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29/11/14

TIMÓ D'ATENES


TEXTO: WILLIAM SHAKESPEARE
TRADUCCIÓN: SALVADOR OLIVA
DRAMATURGIA: SERGI POMPERMAYER y DAVID SELVAS
DIRECCIÓN: DAVID SELVAS
INTÉRPRETES: JULIO MANRIQUE, MARTA MARCO, JORDI RICO, MIREIA AIXALÀ, ALBERT RIBALTA, ENRIC AUQUER, ÒSCAR RABADAN y FÈLIX PONS
DURADA: 1h 50min
PRODUCCIÓN: LA BRUTAL
BIBLIOTECA DE CATALUNYA

Cada vez intento fiarme más por mi intuición y esta vez he acertado (no siempre lo consigo). Timó d’Atenes ha sido una experiencia del todo recomendable. No conocía la obra, ni siquiera había escuchado nada de ella hasta que el David Selvas comenzó a colgar fotos de ensayos. Vivimos una época donde las obras de Shakespeare nos salen por las orejas, y la verdad que lo que más me atrajo de la obra, es mi desconocimiento de ella. Quizás sea un pecado decirlo pero cuando ves tres, cuatro, cinco, etc. veces un Romeo y Julieta o Hamlet o es la octava maravilla o te puedes aburrir como una ostra en la platea. Pero no es el caso de Timó d’Atenes.

Es verdad que no veremos ni vestidos de época ni nada que nos recuerde a siglos atrás, pero ese es otro punto a favor. Abstraer lo mejor de la obra y situárnosla en nuestros días, acerca la obra al espectador y la empatía con Timó es absolutamente espeluznante. El tándem artístico Manrique-Selvas funciona a la perfección, dos espíritus con una manera muy similar de entender el concepto teatral. David Selvas dirige con gran precisión las piezas de una obra nada fácil de completar. 

Interpretativamente el peso cae sobre un soberbio Julio Manrique, en el que hasta hora es el mejor papel de su carrera. Impresionante segunda parte, donde si el público entra no querrá salir jamás. Le acompañan una sorprendente Marta Marco, ciertamente alejada de los papeles en los que estamos acostumbradas a verla y Mireia Aixalà, que parece que por fin ha perdido la ingenuidad de papeles anteriores y explota al máximo su parte más salvaje.

Bien es cierto que la Biblioteca ha perdido su arena característica, pero no habría mejor sala para iluminar una obra como esta, la iluminación de la segunda parte roza la matrícula de honor. Impresionante el ambiente que se crea.

Sólo un pero, se acaba el próximo domingo 30 de noviembre, así que tendréis que daros prisa para verla. Corred!

"Hambre, locura y genio": Strindberg y el instinto devorador del ser humano


Fuente: Julio Bravo (abc.es)
«Débito y crédito» y «El pelícano», dos piezas escritas por August Strindberg, componen «Hambre, locura y genio», un espectáculo de Teatro de la Reunión dirigido por Juan Carlos Corazza, uno de los principales maestros de la escena española. El off del teatro Lara acoge este montaje, que cuenta con un nutrido repartoRafael Castejón, Ana Gracia, Manuela Velasco, Tamar Novas, Paula Soldevila, Pepe Lorente, Inés Higueras, José Gimeno, Raúl de la Torre, Laura Díaz, Manuel Chacón Pilar Bergés; todos ellos, en un momento u otro, han sido alumnos de Corazza.
Strindberg, asegura el director, «es un autor de gran complejidad en los textos y los personajes; demanda un trabajo actoral muy grande, porque si la interpretación se apoya solo en la frescura y en la naturalidad, presenta problemas, pero al mismo tiempo pide cotidianeidad, no se pueden apoyar únicamente en el énfasis y en la palabra».
Rafal Castejón, productor del montaje además de uno de sus intérpretes -actúa en su día libre en la Compañía Nacional de Teatro Clásico- dice, en este sentido, que la sala Off del Lara, el espacio donde se presenta el montaje, «permite la intimidad, la cercanía con el público, y te permite no tener que hacer un esfuerzo extra. Y obliga a trabajar con un plus más de verdad, porque se ve todo, no se puede esconder nada». Al público, añaden tanto el actor como el director, le permite «reconocer aspectos de la historia y de los personajes en la sutileza».
El ser humano como devorador de sus semejantes es el leit motiv que engarza las dos obras. «En la función -sigue Corazza- hemos querido investigar en nuestro instinto devorador, en esa metáfora del ser humano alimentándose de las demás cosas, un asunto que le interesaba mucho a Strindberg y que es también el mal del mundo. La función presenta el tema como una metáfora de nestra sociedad». Basándose en una traducción del sueco realizada por Astris Menasanch (una actriz y dramaturga que estudió con Corazza), el maestro y director ha realizado la versión, en la que ha «desarrollado un poco más aspectos como el periodismo en la primera obra y la alimentación en la segunda».

El Circo Raluy estrena carpa y nuevo espectáculo en Barcelona



Fuente: EFE vía lavanguardia.com

El histórico Circo Raluy regresa una Navidad más a Barcelona, donde a partir de este viernes estrena nueva carpa y nuevo espectáculo, que representará hasta el 1 de marzo en su habitual ubicación del Port Vell de Barcelona.

Carlos Raluy, que a sus 70 años sigue a la cabeza de la saga circense -en el espectáculo también actúan sus hermanos, hijos y nietos- ha explicado que la nueva carpa mide 30 metros de diámetro y 12 metros de altura, tiene una capacidad para 700 espectadores y, aunque incorpora las más modernas medidas de seguridad, conserva el clásico aroma modernista del circo-museo.

Raluy ha presentado este viernes a la prensa el nuevo espectáculo, denominado "The big top", que se podrá ver por primera vez en la capital catalana a partir de esta noche y que luego girará por varios países.

"The Big Top" combina números circenses clásicos -payasos, malabares, trapecistas...- con otros de corte más de Circ de Soleil, como hacer equilibrios con ramas de árbol y una pluma al ritmo de una música india americana, o las acrobacias dentro de una bola metálica.

