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25/10/15

MOLT SOROLL PER NO RES


DE WILLIAM SHAKESPEARE
TRADUCCIÓN: SALVADOR OLIVA
DRAMATURGIA: MARC ARTIGAU y ÀNGEL LLÀCER
MÚSICA: COLE PORTER, IRVING BERLÍN y I. HERB BROWN
ADAPTACIÓN DE LAS CANCIONES: MARC ARTIGAU y MANU GUIX
DIRECCIÓN: ÀNGEL LLÀCER
DIRECCIÓN MUSICAL: MANU GUIX
INTÉRPRETES: JORDI COLL, ALBERT TRIOLA, MARC POCIELLO, DAVID VERDAGUER, VICTÒRIA PAGÈS, ORIOL BURÉS, ENRIC CAMBRAY, ÒSCAR MUÑOZ, AIDA OSET, BEA SEGURA, LLOL BELTRAN, CLARA ALTARRIBA, BERNAT COT, ALBERT MORA, ÀNGEL LLÀCER
DURACIÓN: 1h 25min + 20 min de entreacto + 45 min 
PRODUCCIÓN: TEATRE NACIONAL DE CATALUNYA
SALA GRAN (TNC)

Según las propias palabras de Àngel Llàcer en el programa de mano, la primera consigna que dio a su equipo desde el primer día fue hacer a la gente feliz. Pues bien, lo han conseguido, al menos durante las poco más de dos horas y media que dura la función y que pasan tan volando que a más de uno, una servidora incluida, no nos hubiera importado quedarnos un poco más cantando y bailando.

Sonrisas a la entrada, sonrisas a la salida y unas ganas de bailar impresionantes como hacía tiempo que no tenía después de ver un musical, y la última vez fue en Londres. Y es que esta ciudad europea está en el pensamiento general después de ver el espectáculo, ya que por una u otra razón aquí (Catalunya) no estamos acostumbrados a ver un musical donde la escenografía sea tan impresionante como en Molt soroll per no res y donde además se combine con una magnífica selección de canciones, brillantemente acompañadas por coreografías.  Es posible que los intérpretes canten y bailen a la vez. No, no estamos acostumbrados a que nos lo den todo, y no sólo una parte.

Sin duda haber escogido la ambientación de los años 50 es otro de los aciertos del montaje. Los colores, los estilos, la música es perfecta para acompañar un texto recortado de Shakespeare, donde sólo queda la esencia, de los líos amorosos, alguna traición por el medio, pero todo queda, como en cualquier buen musical, supeditado a la parte vocal. 

Quizás lo que más shock provoca es ver algún que otro actor, no excesivamente acostumbrado a cantar/bailar, "dándolo todo" en el escenario. Y, sin bien es verdad, que tenemos mejores intérpretes vocales, se les llega a perdonar que alguno de ellos no llegue con suficiente precisión al tono que le tocaría. Maravillosos: Victòria Pagès, Albert Triola, Llol Beltran, Enric Cambray o David Verdaguer, pero reglón a parte necesario para Bea Segura y Aida Oset, dos sirenas que llenan el escenario de una luz muy especial.

Àngel Llàcer, Manu Guix y Marc Artigau firman una excelente comedia musical, y sin temor a equivocarme el que será el mejor espectáculo de la primera mitad de temporada y uno de los mejores musicales de producción y factura catalana (por no cogerme los dedos y decir el mejor) que hayamos visto. 

Impresionante fiesta para una Sala Gran llena hasta la bandera, hacía tiempo que no la veía al completo e impresiona, más aún ver muchas caras jóvenes. Este no es un Shakespeare corriente, y por eso esto es un grito a que llenen la sala, a que no muera en tan sólo un mes y medio. Si en Londres las producciones saltan de lo público a lo privado, quizás... "Fem-ho". Sea como fuere Molt soroll per no res necesita ser visto y disfrutado. La sonrisa y el disfrute te están esperando. Corre! 

LE SEC ET L'HUMIDE

 

DE: JONATHAN LITTELL
DIRECCIÓN: GUY CASSIERS
DRAMATURGIA: ERWIN JANS
PERFOMANCE: FILIP JORDENS
DURACIÓN: 1h
PRODUCCIÓN: TONEELHUIS
CANAL/SALT ARTS ESCÈNIQUES (TEMPORADA ALTA 2015)

Nunca seremos capaces de imaginarnos la monstruosidad que se cometió durante la II Guerra Mundial, como los nazis y el resto de regímenes fascistas masacraron a millones de personas. Una y otra vez asistimos impávidos a pequeñas muestras del horror, nos sigue impactando de la misma manera, como si no hubiéramos oído hablar de ello nunca.

