprovechando el gran escenario que supone el conjunto histórico artístico del que goza la ciudad”, comenta el director.

La Feria comenzará con la puesta en escena de La estrella de Sevilla, obra que firma la compañía de Teatro Clásico de Sevilla. Le seguirán 41 espectáculos a lo largo de los cuatro días de duración, de los cuales 22 son estreno. Así mismo en esta edición se ha querido poner especial atención en el ámbito europeo, gracias en gran parte a la Red Esmark, un proyecto de cooperación cultural europeo de dos años de duración que busca estimular el mercado escénico, el intercambio entre profesioanles de España, Francia y Portugal y la formación de nuevos públicos. La Feria se convertirá así en un punto de encuentro de compañías que girarán posteriormente por los Festival de Teatro Hispánico Don Quijote de París y el Festival de Expresión Ibérica de O Porto. 

Tras un año de gestación en esta edición se estrenan las primeras coproducciones de la Red Esmark. Por la parte española, la Feria ha gestionado y colaborado en la producción del espectáculo Del Lazarillo, un montaje de teatro de objetos de la compañía La Chana Teatro destinado a público juvenil y adulto. Los franceses a su vez, presentan el estreno de la performance Vecindario de Candelita, liderado por las compañías Cavaluna y Zorongo. 

Esta vocación europeísta ha comenzado a dar sus frutos, como expone Manuel González: “Hemos registrado un incremento notable de los programadores teatrales extranjeros, especialmente los portugueses.”. Y es que Portugal cobra especial relevancia en la Feria de Teatro de Castilla y León. ”Esta nace con el objetivo claro de promocionar el sector profesional en el occidente peninsular. Por eso desde hace tres años la feria desarrolla una serie de iniciativas entre las que se encuentra la Biblioteca Luso Española”, expone el gestor. En colaboración con la Fundación Duques de Soria, se ha creado una biblioteca uniendo la infraestructura de esta con los fondos audiovisuales del festival, donde se encuentran todos los archivos y documentación de todas las compañías españolas y portuguesas que han ido mandado material a lo largo de las 17 años ediciones.

La formación de profesionales de las artes escénicas es otro pilar fundamental de la feria. De tal forma ofrece una serie de cursos destinados a gestores culturales, especialmente del ámbito local. Entre ellos están las jornadas de formación sobre gestión de público, A mi pueblo no le gusta el teatro, en el que se contarán con Victor García Ángel, jefe del área de teatro de la consejeria de cultura de Andalucía. Y A mi pueblo le gusta el teatro, un panel de comunicaciones de buenas prácticas en la que se expondrán las expriencias de los teatros de Ponferrada, Laguna del Duero, Puebla de la Clazada y Funetalbilla.

La programación se completará con diversas actividades complementarias destinadas a distintos públicos, como la animación musical de artes de calle en franja de programación nocturna o el programa de animación infantil Divierteatro. Y es que los jóvenes son un público fundamental en la feria. "Hay toda una generación que no ha conocido Ciudad Rodrigo sin la feria y eso es algo muy valioso ya que disfrutarán y valorarán el teatro a lo largo de toda su vida", afirma el director de la feria. 