Y todo con el sello familiar de los Raluy, una saga de artistas circenses con 80 años de historia, que además también es un museo itinerante, pues fuera de la carpa se exhiben los carruajes del circo del siglo XIX y XX perfectamente conservados.

El nuevo espectáculo que este viernes por la noche estrena el Circo Raluy combina la finura del número aéreo de Jean-Christophe de Beauchamp y Kerry Raluy, las atrevidas evoluciones de Emily y Niedziela o la sensualidad de Rosa Raluy con su poético y étnico número con una pluma.

En uno de los números, los payasos Raluy usan una gallina viva -quizá dos-, en un número con animales, en pleno proceso de debate parlamentario sobre si se prohíbe el uso de animales en el circo.

También se estrena el mundo siempre mágico de Louisa Raluy con sus contorsiones en el aire, el enérgico número de Ícaro de Kimberley y Jillian Raluy, las incansables acciones pegadizas del clown Sandro y el payaso Lluis Raluy, los malabares elegantes de William Giribaldi y las osadías del "cowboy" Patrick Bouglione.

También destacan las acrobacias de los Golden Star, las dosis de comicidad y personalidad que interpretan los personajes Jurek (bigotes) y Francis, y todo bajo la batuta de Carlos Raluy.

"Barcelona es nuestra casa, somos catalanes y los barceloneses son nuestro público más fiel", ha dicho Carlos Raluy, quien sin embargo ha resaltado que los alemanes son los europeos que más se entusiasman con los espectáculos circenses "y se sorprenden de que los españoles seamos capaces de hacer estas cosas".

Las funciones del Circo Raluy, que fue Premino Nacional de Circo en 1996, Premio Cataluña en 1999, Premio Max también en 1999 y recibió la Creu de Sant Jordi en 2006, se podrán ver en dos funciones diarias los viernes, sábados y domingos, en una función, a las 19:00 horas, los jueves y viernes, con pases especiales de hasta tres funciones los días festivos, con precios de entrada que oscilan desde los 8 euros, los niños, hasta los 30 euros la localidad más cara.

L'Antic Teatre guanya el Premi Dansacat


Font: ara.cat
La IV edició del Premi Dansacat, organitzat per l'Associació de Professionals de la Dansa de Catalunya (APdC), s'ha atorgat aquest divendres a l'Antic Teatre. Aquest premi té com a objectiu reconèixer, incentivar i promocionar la feina dels professionals de la dansa a Catalunya. El jurat, format pels socis de l'associació, ha destacat "tota la feina i compromís amb els professionals de la dansa i les arts escèniques i per ser l'única sala alternativa que aposta, arrisca i segueix donant suport als creadors independent".
L'Antic Teatre, fundat el 1879 i reobert el 2003 gràcies a l'actual directora artística Semolinika Tomic, és un espai de creació de les arts multidisciplinars per a la recerca de nous llenguatges escènics, i s'ha convertit en un dels referents de l'escena independent actual. El centre pretén fomentar la capacitat d'experimentació, creació, producció, exhibició, promoció i difusió dels artistes professionals. Durant l'any passat, l'Antic Teatre va acollir 21 residències, i va oferir 225 funcions en què va vendre prop de 10.000 entrades.
El 2004 va guanyar el premi de la Fira Internacional de Teatre i Dansa d'Osca a la Programació més innovadora a Espanya, i la seva directora artística va guanyar el premi FAD per la resurrecció de l'Antic Teatre, que ha passat de centre cívic abandonat a escenari viu de la creació contemporània, i per la seva acció cultural i artística.
Els finalistes
Els socis de l'APdC han nomenat finalistes del premi el coreògraf i ballarí  Alexis Eupierre i la Mostra de Dansa IN SITU. Eupierre és membre fundador i director artístic del centre de creació de dansa i arts escèniques La Caldera el 1995, i el mateix any va crear la companyia de dansa Lapsus. La seva feina s'ha pogut mostrar a 12 països d'Europa, Amèrica i Àsia, i ha estat docent a diferents companyies de dansa professionals de Barcelona.
Fundada el 2012 per les ballarines i coreògrafes Mireia de Querol i Ariadna Estalella a partir d’un anàlisis de la situació actual de la dansa contemporània i dels creadors independents,  IN SITUvol donar visibilitat a aquest sector ideant l'exhibició en un espai fora dels circuits tradicionals, una manera que permet generar nous públics. Aquesta mostra aporta un diàleg entre els artistes i el públic amb el procés creatiu com a punt de partida. Els socis de l'associació han triat aquesta proposta "per ser una proposta jove" i "per cridar a la reflexió en relació a l'escena i els processos de creació".

28/11/14

Quince años en los que aprendimos a cantar

Fuente: Esther Alvarado (elmundo.es)
Era diciembre de 1999 y Madrid preparaba sus mejores fiestas con un nuevo ingrediente en el ponche navideño: 'Bella y Bestia', el musical basado en la película de Disney con todo el color, calor y sonido de una superproducción. En un país en el que los experimentos musicales habían tenido un éxito relativo hasta el momento, el teatro Lope de Vega 'lo petó'. 
Desde entonces, poco a poco, el musical y Stage empezaron a hacerse un hueco en el atractivo de Madrid como destino turístico y como una de sus ofertas fundamentales para atraer al visitante. "El musical hoy es una de las opciones favoritas de celebración", asegura Julia Gómez Cora, directora general de Stage Entertainment España. Su apuesta decidida por nuestro país y la acogida a las primeras apuestas convirtió lo que iba a ser una estancia transitoria en un lugar fijo de residencia y hoy ya son 11 millones de espectadores los que han pasado por las 17 producciones que han puesto en escena. 
"Es un orgullo haber permitido a los españoles descubrir el musical y entenderlo en su propio idioma, así como haber permitido al talento español crecer y desarrollarse", añade. 
Stage celebrará su aniversario en el mismo sitio y el mismo día en el que todo empezó: el dos de diciembre, en el Lope de Vega, con una gala de dos horas en la que intervendrán más de 200 artistas (muchas de las estrellas que han formado parte de sus producciones) que pondrán en escena los 'highlights' de estos 15 años, con una orquesta de 22 músicos en el escenario y todo un despliegue de escenografía, vestuario, coreografía... "Se nos ha ido de las manos", comenta Gómez Cora entre risas. 
En una trayectoria en la que hay grandes apuestas, como 'El fantasma de la ópera', 'Los Miserables, 'Cabaret' o 'El Rey León', cuyo éxito está barriendo cualquier concepto antes manejado por esta multinacional, Stage ha reivindicado otras producciones que, habiendo despertado menor interés entre el público, sí que fueron un éxito de crítica como 'Cats', 'Los productores' , 'Víctor o Victoria'...