Como acto performático Le sec et l'humide resiste el embate del derroche de datos, una verborrea difícil de contextualizar si no se es un ducho en la materia. A pesar de eso, poco a poco entiendes que no va de coger cada dato, sino de encontrarle un sentido común a la propuesta. Como, de alguna manera, somos los conejillos de indias de un proyecto mayor.

Y mientras observamos atónitos esta clase magistral de líquidos y sequedades no aptas para ser digeridas después de comer, la hora de función pasa, en algunos momentos más lenta de lo que debiera. La frialdad de Filip Jordens en la exposición y una escenografía de lo más aséptico más que ayudar, aleja al público de escena.

Interesante, sí, pero quizás los elementos y el contexto hubiera debido ser otro. La duración es la justa, un poco más hubiera sido excesivo. Lo hemos visto y ¿ahora qué? Quizás nada.

NOMÉS SÓN DONES


TEXTO: CARMEN DOMINGO
DIRECCIÓN: CARME PORTACELI
INTÉRPRETES: MÍRIAM ISCLA, XARO CAMPO y MAIKA MAKOWSKI
COREOGRAFIA: SOL PICÓ
DURACIÓN: 1h 20min
FOTO: DAVID RUANO
PRODUCCIÓN: FACTORIA ESCÉNICA INTERNACIONAL
SALA PETITA (TNC)

Soy mujer, optimista y visceral. Reconozco que muchos de mis actos están escritos bajo la segunda característica, y quizás fue ese feminismo, a veces rozando la radicalidad, el que hizo esperar más ruptura de Només són dones. No dudo de la necesidad de dar voz a aquellas olvidadas, que aún hoy siguen con un exceso de tierra encima que no les deja gritar, pero ese exceso hace que el grito necesite ser ensordecedor. Y mis oídos, aunque a alerta siguen intactos.

Carme Portaceli reconocida feminista ha suavizado el discurso buscando hacer un espectáculo apto para todos aquellos que les guste escuchar verdades pero que huyan de una violencia excesivamente dura. Y, aunque los hechos relatados nos son fáciles de digerir y la suma de lenguajes: interpretativo, danza y música, provocan una cierto desasosiego, la narración queda lejana, como si un velo de tiempo excesivo hubiera tapado lo más difícil.

Con los ovarios puestos o no encima de la mesa y después de ver una interpretación excelsa de Míriam Iscla en Dona no reeducable, aquí no acaba de sobresalir. Con uno de los personajes que interpreta, una mujer con pocos recursos físicos, intelectuales y emocionales, difícil tarea de interpretarlo de manera natural, por eso quizás fue más fácil caer en el estereotipo, quizás buscando más una de las pocas sonrisas de la noche, que una profundidad emocional y empática.

Lo más destacable del montaje es la parte coreografiada de la Sol Picó, que llega a su culmen con la danza entre las botellas, donde sólo por un momento el montaje consigue despegar y salir del letargo para comenzar a caminar, o a bailar como sería el caso. Maika Makowski, de la que ya habíamos podido disfrutar en otros montajes completa los puntos fuertes de un montaje que supone la primera piedra para dar voz a las que nunca la tuvieron, y a partir de ahora quizás recuperen el tiempo perdido. 

17/10/15

TROIANES 15


AUTOR: JEAN-PAUL SARTRE
TRADUCCIÓN: MANUEL DE PEDROLO
ADAPTACIÓN LINGÜÍSTICA: LLUÍS SOLER
DIRECCIÓN y DRAMATURGIA: ANNA ESTRADA
INTÉRPRETES: RAMON BONVEHÍ, QUERALT CASASAYAS, ANNA ESTRADA, DAVID ORTEGA, MAGDA PUIG y LAVINIA VILA
DURACIÓN: 70min
PRODUCCIÓN: LA PELL y VANIA PRODUCCIONS
TEATRE AKADÈMIA

Vivimos en el siglo XXI el cual para muchos es el siglo de las mujeres, donde tanto si nos dejan como sí no tenemos que alcanzar la tan manida igualdad entre sexos. No siendo ni mejores ni peores pero si iguales a nuestros iguales masculinos. Troianes 15 es una hombre protagonizada por mujeres, ahí dos hombres, una lucha de poder y unas perdedoras, que dioses mediante, vuelve a sumirse al poder de la palabra masculina.

Potente inicio con un baile arrítmico mientras de fondo suena Happy de Pharrell Williams. Una impresionante escenografía de zapatos olvidados tras una guerra cruenta y un diseño de luces que acentúa la tragedia que se nos viene encima, mientras las últimas notas del Happy dejan paso a un solo de cuerdas más triste, de funeral.

