Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Esta mañana se ha presentado la nueva temporada del Teatre Eòlia bajo la conmoción de lo ocurrido el día anterior a nivel político y social, la rueda de prensa no podía empezar de otra manera, que con una contundente condena y una declaración de intenciones por parte de Rosa Galindo, directora artística del espacio: "Aunque no existiera libertad de expresión, seguiríamos haciendo teatro, político, comprometido y con humor".

Antes de dar el turno a las compañías se reafirmó en el espíritu que desde su apertura ha caracterizado a la sala del Eixample: "Seguimos apostando por intérpretes emergentes, salidos o alumnos de nuestra escuela, o también de otras escuelas de interpretación de la ciudad". Su línea de programación sigue apostando por el Teatro Necesario, aquel que engloba memoria, identidad, hechos silenciados, personas excluidas...

La temporada se abrirá el próximo fin de semana con la primera de las dos propuestas englobadas en la Mostra de Creadors/Intèrprets Emergents:

  • Un i un, no siempre son dos (Del 28 de septiembre al 1 de octubre de 2017). El trabajo de fin de carrera de Minerva Prat que ella misma define como "Creación propia, personal y emocional" y que nos habla del proceso de adaptación a la vida después de una ruptura sentimental de una pareja después de años de convivencia.

  • Entre. (Del 5 al 8 de octubre de 2017) donde el Col·lectiu Atemporal se inspira en el mito griego de Ícaro y lo traslada al paso de joven a adulto de Arnau. Aunque la vida te haga caer mil y una veces, es hora de volar.

Esta temporada, el Eòlia también busca sacar a la luz algunas obras poco o nada representadas, es el caso de El Cid de Pierre Corneille (que junto a Molière y a Racine son el tridente del neoclasicismo francés). Una pieza, dirigida por Josep Maria Vidal, en alejandrinos aparejados que supondrá el estreno de la nueva Jove Companyia de Teatre de Vers de Barcelona.

Del 25 al 29 de octubre es el turno de Federico García Lorca y La casa de Bernarda Alba de la Compañía Antzoki Teatteri. Un texto que desde ayer es más vigente que nunca, Bernarda representa como nadie la autoridad represora.



La primera semana de noviembre (Del 1 al 5) se podrá ver Invasió Subtil, un espectáculo que lleva dos temporadas de éxito en las mañanas para escuelas e institutos del Poliorama y que el Eòlia busca que llegue a un público más amplio de todas las edades. Paco Mir ha dramatizado 9 cuentos de Pere Calders, sus tres protagonistas interpretan un total de 33 personajes. Toda una tour de force!



Pero no sólo de teatro de texto vive el hombre, la Impro también estará presente en la nueva temporada del Eòlia con T.I.C.S (Secret Technology Improvisation Company) el 11 y el 12 de noviembre de la compañía Discret Impro. Un espectáculo que busca dignificar la Impro como género teatral, introduciendo al concepto de Impro las nuevas tecnologías, el público decidirá. Un dato más bien relevante: en la sala no hay cobertura.



Andrea Monje y Pablo Ley presentan 90 minutos, una versión de Alícia en el país de las maravillas (del 16 al 26 de noviembre de 2017). El mismo Ley hace doblete en las mismas fechas con el texto de Edgar Allan Poe, L'esfondrament de la casa Usher. De ambos afirma que les gusta investigar "crear cosas extrañas" y sobre todo tiene la necesidad de "abrir puertas a la nueva generación".



En la frontera entre noviembre y diciembre se presenta el primer espectáculo englobado dentro de ese Teatro Necesario, Khalid. L'heroi cosmològic (del 29 de noviembre al 2 de diciembre). Un trabajo de final de carrera que nos habla de la Guerra de Siria desde dentro.

Una de las reposiciones es Cinco Tonos de color azul que hace dos temporadas nació en La Seca Espai Brossa, más tarde recaló en la Sala Atrium y del 14 al 16 de diciembre lo acoge Eòlia dentro del Teatro Necesario. Un análisis del proceso de duelo dirigido por Paula Ribó.

Personalmente, uno de los espectáculos que más me llama la atención es Planeta Pària (del 14 al 25 de febrero), que ya se pudo ver la temporada pasada en tres funciones llenas a rebosar y que sabiamente se ha decidido recuperar.  La dirección y dramaturgia de Carla Torres nos vuelve a trasladar a la sci-fi, a un planeta donde no todo el mundo tiene su lugar garantizado, quienes no lo tienen, entre ellos los actores, tienen que concursar en un reality para conseguirlo. Según la propia Carla al escribir sus obras: "siempre me pongo en lo peor y luego vienen éstos y me dejan en rídiculo".

Coincidiendo con el Dia de la Mujer Trabajadora (¿?) llega Les associades al club dels ÚTERS PENEDITS (del 8 al 11 de marzo) también dentro del Teatro Necesario, un texto de la socióloga Corinne Maier. Todo un alegato feminista de una mujer que reflexiona de los pros y cons de haber tenido un hijo, mientras espera que su vástago salga de clase.