Otro teatro en Madrid

En la actualidad, Stage Entertainment España tiene tres producciones en escena: 'El Rey León', en Madrid; 'Sister Act', en Barcelona y 'Los Miserables' de gira (esta semana entra en Granada) y planea en un futuro próximo tener un segundo teatro en Madrid, "porque lo necesitamos y Madrid permite tenerlo", asegura la responsable de la empresa. 
Y es que, 'El Rey León' es, de momento, un pozo sin fondo que sigue llenando sus funciones, y Stage quiere seguir estrenando en la capital sus espectáculos. 
Por ello están a punto de cerrar un acuerdo con la SGAE, para la compra del Teatro Coliseum. "Va más lento de lo que me gustaría, pero llegaremos a un acuerdo antes de que acabe el año", ha prometido Julia Gómez Cora que ansía reestrenar 'Los Miserables' en dicho teatro en septiembre de 2015. 
En la actualidad, el régimen por el que explotan el Lope de Vega es de alquiler, pero Stage ha realizado por los dos teatros una oferta combinada de alquiler y compra. "Hemos sido generosos y flexibles", asegura la directora general de una empresa que está haciendo "un esfuerzo enorme para comprar, pero lo hacemos porque ellos quieren vender".
Para que dicho acuerdo se lleve a cabo, una de las condiciones de la SGAE es que se estrenen espectáculos de autores españoles y por ello Stage ha iniciado un periodo que durará no menos de tres años de creación de un espectáculo desde la nada. "Estamos aprendiendo mucho, pero en 2016 podremos estrenar nuestro primer musical de un autor español". Gómez Cora dice que tienen tres proyectos sobre la mesa (uno de ellos es una comedia, pero no es el que está más adelantado de todos) y que están escribiendo el guión. "Estos proyectos parten de una historia, así que la música hay que componerla", añade y explica que aunque tienen equipos creativos españoles, también participarán talentos extranjeros. 
Otra de las ideas que tiene Stage para el futuro pasa por colaborar con escuelas de artistas de musical que hay en España y por celebrar el cuarto centenario de Cervantes, en 2016, con una nueva producción de 'El hombre de la Mancha', "dirigida por Mario Gas", para lo que le han lanzado un guante al Teatro Español, quien a juicio de Gómez Cora, podría acoger este espectáculo. 

Cesc Gelabert: “Hi ha moviments que ja no puc fer, però ara ballo millor”

Font: Belén Ginart (ara.cat)
Tríptic reculls algunes coreografies i vídeos rellevants en la teva carrera. Per què?
Em fascina la idea de revisitar les coses des d’un altre cos, des d’un altre moment, habitar-les des del present. La Suite Santos, la primera part de l’espectacle, recull quatre peces amb música del company i amic Carles Santos. Una d’elles és del 1982 i no l’havia tornat a ballar, i les altres formen part de Preludis (2002).
El programa segueix amb els vídeos recollits sota el nom de Domènech.
Sí, són com un diari del moment en què la Lydia [Azzopardi, cofundadora de la companyia] i jo deixem l’estudi que durant 27 anys havíem tingut al carrer Domènech de Barcelona.
Amb quina intenció els vas gravar?
Van ser com una mena d’exorcisme. Jo ballava i em gravava, editava els vídeos i posava la música. Els penjava a la xarxa o els enviava als amics. Són 12 i em va agradar la idea de mostrar-los tots junts per primer cop. He vist que d’una experiència que podria ser trista en surt alguna cosa interessant. A l’espectacle serveixen com una mena d’interludi, per passar d’un món a l’altre.
En concret, per viatjar del món de Carles Santos al de Vicente Escudero.
Sí. Escudero és algú que em fascina, sempre havia volgut fer una cosa sobre ell. En la peça hi ha diferents capes: imatges antigues d’ell, dibuixos i textos seus, un vídeo fet per Isaki Lakuesta en què jo personifico Vicente Escudero, i finalment hi sóc jo en carn i ossos. Així podem oferir una visió força interessant de passat i futur. Escudero és un personatge clau en la història del flamenc i va ser mestre de molta gent. Va ser la resposta al surrealisme des del flamenc.
I què tens tu de flamenc?
Jo sóc un ballarí de contemporani, no de flamenc. Però el flamenc té uns elements estètics vinculats amb l’emoció. I, a més, el Vicente Escudero, en la seva dimensió abstracta, té coses que s’assemblen molt a Merce Cunningham, a figures de la dansa contemporània, té coses que el fan universal. I també és cert que a mi m’interessa molt el folklore, sempre en aquesta línia d’intentar nodrir-me del passat per imaginar el futur i donar-li cos des del present.
Què és ballar per a tu?
Jo sempre ho explico de la mateixa manera: ballar és habitar el cos amb el cor i la ment.
Tens una dilatada trajectòria i molts premis. En quin moment et trobes?
Torno a estar com als anys 80. No tinc infraestructura, no puc contractar ballarins, cada vegada que faig un nou espectacle he de buscar un espai per poder-lo preparar.
I com veus el futur?
Per a mi la dansa és una actitud vital, i crec que la clau és fer les coses que ens agraden i sabem fer. És el millor que podem oferir a la nostra societat. En el meu cas la passió no s’apaga.
Com conrees la passió?
Quan balles no la pots perdre, perquè ballar és un aprenentatge continu. Té una dimensió iniciàtica. Però jo no entenc la dansa com una cosa personal sinó com un servei per als altres. El que passa és que la societat té altres prioritats. Per això no he pogut fer moltes coses que voldria fer per aquesta societat.
Com quines?
M’hauria agradat que a Catalunya haguéssim pogut consolidar certes estructures a l’entorn d’aquest coneixement. El més important que hem aconseguit no només jo, sinó la gent de la meva generació, és que la dansa no desaparegués. Però en el fons no s’ha cregut mai que la definició de la nostra identitat podia passar també per la dansa.
Què t’ha donat i què t’ha pres el pas del temps?
A mesura que et vas fent gran perds força i flexibilitat. Sé que no puc cometre cap errada ballant perquè em puc fer mal. Però també guanyes profunditat, seguretat, i domes una mica l’ego, et domes a tu mateix. Ara no tinc força i hi ha moviments i formes que no puc fer, però ballo millor que abans.
Quins projectes tens entre mans?
Estic treballant amb una companyia basca en un espectacle sobre el folklore d’allà, i també n’estic fent un sobre la dansa i el futbol [ Foot-ball ] en què participen el TNC, el Barça i Mediapro. L’estrenem el 22 de gener. |
'Cesc Gelabert - Tríptic'. Coreografia i interpretació: Cesc Gelabert. Directors artístics: Cesc Gelabert i Lydia Azzopardi La Seca Espai Brossa (Barcelona) Fins al 7 de desembre