Sólo dura 70 minutos pero tras el estallido inicial donde todos los elementos escenográficos están perfectamente coordinados, la palabra nos sume en un sopor, en una especie de sueño anodino, que para nada se corresponde con la actualización del mito que se prometía, a tenor por la puesta en escena, del inicio. O conoces la mitología al dedillo o si no te pierdes, entre tantos mortales y dioses.

Con unas interpretaciones femeninas irregulares y excesivamente poco confidentes en los dos casos masculinos, quizás la más convincente sea Magda Puig, que en el papel de madre viuda de hijo y marido, nos trastorna con su dolor, lo sentimos como propio y conseguimos lo que hasta el momento no habíamos conseguido con los demás, entrar en una historia, que en el siglo XXI cuesta bastante de empatizar.

Ya no hay dioses que nos castiguen, al menos que sepamos, cada uno es esclavo de sus propios actos. Las mujeres poco a poco salen del yugo a las que son sometidas por la parte masculina. Con una puesta en escena que pretende romper con lo clásico de la historia, me cuesta entender porqué se ha mantenido el texto sin adaptar. 

A veces tanta justicia con la historia hace que en poco más de una hora haya desconectado con los dioses para reconectar con otros pensamientos. Prometía mucho pero por el camino se diluye la apuesta escénica y el texto no deja de ser el de siempre. Falta riesgo y sobra monotonía en esta batalla que hemos vuelto a perder.

NOMINATS A LA XXI EDICIÓ DELS PREMIS BUTACA



*En vermell la meva porra

1.- MUNTATGE TEATRAL 

1.- El rei Lear (Teatre Lliure)
2.- L’art de la comèdia (TNC)
3.- La partida (Teatre Romea/Grec’14)
4.- El President (TNC/Temporada Alta/EL CANAL) 
5.- El curiós incident del gos a mitjanit (Teatre Lliure) 
6.- Una giornata particolare (La Perla 29)

2.- PETIT FORMAT 

1.- El llarg dinar de Nadal (La ruta 40)
2.- Tortugues (Flyhard Produccions)
3.- Vells temps (Sala Beckett/Grec’14)
4.- L’alè de la vida (Q-Ars Teatre/Velvet Events) 
5.- La gavina (Teatre Akadèmia/Eix 49)

3.- DIRECCIÓ TEATRAL 

1.- Carme Portaceli (El President)
2.- Lluís Pasqual (El rei Lear)
3.- Oriol Broggi (Una giornata particolare)
4.- Julio Manrique (El curiós incident del gos a mitjanit) 
5.- Lluís Homar (L’art de la comèdia)

4.- MILLOR MUSICAL 

1.- Flor de Nit -El Cabaret-(Gataro-Almeria Teatre) 
2.- Mares i filles (Bohèmia’s)
3.- Per sobre de totes les coses (Teatre Gaudí)
4.- A la burgesa (Think big)

5.- DANSA 

1.- Sin baile no hay paraíso (direcció Pere Faura) 
2.- Torobaka (direcció Akram Khan e Israel Galván) 
3.- Islàndia (direcció Marcos Morau)
4.- Caída libre (direcció Sharon Fridman)

6.- ESPECTACLE PER A PÚBLIC FAMILIAR 

1.- El Petit Príncep (La Perla 29)
2.- Rhum (Velvet Events/Grec’14)
3.- Magic Tribute (La Seca Espai Brossa)

7.- ACTOR TEATRAL 

1.- Pol López (El curiós incident del gos a mitjanit) 
2.- Lluís Homar (Terra baixa)
3.- Francesc Orella (El President)
4.- Joan Carreras (L’art de la comèdia)
5.- Pablo Derqui (Una giornata particolare) 

8.- ACTRIU TEATRAL 

1.- Núria Espert (El rei Lear)
2.- Rosa Renom (El President)
3.- Sílvia Bel (Vells temps)
4.- Mercè Arànega (L’alè de la vida)
5.- Clara Segura (Una giornata particolare)

9.- ACTOR DE REPARTIMENT 

1.- Ramon Madaula (El rei Lear)
2.- Andreu Benito (La partida)
3.- Ivan Benet (El curiós incident del gos a mitjanit) 
4.- Lluís Villanueva (L’art de la comèdia)

10.- ACTRIU DE REPARTIMENT 

1.- Marta Marco (El curiós incident del gos a mitjanit) 
2.- Teresa Lozano (El rei Lear)
3.- Mercè Sampietro (Fedra)
4.- Núria Deulofeu (Com us plagui)

11.- ACTOR DE MUSICAL 

1.- Albert Mora (A la burgesa)
2.- Ivan Labanda (Guapos i pobres)
3.- Frank Capdet (Flor de Nit -El Cabaret-) 
4.- Guillem Martí (El Petit Príncep)