El último espectáculo de la temporada regular, al menos de momento es El rey de Gurugú (del 4 al 15 de abril de 2018) con dramaturgia y dirección de Ferran Joanmiquel. El texto que forma parte de la trilogía que componen La Crida y La Filla de Chagal nos traslada a la frontera Sur (Melilla) pero en vez de meterse en la piel de un inmigrante, nos encontraremos un perro. Mientras que el público seremos los inmigrantes, el perro será el encargado de explicarnos cómo será nuestra vida una vez saltada la valla. En este espectáculo ha colaborado el fotoperiodista Samuel Aranda con sus fotos.

ADEMÁS...

Además de la programación regular, Eòlia cuenta con dos ciclos ya consolidados en su programación:

  • #MondayMonday, un ciclo de conciertos teatralizados con las mejores voces del teatro musical de Catalunya. Esta temporada contará, fundamentalmente (siempre abiertos a sorpresas) a tres nombres: Carlos Gramaje (11 de diciembre de 2017), Toni Vinyals (12 de febrero de 2018) y Judith Tobella (5 de marzo del 2018). A final de temporada se celebrará el #BigMonday al Poliorama. Todos los intérpretes estarán acompañados por los finalistas de la Marató de Solistas MondayMonday.

  • #OperaGlam que busca acercar la ópera a nuevos públicos y que ha conseguido crear una cantera de artistas líricos muy jóvenes. En esta edición se busca sentir y indagar por aquellos trozos sueltos que todos escuchamos en las salas de espera de médicos diversos. Descifrar el hilo musical.

Y antes de cerrar la crónica, dos novedades a destacar:

  • Eòlia es la sala escogida por el Festival Mostra't, que organiza el Centre Cívic Parc Sandaru para mostrar la pieza ganadora (del 1 al 4 de marzo de 2018).

  • Vermut sense límits. Una muestra de piezas cortas basadas en la improvisación el 3 de diciembre, Día Internacional de las Personas con Discapacidad. Teatro como medio para mejorar la felicidad personal.

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TEXTO: JON FOSSE
TRADUCIÓN, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ESTER ROMA CALLE
INTÉRPRETES: RAMON BONVEHÍ y BÀRBARA ROIG
DURACIÓN: 60min
LA SECA ESPAI BROSSA

No es que nos hayamos saltado una estación de repente, pero el texto de Jon Fosse hace honor a su nombre, la nieve invade la escena y los personajes son contaminados por esa baja temperatura.

Con el recuerdo del calor, del verano; con el gusto todavía en los labios del día anterior con Peccatum, la entrada de aire fresco es como una bofetada. El espectador, a medio camino entre lo impasible y las ganas de descubrir qué esconden los personajes permanece más inerte que de costumbre sentado.

Un hombre y una mujer intercambian un diálogo entrecortado. Medias palabras, diálogo sinsentido, reproches entre frases inacabadas, ¿pero qué relación tienen? ¿Se acaban de conocer en el banco de un parque o ya tenían una relación anterior?

Un tercer protagonista, el silencio. A veces no dice nada, pero en este caso viene a reafirmar su papel en la incomunicación de los intérpretes. Un silencio, incómodo, excesivamente alargado (en la mayoría de casos) y presente. El espectador busca que la escena avance, pero el texto le niega una y otra vez esa posibilidad. La cuarta pared es férrea, no hay ni la más mínima posibilidad de derribarla, y el público lo nota. 


Las interpretaciones son contenidas, más en el caso de Ramon Bonvehí, que mantiene a raya cualquier síntoma de cercanía, su mirada y gestos rozan lo gélido. Mientras que su compañera Bàrbara Roig echa mano de naturalidad para presentarnos un personaje más complejo, con más capas que gira entre la soledad que comparten los dos, a la locura por cambiar la aparente rutina donde se han estancado.

El texto es críptico, la historia se explica por el personaje de ella, por sus miradas, por sus gestos, por sus acciones... El texto es lento, porque realmente si no fuera por tanto silencio, por tanta frase entrecortada no superaría la media hora. Pero la vida también es lenta, críptica y vivimos más de 60 minutos. A Hivern le cuesta arrancar, pero la belleza de los últimos 5 minutos es sublime. Al final a cualquier experiencia hay que sacarle el jugo.

HIVERN

by on 20:02
TEXTO: JON FOSSE TRADUCIÓN, DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: ESTER ROMA CALLE INTÉRPRETES: RAMON BONVEHÍ y BÀRBARA ROIG DURACIÓN: 60min ...



DRAMATURGIA: TONI GOMILA
INTÉRPRETES: TONI GOMILA y CATALINA FLORIT
DURACIÓN: 50min
FOTO: MARIA BEL LLULL
PRODUCCIÓ: PRODUCCIONS DE FERRO
LA SECA ESPAI BROSSA


Toni Gomila ha tardado mucho en volver. Ha vuelto repetidas veces con Acorar, el éxito que todavía en la misma sala volvió a repetir la semana pasada. Pero había ganas de verlo en otro registro. Estaba vez también habla de carne, pero el "puerco" tiene dos piernas en lugar de dos patas.