Una òpera barroca amb ritmes africans?


Font: Laura Serra (ara.cat)
“Vivaldi, reconvertit en rumba, esdevé música que surt de les entranyes”, escrivia el crític del diari belga De Standaard, estabornit després de presenciar Coup fatal. El nou espectacle dirigit per Alain Platel -que es podrà veure divendres i dissabte a El Canal-és una explosió intercultural sense precedents que es va estrenar a Viena i va enlluernar en l’últim Festival d’Avinyó: un espectacle de música i dansa en què el contratenor congolès Serge Kakudji interpreta àries de compositors barrocs acompanyat per una orquestra amb instruments africans que la versionen acostant-la a la música tradicional i popular congolesa, però també al jazz i el rock. Kakudji, que va cursar estudis superiors de música a Bèlgica, va ser un dels artífexs de l’espectacle, que es va estrenar el 2010 a Kinshasa, dins el festival que hi organitza el teatre municipal de Brussel·les KVS. 
Però la troupe de Coup fatal va continuar treballant dos anys més i el projecte va fer un salt d’envergadura quan el compositor Fabrizio Cassol i el director Alain Platel s’hi van involucrar en la direcció musical i escènica. Els dos creadors de Les Ballets C de la B havien treballat amb Kakudji a Pitié! (2008) -un dels espectacles de la companyia que s’ha pogut veure els últims anys a Catalunya, com TauberbachVSPRS i Gardenia- i van ajudar a estructurar sobre l’escenari la música i els moviments que proposaven els artistes africans. 
“Els congolesos naixem amb la dansa al cos. Es diu que dins el ventre de la mare ja ballem. I, per tant, tot músic congolès es mou mentre toca”, explica el contratenor sobre l’orquestra d’una dotzena d’artistes que toquen instruments de percussió, guitarres, likembes i altres instruments locals per interpretar Händel, Vivaldi, Gluck o Monteverdi. “Hem estructurat tota aquesta energia que hi ha al Congo però mantenint algunes formes occidentals, perquè en el Barroc hi ha uns codis en relació als instruments, mentre que al Congo és molt més natural”, detalla, tot i que les tradicions musicals són molt diferents en cada país o regió. “Al Congo, els 450 dialectes per a cada ètnia afecten la música i donen a cada lloc una sensibilitat diferent”. 
Un fresc musical ple d’energia 
Dalt de l’escenari hi passa la vida quotidiana, la del Congo i la del món. “No és una òpera, amb un principi, un argument i un final. És la història del dia, que no sabem com comença, ni tampoc com serà el demà. Així és al Congo. No saps què passarà avui però has de viure creient que hi haurà un demà. Per a mi, Coup fatal és vida, energia mundial, perquè tothom s’hi troba, tothom se sent tocat per la manera com intentem explicar el patiment i la joia dels congolesos i com ho compartim amb el públic”, explica. 
Serge Kakudji ho intenta resumir amb una metàfora: el congolès “riu amb llàgrimes als ulls i plora amb un somriure”. “Aquí és difícil d’imaginar, però intentem expressar-ho tot a través de la dansa”.

"Casa de muñecas": el portazo más liberador


Fuente: Julio Bravo (abc.es)
El portazo final con el que Nora abandona la escena en el final de «Casa de muñecas» es uno de los momentos más significativos de la historia del teatro universal, y volverá a vivirse estas semanas -hasta el 7 de diciembre- en los teatros del Canal. Sobre una versión de Jerónimo CornellesXimo Flores dirige una versión del texto de Ibsen protagonizada por Rebeca Valls, que interpreta a Nora. Le acompañan en el reparto el propio Cornelles Teresa Crespo, Manuel Puchades, Miquel Mars María Minaya.
Estrenada en diciembre de 1879 en Copenhague, «Casa de muñecas» fue un texto revolucionario, especialmente por su final, que suscitó una gran polémica. El insólito acto de rebeldía de Nora significaba hacer añicos el papel decorativo que tenía la mujer en la sociedad de la época y, al tiempo, avanzaba los cambios que empezaban a intuirse. 
«Nora Helmer -dice Ximo Flores- es una auténtica heroína, una mujer capaz de amar como pocos y de sacrificarse por los demás en un mundo profundamente materialista, y al mismo tiempo Nora es un puro grito al inconformismo. Su portazo final suscita un anhelo revolucionario más allá del escenario».
«El acto revolucionario de Nora -dice su intérprete, Rebeca Valls- es atreverse a dar el paso. Y para mí ha sido un ejemplo y me ha servido también para dar un paso adelante en mi trabajo con este papel que es todo un regalo para una actriz». El de Nora es uno de los principales papeles femeninos del repertorio -«un icono absoluto del teatro», dice Ximo Flores-y exige de su intérprete una amplia paleta de colores. «Es un viaje fascinante -completa la actriz-: desde la niña que empieza siendo hasta la mujer en la que se convierte; desde la muñeca hasta el ser humano; desde la inconsciencia a la conciencia». 
Según Ximo Flores, el gesto de Nora no es únicamente un acto de rebeldía femenina, sino el símbolo del que el ser humano debe llevar a cabo para salir de la alienación, para romper con el papel que nos exige la sociedad actual. «Cabría denominar “muñecas” tanto a Nora como a su marido, Torvald, ya que éste último, asumiendo su papel patriarcal, también es víctima de una sociedad dictatorial con los roles. Ibsen nos habla de la necesidad de tomar conciencia y de actuar. Nora lo hace, en uno de los finales más hermosos jamás escritos en una pieza teatral. La corrupción, la alienación económica, la descomposición de las estructuras de organización tradicional como la familia, lo absurdo de la justicia y las diferencias de clase dan consistencia y rigor a la obra del autor noruego», concluye el director valenciano.