12.- ACTRIU DE MUSICAL 

1.- Mariona Castillo (Mares i filles) 
2.- Nina (Mares i filles)
3.- Elena Gadel (El Petit Príncep) 
4.- Laia Piró (A la burgesa)

13.- ESCENOGRAFIA 

1.- El rei Lear (Lluís Pasqual/Alejandro Andújar)
2.- Una giornata particolare (Oriol Broggi)
3.- El curiós incident del gos a mitjanit (Lluc Castells) 
4.- No feu bromes amb l’amor (Quim Roy)

14.- IL·LUMINACIÓ 

1.- El curiós incident del gos a mitjanit (Jaume Ventura) 
2.- Incerta glòria (Agustí Viladomat)
3.- Victòria d’Enric V (Raimon Rius)
4.- Terra baixa (Xavier Albertí)

15.- VESTUARI 

1.- L’art de la comèdia (Nina Pawlowsky)
2.- La gavina (Ricard Prat i Coll)
3.- El somni d’una nit d’estiu (Míriam Compte) 
4.- El rei Lear (Alejandro Andújar)

16.- CARACTERITZACIÓ

1.- El rei Lear (Eva Fernández)
2.- L’art de la comèdia (Toni Santos)
3.- El somni d’una nit d’estiu (Núria Llunell) 
4.- La gavina (Núria Llunell)

17.- DISSENY DE SO o ESPAI SONOR 

1.- El curiós incident del gos a mitjanit (Damien Bazin) 
2.- Incerta glòria (Nao Albet)
3.- Desde Berlín. Tributo a Lou Reed (Jaume Manresa) 
4.- Terra baixa (Damien Bazin)

18.- TEXT 

1.- Tortugues (Claudia Cedó)
2.- Idiota (Jordi Casanovas)
3.- Cleòpatra (Iván Morales)
4.- L’onzena plaga (Victoria Szpunberg) 
5.- Mammón (Nao Albet i Marcel Borràs)

19.- COMPOSICIÓ MUSICAL 

1.- Xavier Torras (Guapos & pobres) 
2.- Ferran González (Merda d’artista) 
3.- Arnau Vallbé (Victòria d’Enric V) 
4.- Sílvia Pérez Cruz (Terra baixa)

12/10/15

UBU I LA COMISSIÓ DE LA VERITAT


DIRECCIÓN y ANIMACIÓN: WILLIAM KENTRIDGE
TEXTO: YANE TAYLOR
DISEÑADOR DE TÍTERES: ADRIAN KOHLER
INTÉRPRETES: DAWID MINNAAR y BUSI ZOKUFA
MANIPULADORES DE TÍTERES: GABRIEL MARCHAND, MANDISELI y MTHOMBENI
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: LUKE YOUNG
PRODUCCIÓN: HANDSPRING PUPPET COMPANY
TEATRE MUNICIPAL DE GIRONA (TEMPORADA ALTA 2015)

Han pasado 18 años desde que la primera versión de este espectáculo se estrenara, quizás no suficiente tiempo para que las cicatrices del Apartheid se cicatricen, sus imágenes siguen impactando igual, y aunque siempre resulte interesante rescatar un espectáculo para que los que no estábamos hace 18 años viendo teatro pudiéramos hacernos una idea (y más si es con el reparto original), los tiempos han cambiado en estos años.

La forma de hacer teatro en medianos y grandes formatos por suerte ha evolucionado y hay que ser consciente de lo que impactaba tiempo atrás ahora ya no atrae de la misma manera. De alguna manera es lo que le sucede a Ubu i la comissió de la veritat. Si bien es cierto que aquí Ubú ya viene distorsionado de fábrica, lejos queda ese personaje dictatorial, enloquecido y también se ha eliminado toda la primera parte llena de escatológicas acciones. Ubú es más que nunca un títere de sí mismo.

Versión naïf e inocente donde las haya la de William Kentridge, tanto que incluso las atrocidades cometidas durante el Apartheid y presentadas como una muestra de documentos gráficos proyectados en la pantalla quedan dulcificadas, en medio de un texto que nos vuelve a presentar el abuso de poder en manos de una persona ignorante, débil, que ordena sin saber y que al final consigue salirse con la suya y con las manos limpias después de tanta sangre derramada.

Función de domingo a la tarde, en inglés de sudafrica bastante complicado de entender hasta que te acostumbras a ese acento tan cerrado, y quizás incluso sea un acierto para los que habitualmente no leemos sobretítulos en este idioma, tenemos que prestar un esfuerzo superior para entender la historia, hecho que nos obliga a entrar o desconectar para siempre jamás.