El teatro alternativo bulle en Madrid


Fuente: Julio Bravo (abc.es)
El denominado circuito alternativo se ha convertido, en los últimos años, en uno de los más firmes valores de la escena madrileña. En este circuito bulle una frenética actividad con decenas de propuestas; muchas de ellas nacen y mueren, pero otras desafían su carácter efímero. Tras el parón veraniego, las salas recobran su (mucha) actividad. He aquí un repaso por sus programaciones de septiembre, de las más veteranas a las más jóvenes.
Una de las salas más antiguas es la Mirador, que recupera un clásico que está a punto de cumplir veinte años: «La katarsis del tomatazo»; también presentan el ciclo «Un cuerpo, mil danzas»(con las compañías Breakers, Saeeda Dance Group, Estuaria Compañía Flamenca e Interferencia Danza) y la obra «La gente», de Prez&Disla con dirección de Jaume Pérez. Otra sala histórica, Cuarta Pared, presenta nuevamente «Sé de un lugar», con texto y dirección de Iván Morales, e interpretada por Anna Alarcón y Xavier Sàez. Y al teatro Guindalera regresa «Duet for one», de Tom Kempinski, un fascinante montaje interpretado por María Pastor y Juan Pastor, con dirección de este último.
La sala Montacargas es otra de las veteranas del panorama teatral madrileño. Su programación, dedicada al clown y al humor, incluye«Tú vales mucho, pero mucho mucho. El casting», con idea original y dirección de Esteban G. Ballesteros; «El cabaret de la mujer pájaro», con dirección de Willy Éter; y «Cortázar», un espectáculo basado en textos del autor argentino, dirigido por Eduardo Gilio. Y en una línea también diferente circula el teatro Prosperidad, que presenta «Chocolate sexy», cabaret de Lomascrudoteatro; «¡Qué desamor mi amor!», de Evlin Pérez Yebaile; y «The life» y«Reinas de primavera», dos espectáculos de Sunflower.
El teatro Pradillo es otro histórico de la escena alternativa madrileña. La danza ocupa su programación, y presenta este próximo mes «The dream project: Encuentros en la tercera fase», de la coreógrafa Cuqui Jerez, y «Losquequedan unplugged», de Sandra Gómez y Vicente Arlandis. El teatro Victoria, por su parte, sigue con su programación clásica, con siete títulos: «Los miserables», adaptación de la novela de Víctor Hugo; «La venganza de don Mendo», de Muñoz Seca; «La vida es sueño», de Calderón de la Barca; «El burgués gentilhombre», de Molière; «El conde de Montecristo», sobre la novela de Alejandro Dumas; y las zarzuelas «Agua, azucarillos y aguardiente», de Chueca, y «La verbena de La Paloma», de Bretón.
Escapa un poco del circuito alternativo, pero por sus dimensiones también se puede incluir en él al teatro Quevedo, donde se recupera el musical «El otro lado de la cama», de David Serrano, y dirección de José Manuel Pardo. La puerta estrecha presenta «Refugio», de Leticia Pascual; «Las Fieras», de Roberto Arlt; y «El mono», basado en el «Informe para una academia” de Franz Kafka. Y otra sala, la jovencísima La puerta de al lado, estrena «¿Quién, yo?», de Thomas Cabané y Javier Enguix, con dirección de éste último.
El Teatro del Arte presenta en septiembre varias propuestas: destaca«Villa Puccini», con dramaturgia de Miguel Angel Orts y Alexander Herold, que dirige la función. María Luisa Merlo interpreta a una gran diva operística que aguarda su último concierto. La acompaña la soprano Emilia Onrubia, con el pianista José Madrid Giordano. Además están en cartel «Ángeles», una obra basada en «Padre Pedro». de Jose Ignacio Serralunga; «Desde el cielo te digo», con texto y dirección de Paco Anaya; «Noc», un vodevil dirigido por David Quintana; «Tod@s somos todos», un espectáculo unipersonal escrito, dirigido e interpretado por Sonia Castelo: «Vagabundos», de Alexander Merelo; y «Dios no tiene tiempo libre», escrito y dirigido por Lucía Etxeberría.