26/11/14

Carta a Rajoy contra el ‘ivazo’ cultural


Fuente: Gregorio Belinchón (elpais.com)
“Señor presidente: tengo 62 años, les voté en las últimas elecciones creyendo en su programa electoral...”. Así arranca una de las cuatro cartas que, a título personal, han enviado hoy a Presidencia de Gobierno cuatro pesos pesados de la industria cultural española. Piden que el Gobierno rectifique y reduzca el actual 21% de IVA a los espectáculos, el ivazo que desde el 1 de septiembre de 2012 lastra, según ellos, el crecimiento de estas industrias culturales.
Los autores son Juan Ramón Gómez Fabra, presidente de la Federación de Empresarios de Cine y dueño de los madrileños cines Palafox y de la cadena Estrella; Fernando Évole, CEO de Yelmo Cines (la segunda cadena de España, con 400 salas); Pascual Egea, de Fixmusic, presidente de la Asociación de Promotores Musicales de España; y Jesús Cimarro, de Pentación Espectáculos, director del Festival de Mérida y presidente de la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas Productoras de Teatro y Danza.
Las cartas son la respuesta a la tribuna publicada el pasado jueves 20 en EL PAÍS por Miguel Ferre, secretario de Estado de Hacienda. En ella aseguraba que este era el momento de bajar los impuestos. Ese mismo día se redujo el tipo impositivo aplicado a las flores y a las plantas (del 21% al 8%). No ocurrió lo mismo con el mundo del espectáculo, que sigue soportando el IVA más alto de Europa. En otra carta dirigida a Mariano Rajoy en julio, los representantes de un sector que agrupa a 4.000 empresas y a 150.000 trabajadores ya se quejaron de su situación angustiosa. Valoraron en un 30% la caída de público achacable al nuevo IVA (en la exhibición cinematográfica se han cerrado 61 locales, lo que suponen 212 pantallas menos), reclamaron el 10% como nuevo tipo y se mostraron hartos del silencio de Moncloa.
Gómez Fabra, el empresario que confiesa a Rajoy que le votó, le recuerda que lleva 40 años dirigiendo una empresa familiar, que ha contratado a más de 400 personas, pero hoy se ve obligado a despedir a sus colaboradores. “He tratado personal y colectivamente, como presidente de la Federación de Empresarios de Cine, de argumentarle su error, pero veo que es un esfuerzo inútil”, escribe, y augura: “Cuando ustedes sean oposición sólo quedara como una de las marcas de su gobierno el desprecio a la cultura”.
Fernando Évole habla de la indignación que le ha provocado el agravio comparativo con las plantas y las flores, mientras se mantiene el 21% para la cultura. “Creo que se agotan las razones para defender tal barbaridad”, señala. Y prosigue: “Sabemos que en su Gobierno hay cuentas pendientes con la cultura por el ‘No a la guerra’, pero no se equivoque al meternos a todos en el mismo saco. La cultura no es de esos pocos. Es de todos los españoles y su Gobierno no tiene derecho a privarnos de ella ni a los unos ni a los otros”.
Pascual Egea escribe que el actual IVA cultural “no sólo no recauda más para la hacienda pública, sino que está destruyendo empresas, puestos de trabajo, el desarrollo de nuevos talentos, el turismo cultural y la identidad cultural de nuestro país”. Y añade: “En mis casi 30 años dedicados a la música nunca había sentido la impotencia que siento ahora”.
El empresario teatral Jesús Cimarro recuerda a Rajoy que, siendo este ministro de Cultura, escribió en 1998 el prólogo de un libro sobre el 10º aniversario de la empresa que dirige, Pentación. “Usted decía: ‘La continuidad en un proyecto empresarial de artes escénicas supone siempre un motivo de satisfacción para los gestores de dicha empresa y para los responsables de las administraciones públicas’. Visto lo visto, sus alegrías y satisfacciones ahora las encuentra en otros ámbitos”. Y en las comparaciones dolorosas, recuerda que la pornografía esté grabada con un 4% de IVA.
Cimarro insiste: “Estremece la osadía con la que, leído ahora, usted afirmaba que ‘la misión del Ministerio de Educación y Cultura consiste en fomentar la creación y la difusión nacional e internacional de los espectáculos escénicos’ y añadía que ‘para todos los que amamos el teatro y trabajamos en su desarrollo constituye una excelente noticia la consolidación de una empresa productora y distribuidora de artes escénicas’. Lamento que, debido al cierre de numerosas empresas de nuestro sector, no pueda usted ya celebrar muy a menudo esas excelentes noticias”.