Aplausos tibios en el Teatre Municipal de Girona, excesivamente fríos teniendo en cuenta que es una propuesta internacional, al que le ha faltado asumir el riesgo de los nuevos tiempos y optar por actualizar mínimamente la propuesta. No cualquier tiempo pasado fue mejor.

DINAMO



DIRECCIÓN y DRAMATURGIA: CLAUDIO TOLCACHIR, LAUTARO PEROTTI Y MELISA HERMIDA
INTÉRPRETES: DANIELA PAL, MARTA LUBOS y PAULA RASENBERG
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: SEBASTIÁN ARPESELLA
PRODUCCIÓN: TEATRO TIMBRE4, MAXIME SEUGÉ y JONATHAN ZAK
TEATRE DE SALT (TEMPORADA ALTA 2015)

Atraídos por el teatro argentino de Tolcachir desde que lo descubrimos con La familia Coleman, asistimos ávidos de su teatro con una marcado carácter costumbrista a Dinamo, que no cumple con nada de lo que he narrado hasta la fecha. Olvídate de lo que hayas visto de Tolcachir hasta la fecha, un salto al vacío del dramaturgo y director argentino, donde se deja llevar por la psicodelia y olvida, al menos por una obra, el drama por el drama, que tanto les gusta a los creadores argentinos mostrar. 

Saciados de drama, déjate llevar por una maravillosa puesta en escena que parece dedicada a los amantes de muchas de las películas indies de los USA. Una asfixiante caravana donde transcurre toda la acción. Tres mujeres a las cuales los sueños las abandonaron hace algún tiempo, ven como pasan sus días con una monotonía que las consumen. La aparición del tercer personaje, una inmigrante bielorrusa supondrá un leve pero definitivo trastoque a su aburrida existencia. La incomunicación empezará entonces a marcar el ritmo de las acciones, aunque no hay barrera insalvable.

En poco más de una hora, la historia se cierra con un montón de preguntas que asaltan la mente del espectador, no hay espacio temporal ni físico, es el público quien tiene que imaginarse un contexto para cada una de las escenas. A veces parece como si fuera una simple burbuja en medio de la nada, al que nada pudiera hacerla estallar.

Con dirección y dramaturgia compartida entre Claudio Tolcachir, Lautaro Perotti y Melisa Hermida, hechos que se nota, en todo el montaje, quizás el drama interior sea lo que más recuerde al clásico espíritu Tolcachir. Las interpretaciones abandonan la naturalidad de otros montajes costumbristas y se sumergen en un mundo a medio camino entre la realidad, los sueños y los efectos provocados por las drogas con personajes desestructurados que han desistido en su búsqueda de su lugar en el mundo. Este abandono no supone ningún drama, se agradece el despojo y la opción adoptada del viaje por mundos más contaminados de la mente humana.

Se agradece también que Claudio Tolcachir no haya optado por el camino fácil de hacer más de lo mismo e indagar otros territorios, en los que por lo que parece se va encontrar igual de cómodo que en los que ya transitó en el pasado. Dinamo sigue su camino hacia Burdeos-Murcia... ¡Viva la psicodelia!

CREC EN UN SOL DEU (CREDO IN UN SOL ODIO)


TEXTO: STEFANO MASSINI
DIRECCIÓN: LLUÍS PASQUAL
INTÉRPRETE: ROSA MARIA SARDÀ
DURACIÓN: 1h 10min
FOTO: ROS RIBAS
PRODUCCIÓN: TEATRE LLIURE
LLIURE GRÀCIA

Creo que lo planifiqué erroneamente, primero debería haber asistido al monólogo de la Sardà y luego al de la Iscla, por aquello de la impresión, porque al dejar Crec en un sol Deu para el final la ha convertido en uno más. No sé si le ha pasado a alguien a parte de una servidora, pero creo que no ha estado a la altura de mis expectativas. Me explico.

La interpretación de Miríam Iscla arrolla, es magnífica y en este caso la de Rosa Mª Sardà se queda en un segundo plano. Las historias que nos explica son las de nuestro pan de cada día, y si además de las noticias nuestras mentes curiosas han indagado un poco más allá con documentales o películas, nada de lo que nos cuente les resultará extraño a nuestros oídos.

La simplicidad de la puesta en escena juega, esta vez, una mala pasada al montaje. Una recreación de una conferencia, donde se mezcla el texto aprendido con la lectura y donde sólo luces de diferentes colores nos hacen distinguir quién de las tres mujeres está hablando, Shirin, la estudiante islámica, palestina de 20 años; Edén, la profesora de historia judía de 50 años o Mina, la militar norteamericana de 40 años destinada a la Franja de Gaza.