Nos sumergimos en el mundo de las pornorondalles, una especie de fábulas verdes breves de monseñor Alcover, llenas de violencia, sexo, mujeres, hombres. Un dato curioso, que ocurrió durante mi sesión (y que a una le pone los pelos de punta) mientras se explican historias de violencia física o psíquica hacia las mujeres, los hombres ríen. El resto de la pieza es muy cómica, pero en ese punto la risa es peligrosa. 

El despiece de miembros es similar al porcino, pero aquí las partes escabrosas parece que se han eliminado, o al menos así lo decía monseñor. El que no se ha excluido es la sonoridad del mallorquín, que esta vez resulta igual de atractivo para los oídos y un poco más fácil de entender, lo cual se agradece.

Y se agradece también el juego con la lingüística: ay, las vocales neutras! o el juego de diferentes acentos, imperdible el momento de Adam i Eva. La comedia está servida y la risa no tiene lenguaje que le marque el ritmo.



La puesta en escena de Joan Miquel Artigues, Martí Gomila y Margalida Munar, no puede ser más simple, con el público en círculo entorno a un mini escenario donde un pequeño "altar" en forma circular se halla. Una ambientación mitad iglesia, mitad infierno por las luces rojas y el humo nos recibe. Que los espectadores estemos en círculos y a unos centímetros de la escena permite difuminar en un abrir y cerrar de ojos la cuarta pared.

La iluminación de Dani Noceda es uno de los puntos claves del montaje. Acentúa aquello que es necesario y sobre todo, en los momentos de escasa luz, convierte sus leves toques en experiencias sensoriales magníficas.


De sobra es conocida la maestría de las actuaciones de Toni Gomila, pero Peccatum nos tiene preparado una sorpresa, Catalina Florit. Una actriz nacida en Barcelona, pero cuya carrera se ha desarrollado entre Ses Illes y Alemania, hasta ahora casi desconocida para el público barcelonés. Seductora, juguetona, con sólo una mirada es capaz de convencer hasta el espectador más cerrado.

En esta ocasión hay un elemento tan importante como la interpretación, el movimiento físico. El juego no sería el mismo si se eliminará los movimientos que los actores ejecutan en escena, cómo la rondallas cobran vida, y ayudan a hacer más entendedor (si cabe) el texto. Una "pura" delicia.

PECCATUM

by on 17:39
DRAMATURGIA: TONI GOMILA INTÉRPRETES: TONI GOMILA y CATALINA FLORIT DURACIÓN: 50min FOTO: MARIA BEL LLULL PRODUCCIÓ: PRODUCC...


DRAMATURGIA, DIRECCIÓN e INTERPRETACIÓN: ÁNGELA PALACIOS y CARLOS MARTÍN-PEÑASCO
PUESTA EN ESCENA, ESCENOGRAFÍA y VESTUARIO: LOS PROMETIDOS
DURACIÓN: 70min
LA BADABADOC

Una de las salas fetiche de la temporada pasada, La Badabadoc, acaba de inaugurar temporada con la historia de amor de Henry Miller y Anaïs Nin. Un culebrón de amor, odio, celos y egos. La desnudez como pieza del puzzle, en escena dos mini-camas con ruedas, unas luces y poco más. El peso de la historia cae en la dramaturgia. 

A medio camino entre la seriedad y el petardeo, la puesta en escena topa con una pieza básica de toda obra teatral, el actor no debería escribir y autodirigirse. Craso error que épocas de crisis está demasiado presente y en Sólo creo en el fuego es un ejemplo de ello, el yo me lo guiso yo me lo como pasa factura al montaje.

Los momentos petardos son los mejores, en una dramaturgia a la que le sobra intensidad a radaules. No sé si conscientes o no del problema, los mismos creadores se ríen de esa saturación intensa del drama por el drama. Si en lugar de optar por el tono dramático, una vez descubierto el truco de teatro dentro de teatro se hubiera optado por la opción de petardeo continuado, el montaje hubiera tomado la fuerza que le falta.


Las interpretaciones son irregulares. Le sienta mejor el papel a Ángela Palacios, ella los momentos intensos se los ahorra y gana puntos con una interpretación más natural y contenida, y para muestra su monólogo, sensualidad sin necesidad de ser llevada al límite. 

Por el contrario su compañero, Carlos Martín-Peñasco tiene de entrada un gran problema, fuera de los momentos intensos, el acento, que no sería un problema sino estuviera acompañado por algo más imperdonable, la falta absoluta de dicción. No llegaré nunca a entender que alguien que utilice la voz como herramienta de trabajo sea incapaz de trabajarla, modularla y ser capaz de transmitir. No son los espectadores quienes tienen que hacer el esfuerzo por entender al actor.

Realmente hace falta una visión externa que aporte coherencia al conjunto. Así como una multiplicación de lenguajes, al texto le vendría bien una aportación extra de otros lenguajes escénicos, como puede ser la danza. Le restaría intensidad y potenciaría la  parte visual. Es toda una lástima que nuevas compañías como es el caso de Los Prometidos, no se puedan permitir una asesoría que les haga poder levantar sus buenas ideas y llevarlas un paso más allá del workin' progress.