El festival Sâlmon obre nous horitzons en la dansa contemporània


Font: Karen Moreno (ara.cat)
Una immersió en el moviment més contemporani a través d’alguns residents de la fàbrica de creació del Graner i d’artistes locals. Aquest és l’objectiu del Sâlmon, el festival de dansa i moviment que acollirà el Mercat de les Flors del 27 de novembre al 7 de desembre i que es consolida com “una finestra a creadors locals amb talent i que estan en la recerca d’un llenguatge personal i diferencial al voltant del moviment, amb punts de partida molt dispars, estètiques i llenguatges diferents”, diuen els organitzadors.
En total, tretze companyies o artistes presentaran els seus treballs, noms d’aquí que despunten a Europa com Manuel Rodríguez, Aimar Pérez Galí, Albert Quesada, però també d’internacionals com el suec Jefta van Dinther, l’eslovena Mala Kline i la portuguesa Tânia Carvalho. De fet, el Sâlmon ha integrat fins a aquesta edició el projecte Modul-Dance, que es tanca aquest any. El projecte europeu liderat pel Mercat de les Flors en els últims tres anys ha permès mostrar, a més de 50 artistes, les seves coreografies en col·laboració amb algun dels 20 centres de dansa europeus vinculats. El centre català ja li busca un relleu.
La companyia Loscorderos inaugurarà demà la programació amb ULTRAinnocència,un diàleg fora del llenguatge narratiu clàssic on l’acció, la imatge i els sons resten importància a les paraules. Una apel·lació a les emocions i a l’energia física i mental. Un altre dels plats forts serà Islàndia, de La Veronal, una companyia nascuda sota el paraigua del Mercat i que avui té un recorregut internacional sòlid, amb un director, Marcos Morau, que ja té el Premio Nacional. També hi haurà tallers, xerrades professionals i un concert de Za! El preu dels espectacles és de 8 euros.

Sting llega a Broadway para evitar el naufragio de su musical


Fuente: elpais.com
Sting va a cambiar de profesión. Al menos durante un mes: del próximo 9 de diciembre al 10 de enero se va a subir a un escenario de Broadway para salvar su musical. Quienes quieran ver al cantante deberán pagar de 50 a 250 dólares (de 40 a 200 euros). Eso sí, no escucharán sus míticas canciones. El británico se unirá al reparto de The Last Ship (El último barco, en castellano) con tal de evitar su naufragio.
El cantante, de 63 años, se convertirá en Jackie White, el cínico capataz de un astillero en lucha situado en el noreste de Inglaterra, concretamente en Wallsend, su ciudad natal. “Nos está yendo bastante bien, pero no lo suficiente como para ser autosuficientes, así que los productores solo encontraron una solución: mi salida a escena”, contó ayer Sting a la agencia Reuters. La obra, según su productor Jeffrey Seller, ha costado 15 millones de dólares (12 millones de euros) y actualmente tan solo recauda 550.000 dólares a la semana. La mitad de la cifra que ingresaría la función si todas las noches colgara el cartel de “No hay entradas”. Sin duda, lo que ahora pretenden los inversores con la participación de Sting en un musical que está inspirado en su vida, y en el que aparece sobre el escenario casi la mitad del tiempo.
Además de por la baja venta de entradas, las tibias críticas que ha recibido el primer musical de Sting –ha escrito la música y las letras- en Broadway probablemente hayan precipitado esta decisión. Inaugurado el pasado 29 de septiembre tras más de cinco años de trabajo, la trama contiene tintes autobiográficos del cantante, ya que narra la historia de un joven que lucha por abandonar la clase obrera en un entorno en crisis para alcanzar una vida mejor.
Consciente de que hacer teatro es un riesgo, Sting asegura que nunca presumió que sería un proyecto fácil. Ni a nivel profesional ni seguramente personal, porque va a interpretar el papel que hasta ahora representaba su amigo Jimmy Nail. “Era hacer esto o morir. Cuando Jimmy [Nail] supo de la decisión, dijo ‘salvemos el show”, aseguró el productor.
“No estoy nervioso. Me tomo el trabajo seriamente. Tengo mucho por hacer, pero confío en que puedo”, declaró el cantante tras conocerse noticia. A priori parece saberse el guion de memoria, ha estado en todos los ensayos y las actuaciones desde el estreno, según confesó en una entrevista. Además no es la primera vez que ejercerá como actor. Su primera aparición en Broadway fue en 1989 con The Threepenny Opera, y también cuenta con una veintena de apariciones en películas y series.

Hallado en Francia un ejemplar del "Primer Folio", la obra completa de Shakespeare


Fuente: AFP via abc.es
Un ejemplar del «Primer Folio» (la primera compilación de las obras de William Shakespeare, publicada en 1623) ha sido encontrada en la biblioteca de Saint-Omer dans le Pas-de-Calais, al norte de Francia. El hallazgo lo ha anunciado el bibliotecario, Rémy Cordonnier, que ha explicado que es el segundo ejemplar que se encuentra en Francia, y el número 231 existente en todo el mundo. 
El bibliotecario preparaba una exposición sobre literatura inglesa y para ello consultó un volumen de Shakespeare aparentemente fechado en el siglo XVIII. Sin embargo, Cordonnier, doctor en historia del arte, sospechó que el libro era anterior. «Me vino a la mente que se podía tratar de un ejemplar del "Primer folio" no identificado, con una carga histórica y un valor intelectual muy importante».
Según el relato de Cordonnier, el libro podía haber llegado a la biblioteca desde Inglaterra. «Saint-Omer ha sido uno de los últimos bastiones católicos de la región, y muchos católicos ingleses, perseguidos por los anglicanos, han encontrado refugio aquí, especialmente para seguir las enseñanzas de los jesuítas».
El ejemplar se encuentra en buen estado, pero le faltan una treintena de páginas, entre ellas la portada, lo que explica, según el bibliotecario, que haya pasado inadvertido durante cuatro siglos. El descubrimiento ha sido autentificado por el especialista mundial del «Primer Folio», Eric Rasmussen, profesor de Literatura en la Universidad de Reno (Nevada, EE.UU), que lo examinó el pasado sábado.
Los ejemplares del «Primer Folio» tienen, según Françoise Ducroquet, directora de la biblioteca de Saint-Omer, un valor de entre 2,5 y 5 millones de euros, aunque el tomo encontrado allí seguramente no alcanzaría esa cifra por el número de páginas que le faltan. «De todos modos -asegura- nunca se venderá; es un libro de Estado inalienable. 
Saint-Omer fue un antiguo puerto con gran actividad cultural y comercial durante la Edad Media, y su biblioteca posee ochocientos manuscritos y 230 incunables, incluyendo una biblia de Gutenberg.