¿Cuántos años de conflicto llevamos? No hay día que no nos ametrallen con una noticia que haga referencia a su conflicto. Lo vivimos desde la lejanía del primer mundo, donde todos los nombres nos suenan igual, independientemente de sí son judíos o palestinos, los tiros vienen de un lado y de otro. El texto no da respuestas sino visiones de los tres bandos en conflicto, pero hay algunas frases que sí que resuenan en la cabeza del espectador, la seguridad que alegan los judíos para bombardear posiciones palestinas y cómo un médico se cuestiona curar o no a un paciente por ser del otro bando. Humanidad poca, intolerancia toda.

Pero la vida sigue y la noticia ya ha pasado, ya has dado la vuelta a la página del diario. Si el relato de  Anna Politkóvskaia se me quedó dentro durante días, las tres mujeres luchadoras de Crec en un sol Deu, han pasado casi sin tocarme. ¿Por qué? Quizás sea la cotidianidad en la que se ha convertido este conflicto para mis ojos, la puesta en escena que no me ha ayudado a entrar en la obra. Una interpretación mucho más irregular de la que nos tiene acostumbrados Rosa Maria Sardà... Sea como fuere, he salido decepcionada de la sala, pondré las noticias, que mañana será otro día.

6/10/15

CAIXES


TEXTO: MARC ARTIGAU
DIRECCIÓN: MONTSE RODRÍGUEZ
INTÉRPRETES: RUBEN DE EGUÍA, MERITXELL CALVO, SANTI RICART y AINA CALPE
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: ROSER BLANCH
PRODUCCIÓN: FLYHARD PRODUCCIONS S.L.
SALA FLYHARD

Iniciamos la temporada de la Sala Flyhard, de mudanza y no porque la sala se haya trasladado de lugar, sino porque la obra lo requiere. Dos parejas se trasladan al mismo edificio y los de la mudanza intercambian sus enseres. De la mera anécdota que eso supone, Marc Artigau ha construido una obra de teatro.

Nos encontramos con la vicisitud de que no es el propio Artigau quien dirige la pieza, como bien suele suceder en la dramatúrgia actual, sino que la dirección recae en Montse Rodríguez. A la dirección hay que premiarla por sus cada vez más comunes giros cinematográficos, pero al mismo tiempo también se le puede recriminar el ritmo que ha otorgado a la pieza. Una comedia con un punto más que evidente de misterio debería optar por un ritmo mucho más rápido y fresco del que tiene, porque entre tantas piezas, tendidos a negro, el espectador empieza a mirar el reloj para comprobar, muy a su desgracia, que tan sólo a pasado una hora.

A nivel interpretativo, y pese a que el hilo conductor parezca el personaje del Ruben de Eguía, los personajes femeninos de Meritxell Calvo y Aina Calpe están mucho más definidos y brillan más que sus compañeros masculinos, que permanecen más en un segundo plano, como si no quisieran molestar.

Las cajas tienen su protagonismo en la puesta en escena. A medio camino entre salón, recibidor, portal de casa, ¡hay qué ver lo que dan de sí las 4 cajas que conforman la escenografía! Sin duda uno de los aciertos del montaje es sorprender al espectador, escena tras escena, con un mínimo cambio en la escenografía, para que su imaginación juegue con el resto.

La Sala Flyhard hasta los topes como siempre sea o no una comedia irregular, su público fiel sigue asistiendo obra tras obra a dejarse sorprender. Y, eso en los tiempos que corren, es de agradecer. 

4/10/15

ESCENAS DE VIDA CONYUGAL


BASADO EN UN GUIÓN DE INGMAR BERGMAN
VERSIÓN: FERNANDO MASLLORENS y FEDERICO GONZÁLEZ DEL PINO
INTÉRPRETES: RICARDO DARÍN y ÉRICA RIVAS
DIRECCIÓN: NORMA ALEANDRO
DURACIÓN: 1h 50min
FOTO: DANIEL SECCHES
PRODUCCIÓN: MAJI
TEATRO TÍVOLI

Creo que me saltaré la parte donde para encontrar mi butaca di varias vueltas al segundo anfiteatro por esa mala costumbre de no numerar las filas, donde la 8 es la 7 y sin problemas. Después del entuerto para sentarme, quince minutos injustificados de retraso, sí todavía hay teatros que esperan a los espectadores, de vergüenza.

Lejos de los problemas iniciales, lo mejor estaba por llegar. No, no me refiero a la obra, sino al público, que acude al teatro sólo a ver a la estrella de turno, en este caso Ricardo Darín y viene sin domesticar de casa. En un teatro NO se hacen fotos durante la función, con o sin flash y sin encima te pilla la única acomodadora que vi varías veces, guarda la cámara y ponte a ver la función. Pues no, seguimos con las mismas, yo soy la acomodadora y le requiso la cámara. En un teatro NO se comenta lo que pasa en escena como si estuviéramos en el salón de casa. En un teatro NO se juega con el papel del caramelo o pastilla de turno hasta que el espectador de al lado tiene ganas de metértelo por donde te quepa. Un teatro NO debería permitir a esta gente entrar.