«Pedro y el capitán», un texto de Mario Benedetti, es una de las apuestas de Teatro del Barrio, el espacio impulsado por Alberto San Juan. Con la tortura como telón de fondo, la dirige Emilio del Valle y la interpretan Chete Lera, Jorge Muñoz y Alberto Guío. Otras obras programadas son «Ruz-Bárcenas», de Jordi Casanovas; «Autorretrato de un joven capitalista español», un monólogo de Alberto San Juan, que también presenta otro texto escrito y dirigido por él: «Marca España».
La Casa de la Portera es uno de los espacios con mayor proyección; en este mes de septiembre siguen en cartel «Ascenso y caída de Mónica Seles», de Antonio Rojano, con dirección de Víctor Velasco;«Cerda», escrito y dirigido por Juan Mairena; «Elepé» y «Peceras», ambas con texto y dirección de Carlos Be; y «Yo amé a Edgar Allan Poe», un espectáculo de Pilar Massa basado en relatos del autor estadounidense; y regresan a este lugar «Ahora empiezan las vacaciones», un texto de Paco Bezerra inspirado en «El pelícano», de Strindberg, y dirigido por Luis Loque; y «Liturgia de un asesinato», de Verónica Fernández, con dirección de Antonio C. Guijosa,
Su hermana menor, La pensión de las pulgas, presenta dos estrenos:«Cliff», de Alberto Conejero, con dirección del autor y de Alberto Velasco; y «Un disgusto danés», escrita y dirigida por Jumon Erra. Y se reponen «Sótano», de Josep Maria Benet i Jornet, dirigida por Israel Elejalde; «Dorian», un texto escrito y dirigido por Carlos Be sobre «El retrato de Dorian Gray», de Oscar Wilde; «Yernos que aman», con texto y dirección de Abel Zamora; y «La maratón de Nueva York», de Edoardo Erba, dirigido por Jorge Muñoz.
La sala Kubik Fabrik tiene en cartel en septiembre dos propuestas:«Consejos de un discípulo de Morrison a un fanático de Joyce», escrito y dirigido por Félix Pons; y «La invasión de los ladrones de cuerpos», una creación de Vicente Colomar, Ricardo Santana y Raúl Marcos con dirección del primero.
Nave 73 presenta en su programación «Mi pasado en B», escrito e interpretado por Javier Lara, con dirección de Pietro Olivera; «Ensayo general con público», con idea y guión de David Lavirgen; «La comunidad: un vecindario improvisado», un trabajo de improvisación de la escuela de Calambur Teatro; «Cabaret íntimo», escrito y dirigido por Susana Espelleta; «Manlet», de María Velasco; y«Yo, indígena, la conquista de uno mismo», con dramaturgia de José J. Serrano y dirección de Santi Senso.
En la Sala Tú hay también varias propuestas: «Efecto dominó», con texto y dirección de Javier Esteban; «Novecento», el conmovedor relato escrito por Alessandro Baricco, dirigido por Raúl Fuertes e interpretado por Miguel Rellán sobre el pianista del océano, que nunca pisó tierra; «Vacaciones en la inopia», escrito y dirigido por Íñigo Guardamino; «Matadero 36/39», con texto y dirección de Ramón Paso; «Sótano», de Josep M. Benet i Jornet, con dirección de Enio Mejía; y «Ay, Iniesta de mi vida», basada en la obra «Oe, oe, oe», de Maxi Rodríguez.
Tres son las obras que se presentan en la sala Azarte«Comment te dire adieu», escrita y dirigida por Sergi Manuel Alonso, que llega a Madrid tras estrenarse en Barcelona; «Tuyo Chopin», una coreografía de Alfonso Cayetano y Marco Antonio; y «Mínimo común», un espectáculo dirigido por Quino Falero con textos de Ariel Capone, Yolanda García Serrano, Fernando J. López, Juan Carlos Rubio y Paco Tomás,
Y por fin, Microteatro por Dinero, cuyo lema en septiembre es «Por pasión», presenta dieciséis trabajos; entre ellos figuran «Al borde», con texto y dirección de Pedro Herrero; «Butacas», de María Inés González y Miguel Ángel Cárcano, dirigida por éste último; «3,2 lo que hacen las novias», de Jota Linares y Roberto Pérez Toledo, con dirección de Ceres Machado; «Triangulados», escrito y dirigido por Elisa Ibáñez; y «Mística Atlética», con texto y dirección de Zenón Recalde.