25/11/14

CRÓNICA DE LOS GANADORES DE LOS PREMIOS BUTACA 2014

Elisa Díez (Butaques i Somnis)

20 años y se ha vuelto a comprobar que este año tampoco he de jugar a la lotería de navidad porque mis métodos adivinatorios no dan buen resultado. Aquí lo únicos que hacen pleno son la compañía La Perla 29 que año tras año se llevan un puñado de premios para sus estanterías. 

En una gala light tanto por el guión, del cual algunos tuiteros se quejaban de chabacanerías varias, como por la presentación, 19 butacas del tirón, menos mal que el honorífico a Rosa Renom y los merecidísimos a Gemma Brió por Llibert nos dejaban un poco de respiro.

Los gritos de unos y otros y el micrófono al que algunos parecían tenerle miedo y otros ni lo miraron, hicieron que desde platea los presentes tuviéramos que intuir los premios hasta que el afortunado subiera al escenario, o nueva modalidad (la tecnología avanza) subiera en modo iphone telefónico. Como se escuchaba más al del teléfono que al de carne y hueso, el año que viene que todos entren por esta modalidad y ya los fans que se dediquen a gritar.

El que no gritó ni se le oyó fue el señor Mascarell, que llegó tarde para descontento de los gráficos y que descubrió que lejos de dar el premio a mejor montaje teatral, el último de todos, fue reemplazado, por lo que hizo doblete quedándose sin foto y sin video. In extremis alguien le concedió unos minutos después para hablar de cultura.

A parte de premios y premiados, yo propongo que para el año que viene presenten los  Premios Butaca la memorable pareja Albert Triola, Clara Segura, que se vistan de lo que quieran, pero que nos hagan reír como esta noche. No sé si abrir un verkami o una campaña en change.org.

Pocas veces la gran favorita Un aire de família con 7 nominaciones se ha ido a casa con las manos vacías, por contra El clan dels Zhao de sus 6 nominaciones se ha llevado seis, la cara y la cruz de estos Butaca. Eso sí, una tiene sus debilidades y para mí esta es la noche de Llibert, ese pequeño gran espectáculo que no dio de comer a sus creadores pero que a muchos nos llegó al alma y en esta noche al oír doblemente su nombre se nos ha puesto una vez más la piel de gallina. Gracias y mil gracias, Gemma Brió and cía!

Que veinte años no es nada... que dice la canción y el año que viene 21, la mayoría de edad en los EEUU... y vamos creciendo y vamos aprendiendo, pero seguiremos y esperemos que todos los que nos hemos reunido hoy en presencia y en ausencia... con trabajo, ése será nuestro GRAN PREMIO!

Ganadores de los XX Premios Butaca de teatre de catalunya

MUNTAJE TEATRAL
L’orfe del clan dels Zhao (La Perla 29)

PEQUEÑO FORMATO
Llibert (Cia. Les Llibertàries)

DIRECCIÓN
Oriol Broggi (L’orfe del clan dels Zhao)

MUSICAL
Germans de Sang (Germans de Sang)

DANZA
Capricis (Àngels Margarit/Cia. Mudances/Grec’13)

PARA PÚBLICO FAMILIAR
Moby Dick, un viatge pel teatre (T.Lliure)

ACTOR TEATRAL
Julio Manrique (L’orfe del clan dels Zhao)

ACTRIZ TEATRAL
Clara Segura (La rosa tatuada)

ACTOR DE REPARTO
Pablo Derqui (L’orfe del clan dels Zhao)

ACTRIZ DE REPARTO
Mar Ulldemolins (El joc de l’amor i de l’atzar)

ACTOR DE MUSICAL
Benjamí Conesa (Germans de Sang)

ACTRIZ DE MUSICAL
Mone Teruel (Marry Me a Little)

ESCENOGRAFIA
Jordi Queralt (Informe per a una Acadèmia)

ILUMINACIÓN
Pep Barcons (L’orfe del clan dels Zhao)

VESTUARIO
Berta Riera (L’orfe del clan dels Zhao)

CARACTERIZACIÓN
Núria Llunell (Doña Rosita la Soltera)

DISEÑO ESPACIO SONORO
Roc Mateu (El caballero de Olmedo)

TEXTO TEATRAL
Llibert (Gemma Brió)

COMPOSICIÓN MUSICAL
Sílvia Perez Cruz (Informe per a una Acadèmia)

BUTACA HONORÍFICA ANNA LIZARAN
Rosa Novell

Un guión inédito de Arthur Miller cobrará vida en la escena


Fuente: Julio Bravo (abc.es)
A principios de los años cincuenta, Arthur Miller escribió el guión de «The Hook» («El gancho»), una película que quería sacar adelante su buen amigo Elia Kazan. Situada en los muelles de Brooklyn, su protagonista, Marty Ferrara, era un estibador luchando contra las mafias sindicalistas y los funcionarios corruptos del puerto. Enviaron el guión a Darryl Zanuck, presidente de la 20th Century Fox, pero éste, temeroso del ambiente que se vivía en plena caza de brujas, lo remitió a su vez al FBI. La respuesta fue contundente. La película no podía hacerse ya que podía enturbiar el clima en los muelles y dificultar los esfuerzos que se llevaban a cabo con motivo de la guerra de Corea. Miller utilizó parte del material de «The hook» en el guión de «La ley del silencio» (1954) y en su obra «Panorama desde el puente» (1955),.
Ahora, sesenta años después, «The hook» va a ver la luz, convertida en obra de teatro, en la ciudad británica de Northampton. El Royal & Derngate, complejo cultural de esta localidad, lo estrenará el 5 de junio de 2015. La adaptación a la escena la ha realizado Ron Hutchinson, y la producción la dirigirá James Dacre, y con esta puesta en escena se quiere recordar el centenario de Arthur Miller, que nació en Nueva York el 17 de octubre de 1915. Después la producción se trasladará a Liverpool.
El proyecto, según ha contado Dacre a la BBC, lleva varios años en estudio y, a pesar de su lenguaje cinematográfico, tiene una sencilla y directa traducción a la escena. Tanto Northampton como Liverpool, dijo el director, «son dos centros industriales con niveles extraordinarios de inmigración y cambio social». 
Marty, dice Dacre, es uno de los grandes personajes de Miller. «Lo que más me fascina de la pieza es que su autor tenía claramente la sensación de que muchos de sus temas perdurarían hoy». La integridad, la lucha por cambiar las cosas, la inmigración y la traición son temas que aborda la obra.