Ah, sí la obra, pues la verdad es que puedo decir que he visto a Darín en teatro pero lejos de eso, Bergman había desaparecido cuando yo llegué de la versión de Fernando Massllorens y Federico González del Pino. Hace muchos años que vi la película, menos que vi la versión de la Marta Angelat en la Sala Petita del TNC con Mònica López i Francesc Orella, pero en ninguno de los dos casos me pareció una comedieta de salón, donde las carcajadas están forzadas al máximo y donde la tensión dramática brilla por su ausencia.

Casi dos horas de aguante de una obra que se te ofrece masticada, sólo le falta una voz en off que te vaya relatando lo que se quieren decir. Me sentí tratada como si fuera estúpida y no pudiera sentir lo que estaba pasando en el escenario con tanto elemento masticado. El ritmo de tanta escena corta, sin significado, hay escenas que se ven como pegotes, no levanta el vuelo, más que querer provocar una respuesta en el espectador se conforman simplemente con hacerles reír. Pobre Bergman, ¡qué vergüenza!

Gracias a Dios no pagué la entrada, pero me pregunto ¿vale la pena pagar 30€ en anfiteatro o 48€ en platea para ver como destrozan lo que ellos llaman Bergman? Mi más sincero "te acompaño en el sentimiento" a los que lo hayan hecho. De buen seguro cuesta mucho menos ver la nueva película de Cesc Gay en el cine, y aunque Darín no sea de carne y hueso, por esta vez, saldré más satisfecha. Eso sí, las entradas están prácticamente agotadas para las funciones que quedan, el postrero manda. Señor, ¡qué desastre de función!

DONA NO REEDUCABLE


AUTOR: STEFANO MASSINI
DIRECCIÓN: LLUÍS PASQUAL
INTÉRPRETE: MÍRIAM ISCLA
VOCES EN OFF: MIQUEL CABAL, XÈNIA DYAKONOVA, LLUÍS MARCO y MANUEL NUÑEZ YANOWSKY
DURACIÓN: 1h 10min
FOTO: ROS RIBAS
PRODUCCIÓN: TEATRE LLIURE
LLIURE GRÀCIA

Helada, sin poder moverme. Una hora y unos minutos más atónita. Una presencia constante, una actriz que lo ocupa todo, pensamientos, alma, fuerza de voluntad, corazón. Respiro, pero aún así el horror del discurso me corta la respiración. Hay miedo, porque no es ficción, los hechos más o menos contrastados, suceden delante de tus ojos. Y, aunque la historia es conocida, no por ello te sorprende cada vez que alguien alza la voz para explicártela.

Tremenda, maravillosa, magnífica, apabullante, magistral y podría seguir sacando adjetivos de una chistera para calificar el trabajo del portento llamado Míriam Iscla, con una transformación sencilla, consigue que sólo sean sus palabras y la de los personajes que se van sucediendo en escena las que se oyen. Resuenan con fuerza, por dentro, incluso unos días después de haber salido del teatro. Sin palabras para describir lo que cualquier persona periodista o no, le pasa por dentro mientras le explican, y se imagina, el horror. Ninguna guerra es fácil, y menos la guerra por la verdad.

Poderosísima puesta en escena de lo más simple, una mesa de trabajo y una serie de imágenes y vídeos proyectados contra la pared, como balas que entran y salen hasta convertir a los cuerpos de los espectadores en una especie de carnicería teatral. Un monólogo con un ritmo vertiginoso donde las imágenes físicas e imaginadas no dejan de entremezclarse, donde no hay ni un minuto para el respiro y donde aquel lema informativo de "está pasando, lo estás viendo" se vuelve más presente que nunca.

Sala del Lliure de Gràcia a rebosar y espero que esté así las sesiones que falten, las de ahora y las de final de temporada. Un espectáculo imperdible, que demuestra que no somos inmunes a ciertos actos de violencia de estado, por mucho que se nos ametralle día tras día en las noticias. A veces hace falta corazón y tripas dejar que nuestros ojos vayan más allá del mero titular. Y aún compungida y llena de rabia. ¡Bravo!