La experiencia hace trampas al póquer


Fuente: Esther Alvarado (elmundo.es)
Cómo se comporta cada uno en una mesa de juego dice mucho de cómo somos en realidad. "Cuando aparece el juego surge algo muy primitivo del ser humano, las emociones, los instintos, las contradicciones...", dice el dramaturgo y director Pau Miró (Barcelona, 1974); aparecen las verdades de cada uno, el ser como somos detrás de nuestras máscaras sociales. Con esas premisas se sientan ante las cartas los cuatro personajes de 'Jugadores', la obra escrita y dirigida por Miró que se estrena en la sala verde de los Teatros del Canal.
Miguel Rellán, Ginés García Millán, Luis Bermejo y Jesús Castejón son los cuatro actores que dan vida a un profesor de matemáticas, un enterrador, un actor y un barbero que se reúnen en casa de uno de ellos para echar una partida de cartas. "Juegan al póquer, pero se hacen continuamente trampas entre ellos, aunque se necesitan mucho", explica Miró.
"En eso de las trampas puede que sí nos veamos reflejados, porque al principio de la crisis no sabíamos cómo ni por qué y ahora estamos descubriendo quiénes fueron los tramposos", añade.
Los cuatro se acercan a los 60 años y llevan a cuestas deudas, excesos, fracasos. "Con unas vidas de mierda enfocadas a aquellas milésimas de segundo en las que la carta que decide una partida se da la vuelta. Cada personaje tiene su historia, casi podríamos decir que cada personaje tiene un cuento por narrar", define el director. Son, en definitiva, hombres descolocados que han perdido el pulso del mundo y solo tienen una manera de recuperarlo. "Una manera desesperada".
La idea de escribir la función le surgió al dramaturgo catalán en 2010,cuando la crisis nos azotaba con la mano abierta y en España no se hablaba de otra cosa. "Reconozco que tenía la situación económica muy presente, pero no quería aburrir al público con más crisis económica", dice. Así que sus personajes se definen por la crisis personal por la que están pasando.
En una sociedad que desprecia la experiencia, "ellos se van quedando arrinconados; los dejan atrás". "Es una historia muy cotidiana -añade Pau Miró-, sin grandes discursos filosóficos, pero la idea es tratar de escudriñar el alma de cada personaje".
Sin ánimo de hacer spoiler, el director aclara que se trata de una "comedia negra" ("aquella en la que el sentido del humor no es muy amable") pero con personajes "muy amenos" y con cierto giro de suspense.
Aunque el estreno en castellano es en Madrid, esta función vivió días felices en catalán en 2011 y 2012 y en italiano. "La verdad es que me ha dado muchas alegrías y tenía muchas ganas de probarla en español. Me siento muy responsable de la puesta en escena", añade Miró.
"Piropos a mis actores te puedo decir los que quieras", comenta el director deslumbrado por los cuatro nombres con los que cuenta sobre las tablas, así como por el equipo artístico que le ha ayudado a montar esa pequeña ("y un poco cutre") cocina donde en la próxima mano de cartas cualquier cosa puede pasar.