Miguel del Arco vuelve al Lliure con la radicalidad del 'Misántropo'



Fuente: Justo Barranco (lavanguardia.com)

Han pasado sólo cinco años y, como él mismo reconoce, parece que haya pasado toda una vida. De hecho, afirma, ha pasado. Miguel del Arco (Madrid, 1965) se presentaba a principios del año 2010 en la sala Villarroel de Barcelona con “La función por hacer”, su personalísima visión del clásico de Pirandello “Seis personajes en busca de autor”. Con ella acababa de dar la sorpresa en Madrid y logró unos buenos resultados en Barcelona, más de crítica que de público. Era una promesa. Con muchas posibilidades, como suelen apuntar los anuncios inmobiliarios. Mañana, cinco años más tarde, Del Arco vuelve por la puerta grande, la más grande, a Barcelona. Ha triunfado con espectáculos como “Juicio a una zorra”, con Carmen Machi; con “Veraneantes”, premio Max a la mejor obra; con “De ratones y hombres”... Y el año pasado arrasó en el Lliure con su versión del clásico de Ibsen “Un enemic del poble”, con actores catalanes y protagonizada por Pere Arquillué. “Un enemic del poble” volverá al Lliure en mayo, pero ahora mismo, desde el martes 25 y hasta el 7 de diciembre Del Arco presenta en el mismo espacio, en el Lliure de Montjuïc, su “Misántropo”, inspirado libremente en la aguda obra de Molière y protagonizado por Israel Elejalde. Su éxito hasta ahora ha sido tal que la compañía acaba de ir de gira por Sudamérica.

Del Arco, convertido ya en uno de los grandes directores españoles, aclara que aunque en este tiempo ha dirigido bastantes más obras, “Misántropo” es la tercera producción propia de la compañía que se formó con “La función por hacer” –además de Del Arco y Elejalde estaban ya los actores Bárbara Lennie, Miriam Montilla, Manuela Paso, Raúl Prieto y Cristóbal Suárez, que repiten ahora-, una compañía a la que sus miembros bautizaron muy apropiadamente como Kamikaze. Su segundo montaje fue el archipremiado “Veraneantes”, con el que, en medio de la crisis, no pudieron llegar a Barcelona porque aunque tenían teatro comprometido no tenían bolos para aguantar la producción hasta las fechas barcelonesas. Y su tercer asalto es un “Misántropo” que, dice del Arco, sin forzar para nada el texto original “con los tiempos que corren, esta obra sobre las verdades, las mentiras, las corrupciones, es dolorosamente actual”. Una obra que define como “una comedia falsa porque tiene un personaje trágico en el interior”.

Del Arco ha realizado una adaptación libre del Misántropo molieresco y lo ha situado en la actualidad, en una fiesta de discoteca. Una fiesta que es casi una de esas galas en las que se recoge dinero por alguna de tantas buenas causas. Sin embargo, de la fiesta apenas se ven sombras reflejadas, porque la acción transcurre en el exterior, “en un callejón donde los personajes salen a beber, fumar y drogarse”. “En mitad de una suciedad infecta esta gente vestida con sus mejores galas, sale esta gente asfixiada por lo que sucede dentro aunque quieren volver porque el que no hace lo que se supone que debe queda aislado como Alcestes, el misántropo de la obra”, señala. Un hombre que, dice Del Arco, “dice la verdad sí o sí pase lo que pase”, “el que dice hasta aquí hemos llegado y no acepta el juego callado que al final nos va adocenando”, un personaje que “que representa la capacidad del ser humano para mejorar, que cree que tenemos que comportarnos y relacionarnos de otra manera, desde la verdad, desde la honestidad, y que se convierte en misántropo al final de la obra cuando se cansa de seguir luchando y viviendo con unos hombres que son lobos para los hombres”.

Un Alcestes que, señala Elejalde, “es un personaje contradictorio, pero es el ser humano en su máxima dimensión de pureza y dignidad”. “Con él –prosigue-, la representación funciona como un espejo. El público se pregunta cuan lejos está de ese ser y cuan cerca está de los otros. Es un personaje casi alegórico que choca con la podredumbre moral a la que nos hemos acostumbrado, pero es contradictorio porque se enamora de la persona que representa todo lo contrario de lo que él intenta en la vida y eso le provoca un dolor inmenso”.

Un dolor que, dice, Del Arco, es el que le ha hecho sentirse identificado con él, con un hombre que realiza “una búsqueda incesante de la verdad que lo convierte en un héroe”. Un personaje alegórico, reconoce, “porque nadie tiene los santos cojones de decir lo que dice él, todos estamos pactando continuamente con los que tenemos alrededor, hacen cosas que no nos gustan y no vas a decirles inmediatamente lo que piensas de ellos”. Para Elejalde “no es un personaje que sienta superioridad moral hacia los demás sino hipersensibilidad por todo lo que ocurre y que además es incapaz de pactar. La gente que lo ve piensa que no puede ser como él pero que le encantaría tenerlo al lado cuando tiene un problema con su jefe”.

Para alguna gente, concluye el actor, “somos corruptos, deshonestos, tenemos envidias, así que lo mejor es pactar; para Alcestes hay que luchar por ser mejores y al final se da cuenta de que para no volverse un psicópata lo mejor es alejarse del mundo”. Para Del Arco, “Alcestes es a veces un poco talibán, muy bestia, pero hay momentos, como los que vive él, que se necesita ser radical, y hoy estamos, creo, en un momento bastante parecido”.