EL DESVETLLAMENT D'UNA PAPALLONA NOCTURNA


ADAPTACIÓN y DIRECCIÓN: ELES ALAVEDRA
INTERPRETACIÓN: ANNA SABATÉ
DURACIÓN: 90 min
FOTO: PEP ÀVILA
PRODUCCIÓN: TEATRE DEL FAR
SALA ATRIUM

Noche de estreno, sala llena, medida expectación y el espectáculo comienza. He de reconocer que me gusta la figura literaria y no de Virginia Woolf desde hace tiempo y que me atrajo el parecido alucinante de la recreación de la fisonomía de la actriz, Anna Sabaté. Lejos de eso, reconozco la dificultad de llevar textos de diferentes obras de Virginia Woolf a escena y darlos una aparente conexión.

El monólogo intenta a través de piezas inconexas trasladarnos a una época de reivindicaciones democráticas sobre la enseñanza, cómo la autora se cuestiona la responsabilidad que como persona conocida tiene respeto a cuestiones políticas y sociales. Empezamos en un tono muy solemne, de acto social que, se va transformando en intimista, primero en forma dramática y poco a poco dar paso a pinceladas humorísticas.

Se aprecia un cierto hilo conductor entre los textos, el papel de la aristocracia, las reclamaciones democráticas, el papel de la mujer en la sociedad... pero falta algo, algo que haga que el ritmo no decaiga (hay muchos momentos en los que el discurso entra en una especie de repetición cíclica y si no eres capaz de mantener la atención puedes caer en un sopor no deseable). Es obvio, a mi entender, que se ha optado por una duración estándar, que si la tijera hubiera hecho acto de presencia en una hora nos hubieran explicado lo mismo de una manera más ágil.

Anna Sabaté es una viva imagen de Virgina Woolf, su transformación es alucinante. La interpretación es precisa en todo momento, y si no brilla más es porque el texto no la acompaña. La dirección y la puesta en escena es sencilla, una simple mesa y un diseño de iluminación que resalta la entrada y la salida de escena, lo real, de lo impostado.  Me sobra, también, el alegato final donde el público tiene un protagonismo innecesario y el choque entre realidad y ficción está más que nunca borroso. Lástima que los errores de corrección dramatúrgica nos hayan manchado por un momento a la frágil figura de Virgina Woolf.

MARITS i MULLERS


BASADO EN UN GUIÓN DE WOODY ALLEN
TRADUCCIÓN, ADAPTACIÓN y DIRECCIÓN: ÀLEX RIGOLA
INTÉRPRETES: ANDREU BENITO, JOAN CARRERAS, MÒNICA GLAENZEL, SANDRA MONCLÚS, MAR ULLDEMOLINS y LLUÍS VILLANUEVA
DURACIÓN: 1h 30min
FOTO: PROJECTE FONAMENTUM
PRODUCCIÓN: HEARTBREAK HOTEL, TEATRO DE LA ABADÍA, TRÀNSIT PROJECTES y FOCUS
LA VILLARROEL

Preparados para diseccionar parejas, relaciones sentimentales que se alargan en el tiempo y que el acomodo y la rutina pasan a formar parte de su día a día. Preparados para saber qué pasa después de el The End de cualquier película romántica, el "fueron felices y comieron perdices" lo desterraremos para mejor ocasión.

Quien haya visto la película, el argumento no será un misterio, para quienes no la hayan visto tampoco, quizás incluso lo hayan vivo en primera persona. Sea como fuere estamos delante de una comedia, no de aquellas que nos harán reír a carcajadas de cualquier locura que se la haya ocurrido escribir al dramaturgo de turno, sino de aquellas con poso, de las que te ríes de sus ingenios y te deja pensando lo que se esconde detrás de tu risa.

Magnífica puesta en escena a cuatro bandas la que nos presenta Àlex Rigola, quién ya dirigió su versión castellana en el Abadía hace unos años y que dirige la pieza con precisión milimétrica de sabérsela al dedillo. Un apunte, si en taquilla les ofrecen la posibilidad de sentarse en uno de los sofás que pueblan el escenario, sin miedo decir que sí, la experiencia sin duda será única y mucho más especial que presenciar los toros desde la barrera, es decir, verla como una espectador más desde platea.

Reparto de altura para unas interpretaciones magníficas. Desde un fanfarrón Andreu Benito pasando por las extraordinarias Sandra Monclús i Mònica Graenzel hasta a la precisión interpretativa que despliegan Mar Ulldemolins y Joan Carreras. Si te encuentras sentado en el sofá, como era mi caso, notarás las interpelaciones que los actores lanzan a este público más próximo, lejos de la interacción te acercan más a la obra, te sientes un poco arte y parte.

Àlex Rigola solventa con precisión, rigor y un ritmo sorprendente la difícil tarea de adaptar una película en teatro. Se veía venir que sería uno de los éxitos de este otoño y, aunque tienen todavía tres meses por delante de representaciones, no te duermas, las entradas están volando. ¡No te la pierdas!