SÓLO CREO EN EL FUEGO

by on 18:24
DRAMATURGIA, DIRECCIÓN e INTERPRETACIÓN: ÁNGELA PALACIOS y CARLOS MARTÍN-PEÑASCO PUESTA EN ESCENA, ESCENOGRAFÍA y VESTUARIO: LOS PROM...
@La Fil·loxera Teatre

DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: HELENA TORNERO 

INTÉRPRETES: IONA BALCELLS, LORENA HERNÁNDEZ y MARINA COLLADO 
DURACIÓN: 1h 20min
PRODUCCIÓ: LA FIL·LOXERA TEATRE
EL MALDÀ

La buena confitura viene en tarro pequeño. Siempre he sido partidaria de las escenografías vacías, donde sean los propios intérpretes quienes las llenen. Estiu de Helena Tornero es el último caso en darme la razón. Más minimalista la puesta en escena no puede ser. La palabra y la interpretación se bastan ellas solitas para conseguir transportarnos al mundo de las protagonistas.

No hay obra pequeña, Estiu nos hace viajar a la infancia de tres hermanas que fueron separadas en su niñez, Antonia, Laura y Maria, y a unos sucesos que todas ellas han pretendido olvidar, pero que ahora la hermana pequeña, Laura, les hace recordar con la supuesta excusa de escribir un libro.

La naturalidad recubre toda la obra pero si hay un punto donde se hace más visible es en el habla de sus protagonistas. Cada una de ellas utiliza un catalán diferente: Antònia, la hermana mayor habla lleidatà, Maria, la mediana, habla barcelonés y Laura, la pequeña lo hace en salat. Esta riqueza y diferencia lingüística pone, además un punto de comicidad en algunas partes de la pieza como en el momento de contar cuentos. 



Estiu tiene una dramaturgia irregular que pierde fuelle en la parte central de la pieza, con algunos momentos que se podrían dar forma con una poda en el texto. Pese a ello, la pieza está cuidada al detalle en su puesta en escena y esto ayuda a complementar momentos de digestión dramatúrgica más lenta.

Las interpretaciones mantienen el nivel a lo largo de todo el montaje con algunos puntos de hilaridad. Pero la naturalidad, la manera de decir el texto, a una velocidad más que considerable en algunos momentos, y la manera de estar en el escenario, otorgan a una, hasta ahora bastante desconocida, Iona Balcells un prometedor futuro escénico.

Últimos días de Estiu en el Maldà, un pequeño gran espectáculo donde los secretos tarde o temprano se acabarán revelando, al menos hasta el 16 de septiembre.

ESTIU

by on 18:40
@La Fil·loxera Teatre DRAMATURGIA y DIRECCIÓN: HELENA TORNERO  INTÉRPRETES: IONA BALCELLS, LORENA HERNÁNDEZ y MARINA COLLADO  ...


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

Hacía un tiempo que no sabíamos nada de LAMinimAL, pero parece que no ha estado de brazos cruzados y desde el 12 de septiembre ha iniciado una nueva aventura, LAminimaLAB en el mismo espacio que ya utilizó José Sanchis Sinisterra para iniciar su investigación escénica de su Teatro Fronterizo. Una investigación colectiva hacía los límites del hecho teatral. El espacio se encuentra en la calle Nou de Sant Francesc de Barcelona.

Treinta años después, LAminimAL Teatre reprende la actividad con la intención de mantener vivo el espíritu explorador y colaborativo. El espacio estará abierto a la comunidad profesional invitando a compañías, intérpretes, creadores y creadoras, personal técnico e interesados en la búsqueda artística y a participar en los laboratorios que se llevarán a cabo. Un lugar para cuestionar y cuestionarse.

Desde el 12 de septembre, una vez a la semana se tratará de un tema o punto de vista diferente, a través de ejercicios, lecturas y debates para ampliar la visión de la escena y traspasar las fronteras de aquello que parece inamovible. 


LAminimaLAB17



A partir del 12 de septembre 
todos los martes de 17:00 a 21:00h 
Confirma la tu participación en:
o llamando al +34 690 779 610
Colaboración 10€ por sesión.




LAminimAL TEATRE

LAminimAL nace en el 2010 en la Sala Beckett de la mano de Daniela De Vecchi como grupo de investigación entorno a los Sistemas Minimalistas Repetitivos. 

Desde entonces han producido y estrenado siete espectáculos: 

* La Grandesa d’ésser un entre tants (Temporada 13-14 en la Sala Atrium de Barcelona) 

* Dimecres (Temporada 13-14 en la Sala Beckett)

* El suïcidi de l’elefant hipotecat (Primera parte de la trilogia «Fer sonar una flor» que inaugura el Àtic22 del Teatre Tantarantana y que posteriormente se representó en La Seca-Espai Brossa y en la Sala Barts) 

* En abril del 2014 estrena en São Paulo Animales nocturnos de Juan Mayorga en coproducción con la Società Autonoma Laboratori del Mare. 