23/8/14

El renacer de la ópera de Pekín



Fuente: Daniel Méndez (elmundo.es)
Son las dos de un sábado por la tarde, pero el pequeño centro cultural de Bajiao, a las afueras de la capital china, está lleno para presenciar un espectáculo de ópera de Pekín. Aunque los coloridos trajes, la estridente música y las historias de emperadores y guerreros parecen sacadas de otro tiempo, el público responde al final de la obra con una ovación unánime.
Si hasta hace unos años se podía decir que la ópera de Pekín se encontraba en peligro de extinción, ejemplos como el de Bajiao dejan claro que el género vive hoy tiempos mejores. Los generosos fondos destinados por el Gobierno a su promoción, la creciente confianza en las tradiciones propias y el empuje de los jóvenes actores están provocando la revitalización de un arte que parecía destinado a desaparecer en el siglo XXI.
"Actualmente estamos viviendo un renacimiento de la ópera de Pekín, y esto se debe a que los chinos, finalmente, están buscando sus propias raíces culturales. La gente cada vez vive mejor en China, así que están empezando a buscar cosas que les llenen espiritualmente", dice Ding Xiaojun, de 33 años, una de las jóvenes actrices más famosas del país.
Para conseguir la revitalización del género, una de las claves pasa por la difusión de las obras y la educación del público. El espectáculo de esta tarde es gratuito para todos los vecinos de este humilde barrio de Pekín, y la compañía de Ding Xiaojun, que pertenece al ejército chino, acostumbra a hacer representaciones en escuelas y universidades para enganchar a los más jóvenes.
Además del creciente interés de los chinos por su cultura, el Gobierno ha convertido también en política nacional la difusión de la ópera de Pekín, especialmente desde que en 2010 fuera incluida por la UNESCO en la Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Ya desde 1998 existe un canal de la televisión estatal (CCTV 11) que se dedica en exclusiva a la difusión de representaciones tradicionales, mientras que en los últimos años varias arias de la ópera de Pekín se han incorporado a las clases de música de las escuelas.
"El público ha estado menguando mucho en las últimas décadas, pero se cree que ahora la tendencia está cambiando; y lo está haciendo por la percepción que se tiene del mismo. Se supone que la ópera de Pekín es una cosa de la que los chinos tienen que sentirse orgullosos, porque es una expresión de su cultura tradicional y es lo que se vende como 'softpower' fuera de China", explica Rafael Caro Repetto, profesor asociado de la Universidad Pompeu Fabra y especialista en ópera de Pekín.
La importancia de este género, considerado como el más representativo de la tradición artística del país, se explica por su combinación de música, canto, poesía, acrobacia y artes marciales. Además de eso, las óperas tradicionales chinas (la de Pekín es sólo la más famosa de muchas otras variantes regionales) representan casi siempre historias y leyendas antiguas que forman parte de la literatura más importante del país.
Aunque el surgimiento de la ópera de Pekín se sitúa en el año 1790, es la acumulación de componentes culturales milenarios lo que le ha valido el calificativo de "tesoro nacional", y lo que está haciendo que cada vez más gente se interese por el género.
"Disfruto mucho con las letras de las canciones y el ritmo de la música. Mi hija tiene ahora nueve años y lleva ya tres estudiando ópera de Pekín. Creo que es una ayuda muy buena para sus estudios, por ejemplo para estudiar lengua y literatura", dice entusiasmada Lu Na, una aficionada de 40 años que asiste con su hija a las representaciones.
A pesar del cambio de tendencia, lo cierto es que en la actualidad la ópera de Pekín es un género minoritario que triunfa sobre todo entre la tercera edad. Un vistazo al centro cultural de Bajiao lo deja claro: de entre el centenar de personas que aplaude a los actores, es difícil encontrar a alguien que tenga menos de 65 años. "A la mayoría de la gente de mi generación nos gusta la ópera de Pekín, a nosotros nos gustan las cosas antiguas y tradicionales. Ahora estoy jubilada, así que vengo a menudo a ver los espectáculos", explica Feng Xunlin, una de las espectadoras, de 67 años.