* En la temporada 14/15, se estrena en el Festival Frinje Madrid La supervivència de les Lluernes, creado en residencia en el programa Suport a la Creació de Fira Tàrrega en una coproducción del Festival Grec, Temporada Alta y Focus, y que se ha podido ver en temporada al Teatre Romea de Barcelona.
* La tercera parte de la trilogía, Apocalypse Uploaded: la transhumanització de les Abelles se ha podido ver en el Frinje Madrid y en la Fira Tàrrega 2016. 

* Su último espectáculo, Llançar-se al buit se ha estrenado en enero del 2017 en el Festival Internacional Santiago Off.
@Ros Ribas


Por Elisa Díez (Butaques i Somnis)

La temporada del Teatre Lliure comienza como acabó con una fiesta. La que ha montado Pau Carrió en su versión y adaptación de Nit de Reis (o el que vulguis). Un texto de Shakespeare que nos traslada a una especie de noche de carnaval, o la última noche de navidad como se llamaba entonces, donde todo parecía estar permitido.

En escena toda La Kompanyia Lliure, la oficial y 4 añadidos, pero como bien afirma Lluís Pasqual, no hay diferencias, todos ellos son jóvenes "con el mismo nivel de energía y de talento". Joan Amargós, Enric Auquer, Quim Àvila, Clàudia Benito, Raquel Ferri, Eduardo Lloveras, Jaume Madaula, Lluís Marquès, Joan Solé i Júlia Truyol

@Ros Ribas


Uno de los elementos más característicos de los montajes de Pau Carrió es la música. Para Nit de Reis se han compuesto música para las letras que ya aparecen en el texto original, juntamente con bases de blues con estructuras primarias, afirma Arnau Vallvé, músico y compositor de la banda sonora juntamente con el mismo Carrió.

Nit de Reis nos translada a una isla inventada en el Mediterráneo, que acaba de pasar una guerra, por lo que sus habitantes están todavía en proceso de duelo cuando comienza la fiesta. Hombres, gemelos, travestismo, alcohol, música y amor. Una noche de juerga donde todo puede pasar.


La puesta en escena a tres bandas diseñada por Sebastià Brosa y el mismo Pau Carrió permite que los actores entren y salgan de cualquier sitio. Mientras que el diseño de vestuario, de Sílvia Delagneau, nos transportará a la Europa de posguerra, la cual remarca la ambigüedad sexual que desprende el texto.

Nit de Reis fue estrenada durante el pasado Festival Grec 2017. El espectáculo, sólo se pudo ver durante tres días, "tendría que ser siempre así, hacerlo 2 o 3 días y después dejarlo reposar", afirma Enric Auquer. Las entradas de la primera semana han volado y es que comienza a oler a éxito. Habrá que darse prisa porque la fiesta sólo dura hasta el 8 de octubre en el Lliure de Gràcia.

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GOLD DUST RUSH | DANZA | 50min | ILLES BALEARS
Dirección y coreografía: Eulàlia Bergadà | Composición musical: Aloma Ruiz y Eulàlia Bergadà | Intérpretes: Eulàlia Bergadà, Marina Fullana, Roberto Gómez, Raquel Klein, Aloma Ruiz | Imagen y vídeo: Edu Pérez | Asesora de movimiento: Lipi Hernández | Asesor de dramaturgia: Roberto Fratini | 

Espectáculo de danza visual, muy visual y con un espacio sonoro ensordecedor durante la mayor parte de la pieza. El resultado es catártico, los cuerpos de los bailarines se mueven en progresión ascendente, desde ritmos pausados, a un climax esperpéntico a mitad de la pieza, en la que el ritmo se vuelve frenético igual que la composición de luces, con todos chirriantes y 'molestos' a los ojos, importantísima durante la pieza el juego de luces.

Violinista en directo en las piezas del principio y del final. Apoteosis lumínica pero también sonora, estridente durante la mayoría de la obra. Desorden de movimientos que se basan en la repetición hasta la extenuación. Un choque entre lo que anhelamos y la realidad. El cuerpo como recipiente que se llena y se vacía entre la confusión, que fluye, que se floquea.

Una coherencia difícil de alcanzar a simple vista, pero que en conjunto despierta sensibilidades contradictorias. Un ejercicio de expresión coporal y sensorial que depende del grado de implicación personal del espectador te puede hacer viajar hacia una dimensión u otra. En mi particularidad, conseguí sumergirme y dejarme llevar por la energía que desprendía tanto caos. Un catarsis para cerrar mi paso por Fira Tàrrega 2017.

MAÑANA LAS IMPRESIONES FINALES DE FIRA TÀRREGA EN EL BLOG

HARINERA (TE GANARÁS EL PAN CON EL SUDOR DE TU FRENTE) | TEATRO | 60min | CAT
Dirección y dramaturgia: Andrea Paz | Intérpretes: María Capell Pera, Marlene Avendaño, Ksenia Guinea, Maria Cristina Rodríguez Novau, Monica Riki, José Bidegain y Andrea Paz |

Espectáculo de teatro que sumerge al espectador dentro de la misma escena. Es el público que construye el espectáculo. Andrea Paz reflexiona sobre la sociedad de la precariedad y sobre el poder del individuo para sobrevivir o cambiar su destino. Para ello divide al público en diferentes estatus sociales que se enfrentarán, dialécticamente, entre sí en la parte final del montaje. 

La organización social y la capacidad del individuo a organizarse o actuar por sí mismo es lo que pone en solza la obra. Eso y cómo los estamentos de poder se ven influenciados por quien menos les conviene, o al menos con los que siempre salen perdiendo los mismos. En este caso el final es abierto, el resultado de la contienda de los espectadores será quien incline la balanza a un bando u otro.

Como experimentos dramatúrgico tiene una buena idea inicial que se diluye en cuanto la obra va avanzando. Es verdad que depende del público de la función el ritmo de la misma. Pero la parte final del debate dialéctico se hace extremadamente difícil mantener un ritmo adecuado y la obra acaba cayendo en un profundo sopor.

Las proclamas se quedan bastante en la superficie. Lo que podría ser una obra combatida con un cierto telón rupturista, convierte a los tópicos y a las frases manidas en su arma de combate. Propaganda barata y panfletaria. Además la parte final erotico-festiva, una vez conquistada la batalla por uno de los bandos, es un añadido superfluo que manipula aún más el discurso de combate que nos habían enseñado al principio. 



BREAKING POINT | CIRCO | 50min
Director artístico: Alexander Weibel Weibel | Técnico: Aino Ihanainen | Weibel Weibel Co |

Espectáculo circense de resistencia. La resistencia de los materiales simples y cotidianos como son el papel y el hilo de pescar. Investigación sobre qué tipos de materiales resisten más y cuáles son los más apropiados para desarrollar el montaje. El diálogo entre el público y el creador en los impases de los números proporciona una cercanía que el circo contemporáneo pocas veces permite. 

De algún modo parecería un espectáculo más de ir de por casa. Pero no, y aunque las acrobacias tiran hacía lo tradiccional, el punto de resistencia flexible lo encontramos en los materiales usados, porque para que utilizar una cuerda habitual si se puede utilizar una y mil capas de papel.

Más de un espacio de actuación hacen que el público, siempre presente, se mueva y ocupe el área escénica. Es una pieza para disfrutarla lo más cerca posible al artista. Desde lejos, el espectacle queda desvirtuado.

El gran escollo que con el que se encuentra el espectador es la falta de dirección. Se encuentra a Alexander Weibel Weibel como si pasara por allí. En los momentos hablados, la falta de proyección de la voz hace ininteligible las palabras, no se entiende. Necesitaría unas clases de showman para acabar de meterse el público en el bolsillo. Unos espectadores que en más de una ocasión se quejan de el sonido, pero de poco les sirve, el show tiene que continuar y la poderosa vista vale más que todas las palabras. 



BOLOGNA: PASOLINI | DANZA | 35min | CAT
Dirección: Marcos Morau | Coreografía: Marcos Morau en colaboración con los intérpretes | Intérpretes: Alice Bariselli, Laia Duran, Lorena Nogal, Marina Rodríguez, Manuel Rodríguez, Diego Tortelli, Sau-Ching Wong | Asesoramiento dramatúrgico: Celso Giménez y Tanya Beyeler | La Veronal | 

La Veronal nos traslada a Italia, a la noche del 2 de noviembre de 1975 cuando murió asesinado Pier Paolo Pasolini. Con una dramaturgia de las que tocan la fibra y una puesta escena sofisticada, La Veronal vuelve a desplegar su danza con un resultado notable.

Estéticamente recurren al rojo, de entrada con un deportivo de este color en medio de la sala, alrededor del cual se situará el público. El carmesí también es protagonista de la vestimenta. Hasta la sangre derramada queda en segundo plano ante tal avalancha de bermellón.

La dramaturgia es sensacional. En italiano con sobretítulos en castellano e inglés, al menos en Tàrrega, describe los momentos previos y la figura del cineasta, poeta y novelista. Y aunque, a ratos (si no sabes italiano) tengas que olvidar los sobretítulos, para volver tus ojos hacia la danza. Cuerpos descomplejados, la danza vuelve a acompañar la palabra, para crear ese clima de tensión, ya que el público, conocedor de la historia sabe qué está a punto de succeder.

Con una puesta en escena circular por donde el público se puede mover entorno al círculo, aunque en mi función la cantidad de personas no permitía dar ni un paso (ya lo tiene Fira Tàrrega), Bologna: Pasolini se convierte en una especie de conjunto de diapositivas que pasan a gran velocidad. La Veronal vuelve a ser una apuesta segura.




FERIDA | PERFORMANCE / MULTIDISCIPLINAR| 70min | CAT & PORTUGAL
Dirección artística: Julieta Aurora Santos | Creación e intérpretes: Caterina Campos, Quim Girón, Pau Masaló Llorà, Rui Paixao, Alba Torres | Músico: Tiago Inuit |

El parque de Sant Eloi acoge este site-specific sobre la memoria. Un lugar ideal, y más en la función de las 20h donde el atardecer es el invitado sorpresa. Congregados los presentes en la Font del Congres, en los pies del parque el recorrido nos irá descubriendo lugares desconocidos del parque. 