Mucho más difícil es convencer a los jóvenes. Al menos desde principios del siglo XX, los principales intelectuales del país han renegado en gran medida de la cultura tradicional china, a la que consideraban un lastre para el desarrollo económico del país. La modernidad implicaba entonces aprender de occidente, una dinámica que volvió a tomar fuerza en los años 80, cuando el crecimiento económico de China y la entrada de géneros modernos (como la música pop o el cine de Hollywood) fueron arrinconando poco a poco a la ópera de Pekín. El resultado es que muchas de las tradiciones se han perdido por el camino.
"Los jóvenes chinos, sobre todo los nacidos a partir de los años 90, no sólo no conocen la ópera de Pekín, sino que no conocen nada del conjunto de la cultura china. En la actualidad, incluso los estudiantes de máster no saben escribir bien los caracteres chinos", explica Li Zhengping, antiguo actor de ópera de Pekín y profesor de la Academia Nacional de Artes Escénicas de China.
Además, la ópera de Pekín es un género que exige del espectador un conocimiento previo de los personajes en escena y los códigos estéticos, una tradición que se interrumpió de forma dramática durante la Revolución Cultural (1966-1976), cuando se prohibieron la mayoría de obras y se rompió con la formación de actores.
"Generalmente, el no iniciado en ópera de Pekín, da igual si es chino o occidental, cuando va a ver ópera de Pekín, no sabe lo que está pasando en escena. Ve que hay gente que entra, que sale... pero no comprende los códigos. El público de ópera de Pekín necesita estar formado", explica Rafael Caro Repetto.
Para poder acercarse al público del siglo XXI y seducir a los jóvenes, la ópera de Pekín también está evolucionando. Ya a principios del siglo XX se comenzaron a adaptar textos del teatro occidental, pero ahora se ha modernizado todavía más el decorado (que antes estaba formado tan sólo por sillas y mesas) y en ocasiones se puede llegar a utilizar música pop o cortos de animación.
"Ahora todo el mundo está experimentando. Todos los elementos artísticos se pueden probar en la ópera de Pekín, pero siempre que su alma, su espíritu, no se altere. Yo no tengo miedo a probar nuevas creaciones artísticas, ya que el objetivo es que la opera de Pekín pueda estar más cerca de la gente de hoy", dice Ding Xiaojun, quien recientemente participó en una versión de la obra 'Adiós a mi concubina' que introducía iluminación moderna, vestuario diseñado en el extranjero y proyección de vídeos.
De todas las innovaciones que se han producido en los últimos años, probablemente las más conocidas sean las del taiwanés Wu Hsing-kuo, quien en 1986 fundó la compañía Teatro Leyenda Contemporánea. En sus obras se mezclan los textos deShakespeare con las ideas cinematográficas de Akira Kurosawa, todo ello sin olvidar los códigos interpretativos de la ópera de Pekín. Su última obra, estrenada en 2013 y basada en 'La Metamorfosis' de Kakfa, es otra buena muestra de hasta qué punto el género tradicional chino puede fusionarse con otras expresiones artísticas.
En el terreno musical, algunos de los más famosos compositores chinos, como Guo Wenjing y Tan Dun, también se han lanzado a la reinterpretación del género, mezclando la música de la ópera de Pekín con los sonidos de las orquestas occidentales. Para los más tradicionales, sin embargo, la introducción de nuevos elementos ha ido demasiado lejos. La ópera de Pekín se ha caracterizado siempre por una estricta categorización de los personajes, un estilo de canto y música muy particular y la ausencia casi total de decorado. El género siempre ha tenido unas convenciones y códigos que servían para marcar el tiempo y el espacio (lo que se conoce como "representación virtual" o 'xuni biaoyan'), mientras que siempre ha huido del realismo típico del teatro occidental. "Existe el debate de cuánto se puede estirar el género para que siga siéndolo; porque si ya cambias también el estilo de canto, pues a lo mejor será una cosa preciosa y muy interesante, pero ya no será ópera de Pekín", explica Rafael Caro Repetto.
A largo plazo, las esperanzas de los actores están puestas en la nueva sensibilidad del público, que esperan pueda mejorar su formación y sea capaz de apreciar la riqueza cultural de este complejo arte tradicional chino. "El renacimiento de la ópera de Pekín ya ha comenzado, pero no se trata de una cosa de hoy, sino del futuro. Con el desarrollo de la sociedad, la formación cultural del pueblo chino también mejorará, así que esperamos que se interese más por la profunda cultura tradicional", concluye Li Zhengping.