La noche se va haciendo presente mientras subimos campo a través y en el camino los diferentes artistas presenta su particular visión sobre el tema en cuestión, la memoria: del speak corner inicial a base de preguntas directas a los espectadores, a algunas sorpresas entre los árboles, para llegar a uno de los momentos más preciosistas del espectáculo. Mientras las tormentas de la noche acompañaban de fondo, una bailarina ponía danza al momento, con unas luces proyectadas sobre los árboles, que conseguían que el momento se convirtiera en una búsqueda de paz interior.

El final de la pieza, más de carácter performático se alarga en exceso y no acaba de quedar clara la idea. Quizás el frío de la noche tampoco acompañó a la consecución de las ideas, que quedaron más separadas del resto. La verdad es que en una pieza con tantas cabezas, y con un esquema de elementos tan diferentes es difícil que la suma acabe de encajar.

Como experiencia es interesante, no sólo por el paseo por el parque, sino també a nivel multidisciplinar. Que la suma de factores no de un resultado aclaparador, no quiere decir que por separado, cada uno con su entidad diferente, pueda ejercer un más que convincente resultado.

MÀTRIA | TEATRO | 70min | CAT
Dirección y dramaturgia: Carla Rovira Pitarch | Intérpretes: Marc Naya Diaz, Àngela Pitarch Isart, Carla Rovira Pitarch | Ayudante de dirección: Ramon Bonvehí Rosich |

Carla Rovira vuelve a Tàrrega para buscar sus raíces. Como titular funcionaría, y en cierto modo es así, porque la memoria histórica que los nietos y biznietos de aquellos que sufrieron la guerra está más que presente hoy en día. El silencio de otras décadas se ha roto y toca poner las cartas sobre la mesa para saber, para que no se olvide.

Màtria es un espectáculo documentado, muy bien documentado. Nada de fascímiles de poca monta, aquí hay un proceso de investigación previo y propio, de la familia de la Carla, que daría para más de una obra. Una historia particular la de Enrique Isart, tío-abuelo de Carla, fusilado por los franquistas con 23 años. Partiendo de este caso concreto, la historia pasa a ser general. Las reflexiones entorno a su vida y muerte nos hacen reflexionar sobre que no fue un caso único.

Los espectáculos de Carla Rovira tienden a congujar la realida más seria con el humor. Por eso tras un inicio más parecido al teatro documental, que se irá percibiendo a lo largo de la obra, la obra gira hacía un tono más casual y humorístico con la parte del Skype. El contraste entre el mundo de entonces, representado en forma de las cartas de Enrique, con el de ahora vía vídeoconferencia pone al espectador en la tesitura de que no será el mismo 'cuento' de siempre.

Otro acierto, que al principio puede resultar extraño, es convertirnos todo en femenino genérico. Un toque de frescura y naturalidad, humor y reivindicación a partes iguales. Porque Màtria es una historia de mujeres. Las de tres generaciones pasadas, algunas ya muertas otras vivas, que cargan el peso del silencio. De callar lo que saben. Dos de ellas en escena. Magnífica la incorporación de la figura materna dentro de la obra. La naturalidad del momento es tan aplastante, que te llegas a preguntar si siguen un guión o si es lo que les sale en ese momento.

A pesar de todo ello y de que el punto de partida sea el adecuado y sorprenda, el final no es el adecuado. Una vez destapadas las cartas. Las dos últimas escenas finales quedan como un pegote con respecto al resto de la obra. La historia de Genoveva, más allá del valor sentimental, no sería conveniente que pasara del mero titular, ya que no aporta nada al conjunto de la historia.

El espacio escénico en forma circular, donde al entrar parece que se va a celebrar un ritual, es ideal para que tu atención sólo se fije en la escena. Durante 80 minutos sólo existe la historia de Enrique, la historia de la familia de Carla. Màtria es un dramaturgia de memoria, feminista, un diálogo intergeneracional lleno de preguntas sin respuestas y lo malo es que el tiempo no pasa en balde y los testimonios caerán en el silencio para siempre. De momento ya tenemos una historia, la de Enrique Isart Alonso, ¿quién es el siguiente?




MY BABY IS A QUEEN | DANSA | 40min | CAT
Autoría y dirección artística: Eva Vilamitjana y Albert Vilà | Dramaturgia: Albert Vilà | Interpretación: Miquel Fiol, María Hernando / Eva Vilamitjana, Raquel Gualtero y Guido Lucas (Bailarines); Asier Suberbiola, Nil Villà, Nico Sánchez (Músicos) | Compañía La petita Malumaluga |

Aunque hace tiempo que dejé de ser un bebé, tenía ganas de descubrir qué era eso de espectáculos para personas de 0 a 3 años. Con música en directo la compañía La Petita Malumaga intentan que estos pequeños seres se sientan libres de vagar por su escenario. Música, danza, luces y acción.

Quizás no fue su mejor función, o que no eran demasiado atrevidos, pero los bebés de mi función se resistieron a participar en el acto. Desconozco las habilidades que un artista/actor/bailarín tiene que tener para ser capaz de motivarles de tal manera que cooperen en el espectáculo. En este sin duda disfrutamos más los adultos que los niños.

La música y la danza se complementan a la perfección, pero no acompañan los efectos lumínicos demasiado acentuados para la percepción de un bebé, que más que invitarles a entrar les hacen llorar o querer marchar y ni falta de elementos dramatúrgicos para animarlos a participar.




a X amor o Mujeres áureas | TEATRO | 60min | CAT
Dirección: Txell Roda | Intérpretes: Pilar Martínez, Mònica Lucchetti, Laura López, Manuel Veiga | Dramaturgia: creación colectiva a partir de una propuesta dramaturgica de Jonay Roda sobre los textos de las autoras del Siglo de Oro: María de Zayas y Sotomayor, Feliciana Enríquez de Guzmán, Anna Caro de Mallen, Lope de Vega y Carpio | mvmproduccions |

Encontrarse con el Siglo de Oro en medio de los espectáculos de Fira Tàrrega resulta curioso. Quizás por eso de ser una propuesta que no encajaba del todo con lo que estamos acostumbrados a encontrar la marcamos con un imperdible. La realidad no estuvo esta vez de nuestro lado.

En escena Lope de Vega, pero él no será el protagonista sino la víctima de la dialéctica de las mujeres, a las que hasta ahora han acallado por motivos de género las que llevarán las riendas de la obra. Entre los clásicos de la literatura española, por querer darle un toque 'moderno', se cuelan un sinfín de anacronismos. Debe ser que el 1600 nos queda lejos y necesitamos una cercanía.

Uno de sus principales problemas está en la dramaturgia, dispersa, que busca una complicidad con el público que no encuentra, pobres de ellos sumidos en un aburrimiento que no recordábamos desde los años de algunas lecciones de la escuela. En búsqueda de hacer pedagogia, que sí, que está bien, nos perdemos en una malgama de nombres, de ellas, que no sabemos si son reales o inventados, y que deberían ser una raiografía de la situación de la mujer de la época, pero se quedan en simples trozos de obras, más anecdóticos que otra cosa.

La dirección de Txell Roda ha optado por unas interpretaciones con más que una brizna de pretenciosidad, que si cabe alejan más aún al espectador. Es verdad que existe la tendencia a hacer grandilocuentes las palabras de los clásicos, pero hoy en día tal dicción y entonación es demasiado impostada, al menos para el ámbito catalán.

La decisión más acertada fue el encuadre del espectáculo, que más bien es una felicitación para la organización de la Fira Tàrrega. El enclave de la plaza dels Albers le caía que ni pintada al espectáculo. Una verdadera lástima que el resto no fuera a juego.




NINGÚ VA ALS ANIVERSARIS A L'ESTIU | TEATRO | 70min | ILLES BALEARS
Dramaturgia: Lluki Portas | Intérpretes: Diego Ingold y Lluki Portas | Assessor de dirección: Ernesto Collado | Hermanos Picohueso |

Estamos invitados a un aniversario muy especial. Lluki lleva más de tres meses esperándonos, desde aquel día que no invitó por primera vez y nadie se presentó a su fiesta de cumpleaños. Decepción absoluta que prevemos que nos hará pagar de una manera u otra.

La terraza del Museu Comarcal es el lugar elegido para el evento. Fresca noche en Tàrrega. Esto se avisa, no estaba especificado en ninguna parte. Es el día de Lluki y por ella, espectadores activos y los más tímidos se esconden, porque no hay huída.

Un espectáculo basado en la pura anécdota, llevada a situaciones a veces demasiado surrealistas, otras más comunes e incluso alguna de patio de colegio, aguanta lo que el público esté dispuesto a dejarle. Era viernes, es Tàrrega y quién no se apunta a una fiesta. Más allá de que hay montajes 'made in Tàrrega' como éste, una servidora no tenía el cuerpo para aniversarios. La consistencia de la obra pierde la gracia a la media hora, donde todavía no ha llegado ni la tarta.

Algunos intrépidos que consiguieron empatizar con la propuesta, quizás vivieron la fiesta de su vida. Los que buscan algo más que la pura anécdota nos quedamos con la experiencia y poco más.




D-CONSTRUCTION | DANZA | 35min | FRANCIA
Dirección artística: Souhail Marchiche y Mehdi Meghari | Coreografía: Menhdi Meghari | Intérpretes: Elias Ardoin, Evan Greenaway, Samir El Fatoumi, Yohann Daher, Vanessa Petit, Émile Tarpin-Lyonnet | Compañía Dyptik

Finalizo la segunda jornada con un toque de danza urbana donde la estructura metálica representa el poder, aquel que les atrapa, les condena a vivir encerrados en su propia prisión, y al mismo tiempo, les espone a los ojos de un mundo cruel. 

Vibrante ejercicio corporal con público en los dos bandos de la valla, mirando se las caras. La cuarta pared no existe en un pieza donde bailarines entran y salen de 'escena'. Caminan entre un público que sólo mira. La Plaza de las Naciones vuelve hacer honor a su nombre y se vuelve reivindicativa, en un alegato al no-mundo, donde las fronteras no existen.